SERGIO CANCINO

Discos internacionales 2011

2012-01-07T20:35:00.001-03:00

Discos para atesorar:

M83, "Hurry Up, We´re Dreaming"

Una fantasía retrofuturista con sintetizadores, épica y ciencia ficción urbana. Setentismo grandioso para viajar a la adolescencia y (re) descubrir por qué la vida sin música sería un desastre.

Foo Fighters, "Wasting Light"

El mejor show de guitarras y coros de la temporada. Desde "There´s Nothing Left to Lose" (1999) que el grupo no sonaba con tanta precisión. Como dice La Cuarta, Dave Grohl es de verdura.

Dum Dum Girls, "Only in Dreams"

Hipnótico y masticable retropop: como unos Pretenders producidos por Phil Spector en los 60s. Escuchar en vinilo para una experiencia total.

Steven Wilson, "Grace for Drowning"

El hombre ancla de Porcupine Tree se despacha un enigmático monolito con incrustaciones de progrock, jazz y electrofusiones que recuerdan a Talk Talk, Pink Floyd, David Bowie y A Perfect Circle. Su show en vivo es impresionante.

Florence and the Machine, "Ceremonials"

Un ritual de emociones que maravilla con cada nueva repetición. En el año del regreso de Kate Bush, Florence es su digna y joven compañera.

Britney Spears, "Femme Fatale"

Megapop robótico, magnético e hipnótico. Un cyborg que danza en llamas hasta el infierno. Tan bueno es el disco que preferí saltarme el concierto para evitar decepciones.

Yes, "Fly from Here"

Aunque basado en viejos demos, este primer disco en 10 años demuestra que una banda de veteranos puede sonar fresca y que (sí, otra vez) hay vida más allá de Jon Anderson.

Duran Duran, "All You Need Is Now"

El pop es más aburrido cuando los ingleses no lanzan discos. Glamoroso, hedonista, sofisticado e inquietante. Vaya a Youtube y busque al grupo inmortalizado bajo el lente de David Lynch.

Pajama Club, "Pajama Club"

¿Qué hacer cuando los niños se van de casa para dedicarse a la música? Simple: armar una banda con tu mujer, algunos amigos y ensayar en pijama. El detalle: el dueño de casa es Neil "Crowded House" Finn. El peluseo familiar nunca sonó tan adictivo.

Discos chilenos 2011

2012-01-07T17:52:00.000-03:00

17 discos favoritos del año que se fue:

Fernando Milagros, “San Sebastián”

Pedropiedra, “Cripta y vida”

Jazzimodo, “Cortar y pegar”

María Colores, “Llamadas perdidas”

Colombina Parra, “Flores como gatos”

Ana Tijoux, “La bala”

Evelyn Cornejo, “Evelyn Cornejo”

Portugal, “Viajes de memoria”

Los Jaivas, “Alturas de Macchu Picchu: 30 años”

Natalia Molina, “Cuna de piedras”

Zaturno, “Esencial”

Jano Soto, “Ay, bonita!”

Verso Versátil, “Nueva etapa”

Astro, “Astro”

Grilli, “Palabras”

Myriam Hernández, “Seducción”

Cristián Fiebre, “Antialias”

Bonus Tracks, 10 canciones notables de discos que no están en el listado anterior:

Los Vásquez, "Basta" (single)

Diego Álvarez con Manuel García, "Bordados" (Humo blanco)

Ismael Oddó, "La vida me duele amor" (Bando No. 1)

Francisca Valenzuela, "Qué sería" (Buen soldado)

Luis Jara, "No sabía" (Late fuerte)

Alex Anwandter, "Tatuaje" (Rebeldes)

Silvestre, "Vengo" (single)

MC Billeta, "Nonono" (Pedaleando lento)

Chancho en Piedra, "Cirilo Murruchuca" (Otra cosa es con guitarra)

La Noche, "Donde hubo fuego" (single)

Nuestro momento

2012-01-05T14:31:00.002-03:00

Textos publicados en revista iPop, diciembre 2011.

Foto: Magaly Flores, Día de la Música 2011 en Parque O´Higgins.

Cada vez que se anuncian los carteles de Lollapalooza, Maquinaria, Día de la Música, Creamfields, Viña, Olmué o el festival más cercano a tu geografía y/o corazón, queda la sensación de insatisfacción. Probablemente porque en los 70 y 80 tuvimos tan poco, ahora queremos todo. Deben ser nuestras enormes expectativas de este Chile que nos venden como la Inglaterra sudaca. Tiene que ver con la auto-imagen país y con una extraña búsqueda de redención masiva al aire libre, que abarca desde las marchas hasta el fervor por la Selección Nacional de fútbol. En la era digital, el exceso de opinión y la falta de argumentos dominan. El chaqueteo mutó en troleo, la mala leche en el posteo anónimo. Observa tus redes sociales un rato: se juega al pelotazo, pocos parecen amar la pelota (las palabras) lo suficiente como para tenerla un rato y tratarla con gracia. Si los baños públicos suelen estar tapizados con chuchadas cachondas, los muros digitales tienden a la amargura y la intolerancia, a actuar en reacción más que en creación. En nuestro reino del sarcasmo, la ironía es un arte perdido, un lujo de damas y caballeros análogos. A diferencia de otros países latinos, Chile carece de carnavales. De ahí los excesos del 18, la euforia incontrolable de cada Año Nuevo, la locura de cada feriado largo. Por eso, más allá de la oferta musical, lo mejor de Lollapalooza 2011 fue su diseño como un espacio familiar para patotas que quieren pasarlo bien. Niños, mamis, metaleros, raperos, electrónicos, rastas, poperos, ecológicos, curiosos y pelusones. Me aferro a ese espíritu de fiesta. Además, Lollapalooza Chile coincide con otra gran celebración democrática y callejera: la Maratón de Santiago. Es uno de mis fines de semana favoritos del año, quizás porque funciona como un gran filtro de la mala onda. Somos simples humanos que corremos, sudamos, vamos a los conciertos y nos volvemos locos. En el escenario o en las calles, aplaudimos y alentamos a extraños, nos reconocemos en otros, en sus emociones y pasiones, en vivo, no atrás de un teclado. Un ritual que debería ser más habitual. Cuando miro la oferta de Lollapalooza 2012, me fijo más en las presencias que en las ausencias. Vi a Foo Fighters remecer por tres horas el Madison Square Garden de Nueva York y me alegra que podamos admirar en Santiago a la mejor banda de guitarras del momento, más encima si en la pasada incluyen a la magnífica Joan Jett & The Blackhearts. El otro día soñé con MGMT remezclando a Los Jaivas, Björk tocando desde el interior de un iPad, Yael Meyer al piano con Band of Horses. El batallón chileno está sólido, con nombres como 31 Minutos, Mazapán, Electrodomésticos, Pedropiedra, Fernando Milagros, Alex Anwandter, Silvestre y una Camila Moreno que estará mostrando su nuevo disco grabado con Cristián Heyne. Vamos a la fiesta. Todos juntos. “De la mano en el mismo trayecto”, como dice Portugal en “Nuestro momento”.

ALEX ANWANDTER

“Rebeldes”

*** ½

Existe una discusión muy llamativa sobre el rol de Brian Eno, productor, gurú y no-músico por autodefinición, en el último disco de Coldplay, “Mylo Xyloto”. Mientras para algunos la colaboración acerca al grupo a la desprejuiciada exploración de bandas como U2 y James, para otros la “Enoxificación” está aniquilando a la banda de Chris Martin haciéndola sonar como Enya con cascadas guitarras y sintetizadores bailables. En la gran industria discográfica, el trabajo del productor como escultor de sonidos está ampliamente documentado; en nuestro pequeño mercado, son contados los casos en que un nombre es relacionado con un cuerpo de trabajo. Cristián Heyne es uno de ellos y el año pasado estuvo detrás de tres celebrados discos: “Audiovisión” de Gepe, “Mena” de Javiera Mena y “Música, gramática, gimnasia” de Dënver. Él es el socio de Alex Anwandter en este disco firmado con nombre y apellido, tras las aventuras de Odisea y Teleradio Donoso. Anwandter, dueño también de créditos de producción, se refiere a Heyne como un “editor de ideas”. En ese proceso, “Rebeldes” abandona la ambición fílmica/urbana de Odisea y desarrolla un pop directo, emocional y ochentrónico, donde “las palabras son cuchillas”, como cantaba Jorge González. La dupla se mueve en una zona de seguridad, sin grandes sorpresas, con abundancia de posibles singles y ecos que remiten a una amplia galería de afectos musicales que van desde la meticulosidad de 10cc/The Buggles, la melancolía bailable de NewOrder, los inicios sintéticos de a-ha/ Kajagoogoo/Pet Shop Boys y el citado drama latino de “Corazones” de Los Prisioneros. Cada colección de Anwandter tiene personalidad propia, en reacción a la anterior. Estas 9 concisas canciones bien pueden marcar el cierre de un glorioso electro-sueño y el desafío de un nuevo amanecer.

Björk

2012-01-05T14:19:00.002-03:00

Publicado en revista iPop en noviembre de 2011

BJÖRK

“Biophilia”

*** ½

“Caderas. Labios. Tetas. Poder”. Así tituló la revista británica Q su clásica portada de 1994 con la reunión de PJ Harvey, Björk y Tori Amos, las diosas alternativas de la década. Alejadas del retrato de estrógeno en llamas, este año las creadoras retornaron con los lanzamientos de sus respectivos álbumes conceptuales: “Let England Shake” de Harvey, “Night of Hunters” de Amos y “Biophilia” de Björk, el más osado del combo. Promocionado como “el primer disco de aplicaciones de la historia”, es un proyecto multimedia en que cada track genera contenidos al desplegarse más allá del reproductor de cedés tradicional. Una criatura interactiva concebida como una amorosa exploración de la estructura de la vida: del virus a la galaxia en la era del iPad. Hace rato que la islandesa está más cerca de National Geographic que de VH1 y acá diseña un ecosistema para usuarios-computadores. Al igual que Radiohead, Björk transformó todo el proceso discográfico en un laboratorio de sonidos, ideas y estrategias: el sueño de la estación espacial propia. Si nos limitamos a la música, “Biophilia” es un trabajo conservador dentro de los parámetros del pop vanguardista de su autora. Más que canciones, el paquete básico trae diez íntimos paisajes emocionales con algunas ocasionales y vigorosas erupciones electrónicas (notables en “Mutual Core” y el single “Crystalline”). A mayor concentración (¡audífonos!), mayor la belleza que brota desde piezas que al primer contacto parecen gélidas (“Cosmogony”, “Hollow”). Sin embargo, la uniformidad ambiental sabotea la posibilidad de un disco memorable. La madre naturaleza toma su venganza al cierre de la edición limitada con “Náttúra”, que suena como Chile: tsunamis, terremotos, aluviones, volcanes, glaciares y desiertos absorbidos por la siempre caótica condición humana.

R.E.M.emorando

2011-11-19T00:14:00.001-03:00

Textos publicados en la edición de octubre de revista iPop.

Ser viudo de REM es comoser viudo de Bielsa. Inexplicable para quien no entiende que una forma de hacerlas cosas puede cambiarlo todo y convertirse en un arma de emoción masiva.Porque el DT jamás olvidó que el fútbol vive en la cancha y en el hincha, no enlos dirigentes ni en la prensa ni mucho menos en La Moneda. La disuelta banda siemprese concentró en las canciones y los fans, nunca en la industria y lasperversiones de la celebridad. REM hizo una brillante transición de grupoalternativo a banda de estadios, firmó contratos millonarios, tuvo éxitos,premios e incluso lanzó discos jugados que exasperaron a los seguidoresocasionales. El grupo tuvo una atención personalizada hacia sus adeptos/adictos,mucho antes de Internet, una llama que hoy mantienen grupos como Pearl Jam yRadiohead. Por eso funcionaba tan bien en vivo, en el sudor y la ternura. Así evitaronla trampa del piloto automático (Rolling Stones), del mesianismo humanitariocon naves espaciales como escenarios (U2), la teleserie (New Order, LosPrisioneros) y la momificación (The Cure).

La ruptura llegó después de dosdiscos guitarreros y ganosos, “Accelerate” (2008) y “Collapse into Now” (2011):en REM la música es sangre y foco. Incluso su entrega más débil, “Around theSun” de 2004, abre con la magnífica “Leaving New York”, una canción dedespedida que tritura los huesos. Dejar Nueva York nunca es fácil, peroabandonar el país de REM es imposible. Sobre todo si timbraste tu pasaporte enlos dos shows que ofrecieron en noviembre de 2008 en Movistar Arena. Eladjetivo "histórico" suena chungo y barato cuando supiste del triunfode Obama a través de un TwitterizadoMichael Stipe sobre el escenario, abrazado con el enorme Mike Mills albajo y anclado en las guitarrasgigantes de Peter Buck. Fueron conciertos muy intensos y muy diferentes, másallá de las variaciones en el set de canciones. Mientras el primero fue puraelectricidad y detonaciones perfectas, el segundo fue el sonido de los nervios.De hecho, se equivocaron más la segunda noche, mientras revisaban los reporteselectorales gringos. Recuerdo una demoledora "Country Feedback", "(Don´tGo Back to) Rockville", "Electrolite", "Radio FreeEurope", "Nightswimming" y,por sobre todas las cosas, la entrega acústica de "Let Me In": enpenumbras, a espaldas del público, en un círculo incompleto dedicado a todoslos que caminan por otras veredas. No sólo sus finados amigos Kurt Cobain y RiverPhoenix, sino todos los que nos dejaron a ti y a mí. La canción es el episodiomás conmovedor de “Monster” (1994), eléctrica criatura anaranjada cuya complicadagrabación, según confesó Stipe, los llevó a una momentánea separación. “Let MeIn” condensa el arte de echar de menos en una frase: I only wish that Icould hear you whisper down.

Cuenta la leyenda que durante la glorianoventera de REM como cuarteto, Michael Stipe miró hacia un sillón donde suscompañeros estaban apretados hablando con la prensa. Y dijo que probablementecon uno menos estarían sentados más cómodos, pero ya no serían REM. Pese a eso,continuaron cuando el baterista Bill Berry se retiró. Algo se rompió, pero elsegundo tiempo trajo maravillas como “At My Most Beautiful”, “Imitation ofLife” y “Überlin”. Los amigos también necesitan vacaciones: estoy convencidoque la banda regresará, tal como hicieron los ingleses James tras seis años dereceso. Volverán por todas las razones correctas: por las puras ganas, porquesí. Ahora nos toca echarlos de menos, que no es igual a extrañarlos, que huelea ajeno, a destierro. La única certeza es que REM sigue aquí con toda esabelleza. Ser indestructible como un recuerdo con parlantes. Esa es la mejorrevancha, mientras miramos el sillón vacío.

JAZZIMODO

“Cortar y pegar”

****

Existe un elemento primaveral en la música deeste dúo que deja la pena volar y, al mismo tiempo, espanta los chubascos. Fueuna de las gracias de su debut de 2008, que incluyó ese encantador disparo alcorazón llamado “Caramelo”, uno de los singles chilenos más efectivos en años.Para su segunda entrega, Jazzimodo profundizaen el sonido latino y gana sabrosura, sin jamás perder sus ganchos sofistipop. Hay vientos generosos,arreglos de cuerdas, guitarras invitadas (Ángel Parra y Federico Dannemann) yuna colaboración jazz-hip hop con Tea Time (Los Tetas) en las rimas, todo alservicio de un registro ancho y meticuloso, pero nunca recargado. Uno de losmayores triunfos de “Cortar y pegar”, insinuado por su título y confirmado porsus créditos, es que suena cohesionado pese a que la cantante Paz Court y eltecladista Lautaro Quevedo trabajaron la composición y la producción de susrespectivos temas por separado. En este sentido, sobresale la asociación deCourt con Ricardo Luna, su compañero en el trío de electropeluseo fluorescente Tunacola. La música chorrea luz en“Cómo fue” (original del cubano Ernesto Duarte) y en el jazzimambo “Mambo”; ofrece melancolía modelo Portishead conantidepresivos (“Recuerdo”); y no abandona el jugueteo del pop electrónico(“Pelota”, “Déjate llevar”). Dos de los músicos más talentosos y requeridos dela escena local demuestran su versatilidad y transmiten que lo pasaron bien.Basta mirar la setentera carátula. Gracias por “Cortar y pegar” en la era de lapapelera de reciclaje.

Miénteme TV

2011-10-06T22:05:00.000-03:00

Columna publicada en revista iPop, septiembre de 2011

A comienzos de los 90, en términos de cultura pop, seguíamos viendo tele en blanco y negro. Porque después de la dictadura y bajo el arcoíris de la Concertación, la televisión nacional seguía estancada en los 80. Peor aún, parecía transmitir desde una dimensión paralela, desde el anuncio de una alegría y un destape intermitente. La llegada del cable nos abrió los ojos. Confirmamos que había más vida allá afuera. Al fin teníamos nuestra entrada para integrarnos a la “aldea global”, una expresión gastada que era el “signo de los tiempos” y alimentaba la fantasía que entre tú y el actor Kevin Bacon no había más de seis grados de separación. Tal vez no tenías televisión pagada, pero existía el rito de juntarse con algún privilegiado o grabar en VHS para luego compartir: en ese sentido, Chile era más aldea que global, tal como el terremoto de 2010 nos demostró que somos más adobe que concreto. MTV, el canal de video-música parido en 1981, fue un abrelatas para los sentidos. Una cañería de estímulos que nos brindó alegrías: éramos malos para la pelota, pero Los Prisioneros inauguraron la señal latina con “We Are Sudamerican Rockers”; Los Tres y La Ley golearon en MTV Unplugged; Alfredo Lewin, cual Iván Zamorano headbanger, fue nuestro capitán y embajador en aquella utopía. Gin Blossoms, Blind Melon, Henry Rollins, James, nombres que absorbimos a punta de pantallazos. Ni hablar del desenchufado de Nirvana que distorsionó el espacio-tiempo de una generación y fue pasión, muerte y resurrección. Tantos momentos memorables. “Epifánicos”, escribió Alberto Fuguet. En nuestra adolescencia con alargue (“transición” le llamaron los políticos) quisimos un paréntesis que durara para siempre. Pero nos cayó la alcachofa, la teja y el carnet. Nos encontramos en otras décadas, hipnotizados con VH1 como quien repasa las fotos de veranos pasados. MTV apagó los videos y encendió programas para otros. Vino el sentimiento de traición, esa acusación tan chilena: “se vendió”. Cuando en realidad quien pone precio a su vida es quien sostiene el control remoto. El otro lado de la pantalla siempre es una compraventa, ópticas ilusiones idealistas de por medio. Pero fue una adorable mentira y todos íbamos a ser hermosos “freaks”, mientras muchos estudiábamos gracias a créditos y “fondos solidarios” que años más tarde terminarían agobiándonos. Ahora asumimos que para el mundo no crecemos: simplemente cambiamos de target, de grupo objetivo, de tramo. Entre tonteras y decepción, la tele volvió a la frialdad y arrogancia ochentera. Por eso buscamos respuestas online, en radios, papeles, incluso en los gritos ciudadanos que aplanan las calles. Y echamos de menos nuestra MTV, porque hoy la televisión está para emitir cualquier cosa, menos revoluciones y emociones.

Colombina Parra / Miles Kane

2011-10-06T21:45:00.001-03:00

Reseñas publicadas en revista iPop, agosto 2011

COLOMBINA PARRA

Flores como gatos

****

Antes del oleaje eléctrico de Los Ex, hubo una banda llamada Barracos que cantó a las ballenas y a los amores que duelen como puntadas (“Todo”). Al frente del quinteto estaban Pablo Ugarte (UPA) y una tímida Colombina Parra en los teclados. Sólo lanzaron su debut de 1994, dominado por las composiciones de Ugarte, y al año siguiente telonearon a The Rolling Stones en el Estadio Nacional. Ese CD cerraba con “El ramo de azahar”, una hermosa miniatura firmada por la hija del antipoeta Nicanor. Dieciséis años después, el debut solista de Parra vuelve a ese jardín primitivo. En medio están los tres álbumes que hizo con Los Ex, cargados de explosiones de rabia, frustración, crítica social y sabiduría callejera. Al mando, guitarra en mano y amplificadores en el pecho, ella se convirtió en símbolo de las rockeras nacionales. Su sombra incluso creció con los diez años que pasaron entre el EP “Esta tarde vi llover” (1997) y el retorno con “Cocodrila”. En “Flores como gatos” no hay gritos, sino susurros: es el regreso a la era pre-Colombina, a la antesala del ruido de Los Ex. Son apenas 26 minutos apuntalados en 8 canciones con instrumentación mínima: guitarra de palo, algunas percusiones, líneas de bajo y ruidos ambientales. El resto es la voz de Colombina contando (más que cantando) unas letras descriptivas, directas, sin interferencias metafóricas. Es un paseo anclado en la familia, el instinto maternal y los amigos, los afectos más sanguíneos y cotidianos. Frases sobre lugares donde almorzar, berlines sabrosos, siestas y conversaciones en cámara lenta. A ratos suena como Christina Rosenvinge incursionando en el jazz guachaca de Roberto Parra; la mayoría de las veces fluye como un improvisado guitarreo en la cocina, con una calidez capaz de calmar un dolor de muelas.

MILES KANE

Colour of the Trap

****

La estampa del joven señorito Kane recuerda a un joven Paul McCartney y sus apetitos musicales están anclados en los 60 y los 70. Aunque el músico ganó atención en Inglaterra con su banda The Rascals, su auténtica hemorragia creativa fue The Last Shadow Puppets, la aventura que en 2008 emprendió con su amigote Alex Turner, líder de Arctic Monkeys. Este debut con nombre y apellido funciona como una segunda parte de esa brillante entrega: coescribió la mitad del disco con Turner y mantiene esa devoción retro que no se limita al arte y al sonido análogo, sino que nos remonta a la gloria de los vinilosaurios, cuando los álbumes tenían más buenas canciones que relleno. “Colour of the Trap” es una cámara de ecos del pop psicodélico y a cuerdas, que salta de una pieza modelo T.Rex (“My Fantasy”, con Noel Gallagher en coros) a otra digna de un sueño erótico como “Happenstance”, a dúo con la actriz Clémence Poésy (Fleur Delacour en la saga Harry Potter), y luego genera una banda sonora para detectives nocturnos en “Telepathy”. Miles Kane logró condensar en un par de años el aprendizaje pop que a Sean Lennon le tomó una vida completa. El disco incluye melodías tan familiares que, más que compuestas en este siglo XXI, parecen desenterradas de una vieja antología de nuestros padres (“Take the Night From Me”). Sin embargo, las emociones muerden, los arreglos no están recocidos y las luces siempre iluminan nuestros oídos. En tiempos digitales de copiar-pegar y quémese después de descargado, “Colour of the Trap” es un imán para nuestros oídos porque, pese a sus muchos aciertos, puede ser superado por una próxima entrega que rompa la barrera del sonido de la nostalgia.

Tears for Screams

2011-10-02T15:14:00.000-03:00

Trofeo de una noche perfecta

En un Santiago ideal, Tears for Fears y Primal Scream debieron tocar en diferentes días. Pero obligado a una decisión, no dudé. Primal Scream me dio un recuerdo insuperable el 23 de abril de 1998 en la Oz: después del show/exorcismo, me subí al escenario para arrancar el setlist de la pedalera del guitarrista Andrew Innes. “Screamadelica” (editado hace 20 años) tendrá la bendición de la historia, pero mi disco favorito del grupo es “Vanishing Point” (1997) y sonó casi entero, más un adelanto del ”XTRMNTR” que lanzarían dos años después… y que fue el último gran disco de los escoceses. “Evil Heat” (2002) tiene buenos momentos, pero en “Riot City Blues” (2006) y “Beautiful Future” (2008) lucen como perros persiguiéndose la cola. El mayor talento de Bobbie Gillespie, además de estar en el lugar adecuado en el momento exacto (la batería de The Jesus and Mary Chain en los 80), fue saber elegir a quién poner en la producción y con quién colaborar, cual Madonna indie: desde Andrew Weatherall/The Orb (“Screamadelica”) hasta las incorporaciones de Mani (The Stone Roses) y Kevin Shields (My Bloody Valentine) a fines de los 90. En todo ese proceso, contó con socios internos en el estudio para sacarle brillo al grupo: Innes y el guitarrista Robert Young.

En cambio, la primera visita de Tears for Fears me dejó con gusto a poco: el show en el Estadio Chile fue cortísimo y con énfasis en “Raoul and the Kings of Spain” (1995), el disco de exploración familiar-hispana del cantante/guitarrista Roland Orzabal, en ese momento dueño del grupo. Hubo postales hermosas, como el cover de “Creep” de Radiohead, y algunas dosis de “Elemental” (1993), pero las luces se encendieron demasiado temprano. La reconciliación con el cantante/bajista Curt Smith y la grabación del formidable “Everybody Loves a Happy Ending” (2004) fueron una de las mejores noticias que di al aire en mi desaparecido programa Fonosíntesis de FM Tiempo. Todavía me acuerdo cuando estrenamos los singles “Call Me Mellow” y “Closest Thing to Heaven”.

Tears For Fears en Movistar Arena. Un escenario robusto, una iluminación soberbia y un sonido apabullante. Excepto Nine Inch Nails, no recuerdo otro concierto ahí con tanta perfección técnica. El setlist venía con “Billie Jean” de Michael Jackson como versión de regalo, mientras los rescates de catálogo y las canciones más recientes (¡cinco!) brillaron entre los clásicos. Carajo, es la banda de “Mad World”, “Change”, “Pale Shelter”, “Head Over Heels”, “Everybody Wants to Rule the World”, “Advice for the Young at Heart”, “Woman in Chains”, “Break It Down Again” y, por sobre todas las cosas, los genios de “Sowing the Seeds of Love”, el torpedo de pop progresivo Beatlesco más brillante desde Electric Light Orchestra. Y claro, son los titanes de “Shout”, cuyo solo final de guitarra es a Tears for Fears lo que “Comfortably Numb” es a Pink Floyd. Estamos ante una banda de pop superior, pese a la lenta combustión de sus motores: 6 álbumes desde 1983 (Gillespie y compañía llevan 9 desde el ´87). Reconforta ver la confianza del dúo en sus trabajos del siglo XXI, en vez de entregarse a la pura nostalgia. El mundo secreto: la noche del viernes Tears for Fears fue más moderno que Primal Scream.

TFF en Lima.

María Colores / Arctic Monkeys

2011-09-25T21:25:00.002-03:00

Reseñas de discos publicadas en revista iPop, julio de 2011.

MARÍA COLORES

Llamadas perdidas

****

En los agradecimientos de este debut figuran Coldplay, Radiohead y el cantautor local Chinoy. Son referencias útiles para abrazar su sonido coloreado por un acento multizona que recuerda a la mexicana Ximena Sariñana. Los momentos más memorables reflejan el lado amable y cálido de Regina Spektor, efecto duplicado por la inclusión de dos versiones en inglés. Estas comparaciones corroboran que se construye sobre terreno sólido, tal como Francisca Valenzuela estrenó con la brújula puesta en Fiona Apple y Julieta Venegas. Cuando María Colores se arranca con los pianos y gira hacia adentro aparecen piezas melancólicas con ecos de los argentinos Daniel Melero y Pedro Aznar, como “Pulsar” y “No espero nada”. Al igual que Carolina Nissen, también de Sello Azul, María Colores ofrece un arcoíris chileno que, con una producción menos dispersa, puede convertirse en pop de exportación.

ARCTIC MONKEYS

Suck It and See

***1/2

Si las esperanzas rockeras americanas son encarnadas por Foo Fighters, al otro lado del Atlántico la atención recae en este trabajador cuarteto. Desde el título de su debut “Whatever people say I am, that´s what I´m not” (2006), la banda desafiaba la promesa de gloria futura que casi todo artista emergente británico recibe de la prensa desde sus primeros balbuceos. La infección bailable con guitarras revoltosas de “I bet you look good on the dancefloor” y la pasión borrachona de “When the sun goes down” encumbraron al grupo cerro arriba en los rankings, pero también abrieron la gran pregunta: ¿es lo mejor que podemos esperar del rock inglés en el nuevo siglo? Más que evaluar canciones, la prensa y los fanáticos terminaron debatiendo sobre qué representa Arctic Monkeys: para unos, son grandes copiones, hábiles agentes recicladores; para otros, aire fresco para el agotado concepto de álbum de rock con aspiraciones masivas. Los siguientes discos de la banda avivaron el fuego: la adolescencia fluorescente de “Favourite worst nightmare” (2007) y sobre todo la exploración de “Humbug” (2009), que los llevó a trabajar en Estados Unidos con Josh Homme de Queens of the Stone Age, la marca registrada del sonido desértico, polvoriento, pesado y, a la vez, melódico y comercial. El flamante “Suck it and see” es una cumbre de la retromanía, esa infinita adicción del pop con su propio pasado que tan bien describe el crítico Simon Reynolds. La sesentera “Brick by brick” saluda a The Stooges; la pelusona “Don´t sit down ‘cause I’ve moved your chair” sigue el manual del single rockero y, pese a su falta de innovación, es seductora como una venta de garage. Los Arctic Monkeys ofrecen una breve sesión de rock vampírico mucho menos ambiciosa que “Humbug”, pero con algunos momentos emotivos como “Reckless serenade” y “That´s where you´re wrong” que derriten el hielo alrededor del corazón.

Grunge para señoritas

2011-09-25T20:48:00.000-03:00

Diez canciones para regresar a la década del sonido afranelado, la rabia y los sueños mutuos. Publicado en revista iPop, junio de 2011.

PEARL JAM, “Yellow Ledbetter” (1992)
El grunge fue un movimiento masculino, desde la estética a las expresiones de ira, angustia y decepción generacional contenidas en sus letras. Sí, Courtney Love fue su primera dama y hubo bandas como L7, Babes in Toyland e incluso Veruca Salt que pusieron estrógeno y tampones en el aire (en el caso de L7 fue literal, pueden googlear), pero el grueso del sonido de Seattle era testosterona amplificada. Entre alaridos y tormentas eléctricas, “Yellow Ledbetter” fue el lento de la llamada generación X porque supo extender su encanto hacia el público femenino. Además, fue una canción-sorpresa que apareció en las radios como un faro que guiaba nuestra soledad: tenía una letra indescifrable, no estaba disponible en ningún álbum del quinteto y era el lado B del single “Jeremy”, en una época en que pocos singles llegaban a las tiendas. En la era pre-Internet, todos esos factores convirtieron a “Yellow Ledbetter” en un tesoro, en un himno global tan inclasificable que aparece, por igual, en la colección de rarezas (“Lost Dogs”, 2003) y en el compilado de éxitos (“Rearviewmirror”, 2004) del grupo de Eddie Vedder. Cuando el tema asomó en el último capítulo de la serie “Friends”, para muchos cobró un sentido final: era la despedida de los 90, de los amigos que ya no estaban, las penas evaporadas, los intentos por tocarla en guitarra y las fotos desteñidas de aeropuertos mentales.

NIRVANA, “Sappy” (1993)
La canción fantasma de una banda destinada a la gloria y la autodestrucción. Antes de Napster, las dosis de Nirvana nunca fueron suficientes y debimos rastrear conciertos mal grabados y rarezas que sonaban a caset, sótanos y boliches de Seattle, un lugar que en nuestros oídos estaba tan lejos y tan cerca. Así nos enteramos de esta canción registrada como demo en 1990. Apareció terminada y escondida en un compilado benéfico llamado “No Alternative”, donde emergía en los descuentos, sin aviso ni créditos. Discutíamos con los amigos, porque aparecía a veces bajo el título “Verse Chorus Verse”. El enigma no importaba, porque era Cobain destripándose y regalándonos un pedazo de sí mismo que no venía en “Nevermind”, el disco de Nirvana que todos tenían. Con la devastadora línea “And if you fool yourself / you will make him happy”, “Sappy” es la hermana gringa de “Paramar” de Los Prisioneros. No importa el país, el amor ladra y muerde igual.

TEMPLE OF THE DOG, “Hunger Strike” (1991)
Del luto a la inmortalidad, vía homenaje al pionero grunge Andrew Wood (Malfunkshon y Mother Love Bone), muerto de sobredosis en 1990. Chris Cornell y Matt Cameron, voz y batería de Soundgarden, se sumaron a Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McCready y Eddie Vedder, todos a punto de la consagración planetaria gracias a “Ten” de Pearl Jam. A lo largo y ancho del único disco del grupo, Cornell se luce como letrista y se anota varios porotos como la garganta más potente del movimiento. Si “Say Hello 2 Heaven” crece en intimidad, “Hunger Strike”, con la voz de Vedder, aterriza donde ninguna colaboración del grunge llegó jamás: el paraíso de una calma perpetua.

MAD SEASON, “River of Deceit” (1995)
Cálido no es un adjetivo muy usual a la hora de referirse al movimiento. Por eso, esta canción brilla como la luna llena sobre un río en una noche despejada. Al igual que Temple of the Dog, el cuarteto Mad Season era más que la adición de los talentos involucrados: Layne Staley (cantante de Alice in Chains), Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam), Barrett Martin (baterista de Screaming Trees) y el bajista John Baker Saunders. Acá la música fluye reposada, pero profunda. Había un sentimiento de melancolía y sabiduría prematura, quizás premonitoria de las tragedias que vendrían: las muertes por sobredosis de Staley y Saunders.

ALICE IN CHAINS, “Right Turn” (1992)
Si la voz de Chris Cornell eran la cordillera del grunge, las armonías vocales de Layne Staley y Jerry Cantrell en Alice in Chains eran su océano: olas, mareas, arrecifes y marejadas de sonido al servicio del combo de inspiración más metalera de la escena. Como el mar, eran capaces de generar tsunamis eléctricos devastadores y cobijar acústicas puestas de sol. Uno de esos momentos estelares fue esta melodía del EP “Sap”, acreditada como Alice Mudgarden por la presencia maravillizante de (otra vez) Cornell y Mark Arm de los fundacionales Mudhoney.

STONE TEMPLE PILOTS, “Big Empty” (1994)
La banda liderada por Scott Weiland fue, durante su temporada inicial, la invitada de piedra en el banquete del grunge. Ajenos a la escena “original” de Seattle (eran de San Diego), su monolítico y pesado debut “Core” (1992) recibió el desprecio de cierta crítica purista. Sin embargo, la historia tuvo su revancha y pronto florecieron más allá del movimiento con el cual estuvieron asociados más cronológica que estilísticamente, tal como sucedió con The Smashing Pumpkins, oriundos de Chicago. Esta canción brilló en la banda sonora de “The Crow”. Si bien la película era más gótica que grunge, la muerte de su protagonista Brandon Lee en el rodaje tocó los nervios más sensibles de la generación afranelada: el martirio pop y la pérdida de la inocencia.

SCREAMING TREES, “Nearly Lost You” (1992)
Si hablamos de películas y bandas sonoras, “Singles” de Cameron Crowe es la cumbre del grunge. Un retrato de los primeros 90 con sus ansiedades y dudas, más la presencia de casi todos los mencionados en este recuento. El éxito del disco ayudó a consolidar en el público la idea de una cultura alternativa que tomaba el relevo tras los excesivos 80. Junto a las dos contribuciones de Paul Westerberg y la magnífica “State of Love and Trust” de Pearl Jam, este single de Screaming Trees fue la inyección más refrescante de melodía y entusiasmo juvenil a nuestro cancionero pop.

HOLE, “Doll Parts” (1994)
Cuando uno revisa los videos de la banda de Courtney Love en You Tube y repasa su presencia en las revistas y televisión noventera, el mundo parece más romántico e incluso ingenuo. Sí, nuestro punto de vista está contaminado con el bombardeo provocador de Lady Gaga y después del beso de Madonna-Britney-Christina ya nada fue igual. Nos refugiamos en esta preciosa canción con la señora de Cobain en su máximo esplendor creativo. La versión fue estrenada tras su viudez y la muerte de la bajista Kristen Pfaff. “He only loves those things because he loves to see them break” adquirió un significado epifánico. Hole cerró el capítulo ocho años más tarde con la soleada “Malibu”, un souvenir del amor Love-Cobain co-escrita con Billy Corgan de The Smashing Pumpkins.

SOUNDGARDEN, “Black Hole Sun” (1994)
Fue el gran momento, la canción que marcó la supremacía comercial de la cruzada que explotó con “Nevermind” de Nirvana en 1991. Luego de esta cumbre, todo empezó a caer. Demasiadas muertes, muchas drogas, egos kilométricos, la aparición del Brit Pop y la electrónica para estadios. Fue el eclipse, el hoyo negro que se tragó todo. Recuerdo escucharla en un eclipse total de sol en Putre ese año. Épica cósmica. Si hasta Paul Anka hizo un cover. Luego de la resaca universal, se empezó a hablar de post-grunge o simplemente de rock alternativo.

BUSH, “Glycerine” (1994)
Los titanes del grunge nunca pisaron Chile hasta los conciertos de Pearl Jam y Mudhoney en San Carlos de Apoquindo en 2005. Los británicos Bush fueron nuestro premio de consuelo cuando en 1997 tocaron en el Court Central, en un festival que incluyó a David Bowie y Molotov. Tildados de copiones hasta el cansancio, los muchachos lograron varios singles notables, como “Swallowed” y esta desnuda “Glycerine” que escaló en los rankings en el verano del ´96. Les salía bien cruzar el nubloso sentimiento modelo “Creep” de Radiohead con la agonía adolescente gringa. A diferencia de los inspiradores australianos Silverchair, Bush jamás expandió su sonido. El cantante Gavin Rossdale se casó con Gwen Stefani, voz de No Doubt, y tuvieron hijos. Después de tanto desgarro y chicos sensibles, el sueño americano quedó en manos de un inglés que se llevó a la chica más guapa de la fiesta. ¿No es irónico?, cantaba Alanis Morissette.

El Gran Héroe Americano

2011-06-16T11:31:00.005-04:00

Artículo publicado en www.revistaipop.cl de mayo.

Bajo el reinado del triunvirato Lady Gaga-Kanye West-Justin Bieber y con el rock en estado crepuscular, Dave Grohl resucitó a los mejores Foo Fighters para traer una nueva esperanza.

Dave Grohl no quiso ver a Kurt Cobain antes que lo incineraran. Según relata Charles R. Cross en la biografía “Heavier Than Heaven”, luego del escopetazo que terminó con Nirvana, el baterista declinó una invitación que el bajista Krist Novoselic aceptó. Grohl prefirió ver gente viva, mientras su compañero quedó congelado en el tiempo dentro de esa funeraria.
En pleno 2011 la especie dominante dentro de la industria discográfica es un híbrido de hip hop, electropop y frenéticos ritmos urbanos procesados para la generación digital. Claro, los grandes nombres siguen de gira, pero sus nuevas propuestas de estudio cada vez poseen menos relevancia artística: es el caso de U2, Depeche Mode, Green Day y Metallica. Por supuesto, priman las reuniones, la nostalgia y la puesta en escena de álbumes clásicos. OK, hay muchos artistas emergentes haciendo discos maravillosos, pero en la era de la segmentación y el hype, cada vez surgen menos grupos capaces de impactos globales: ahí brillan Coldplay, Muse y The Killers con su conversión en bandas de estadio, aunque estos últimos están cotizando a la baja. Los campeones de los 90 lucen cansados, diezmados por muertes, quiebres y recesos: Alice in Chains, Oasis, Blur, Stone Temple Pilots, Soundgarden, The Verve, Nine Inch Nails. En una zona intermedia, quedan leyendas devenidas en instituciones de culto, como REM y Pearl Jam, focalizadas más en su cancionero que en avivar el fuego mediático. La promesa de recambio de The White Stripes quedó descartada, The Strokes parecen más preocupados de contener a su líder Julian Casablancas, Kings of Leon perdió el fuego de “Only by the Night” con un sucesor demasiado tibio y aún es prematuro establecer hasta dónde pueden crecer Arcade Fire y Vampire Weekend. Con Radiohead flotando en su propia estación espacial, capaz de innovadoras estrategias de marketing pero sin interés en lanzar singles para los rankings, la atención cayó inesperadamente sobre Foo Fighters. Tal como sucedió en 1995, cuando Grohl venció la timidez y sacó la voz para defender micrófono en mano las mismas canciones que escondió a Cobain.

EL CORTO CAMINO A LA RUINA

La trilogía inicial de Foo Fighters es impresionante: el sorpresivo debut, más “The Colour and the Shape” (1997) y “There Is Nothing Left to Lose” (1999), dejaron la vara tan alta que “One by One” (2002) güateó. Y volvió la inseguridad, la tensión dentro del grupo y las múltiples colaboraciones de Grohl en busca de respuestas: Queens of the Stone Age fue la chispa en el corazón del ex Nirvana. No fue fácil, porque si bien todos los discos posteriores del cuarteto tienen grandes canciones, también padecían del exceso de equipaje, en especial el álbum doble “In Your Honor” (2005). Después del irregular “Echoes, Silence, Patience & Grace” (2007) vino otra ronda de búsquedas para Grohl y su ratificación como ídolo de estadios en el DVD grabado en el Estadio Wembley (2008). El nuevo fuego creativo comenzó con Them Crooked Vultures (2009), el proyecto junto a su amigote Josh Homme (Queens of the Stone Age) y John Paul Jones, bajista de Led Zeppelin. Con las pilas cargadas cerraron la década con un “Greatest Hits”, título siempre complicado para una banda activa. Las dos nuevas canciones que incluyeron en el compilado fueron producidas por Butch Vig, responsable del sonido de “Nevermind” y también hábil manipulador de texturas en su propia banda Garbage. El resultado dejó con una mueca a quienes esperaban alaridos eléctricos o una balada en plan “Walking After You”: el single “Wheels” era puro Tom Petty & The Heartbreakers. Y si Dave Grohl estuvo cerca de convertirse en el baterista de ese venerable grupo en la cesantía post-Nirvana, ahora empezaba a sonar como ellos. Nuevamente, hubo quienes empezaron a escribir el epitafio ante tan maduro sonido y los buitres de la ruina sobrevolaron el campo.

DAME UN RIFF Y MOVERÉ EL MUNDO

“Una vida sin riffs no es una vida”, me dijo mi amiga Fran decepcionada del ambiental “The King of Limbs” de Radiohead. Contra todo pronóstico, y con Billy Ray Cyrus suplicándole a su célebre hija Miley que entrara en razón y no siguiera los pasos del “drogadicto Kurt Cobain”, Foo Fighters se convirtió en la posibilidad más directa de guitarras marchantes y coros épicos en las radios del mundo. Una banda consagrada, fichada por una multinacional y con un líder carismático que no requiere mayor presentación. “Wasting Light” es la respuesta al clamor: el mejor disco del ahora quinteto desde 1999. Grabado en el garage de Grohl (una imagen sólo romántica, porque el lugar tiene más tecnología que el Transantiago), contó incluso con la resurrección de Novoselic como invitado. Hay peso, crudeza, riffs, pero también mucha melodía, emoción y tensión dramática, otra vez con Butch Vig en las perillas y Pat Smear de vuelta en las guitarras. Un álbum que suena enorme de principio a fin.

Grohl no quiso ver el cadáver de Cobain. Quizás debido a eso, sueña muy seguido con su ex compañero, tal como reveló durante la promoción del nuevo disco, que incluye el documental biográfico “Foo Fighters: Back and Forth” de James Moll. Al final, y aunque algún día todos perderemos, “Wasting Light” es el triunfo de la vida. Aquellos que gritamos “This Is a Call” y nos enamoramos con “Walking After You”; quienes se motivaron con “My Hero”, “Learn to Fly” y se desahogaron con “The Pretender”; esos que se casaron con “Best of You” y trataron de sacar en guitarra “Big Me”. Nosotros, que aprendimos a echar de menos con “Everlong”.

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Este es el número de junio disponible en quioscos. Especial grunge. Aporté con un listado de canciones indestructibles del sonido afranelado.

Francisca Valenzuela + Pedropiedra + Britney

2011-06-10T15:34:00.007-04:00

Comentarios publicados en los últimos números de www.revistaipop.cl. El número actual, con Kurt Cobain en portada y un especial grunge, está en quioscos.

FRANCISCA VALENZUELA
"Buen soldado"
***1/2

Mucho se escribe sobre el proceso de lanzar un segundo disco tras un debut impecable y popular. Suele decirse que para el primer álbum se tiene toda una vida, mientras que para el sucesor un par de años y toneladas de presión. Explicaciones más o menos, el debate radica en expandir el sonido o aferrarse a la fórmula. La mayoría opta por un terreno intermedio, un sueño en tránsito, tal como hizo Nicole en 1997 tras el impacto profundo de “Esperando nada” (1994).
Francisca Valenzuela tuvo canciones en la radio mucho antes de lanzar “Muérdete la lengua” (2007) y desde entonces construyó una imagen de cantautora talentosa, matea, con una ejemplar puesta en escena. Desde su título, “Buen soldado” hace honor a esa posición privilegiada. Una obra donde todo suena correcto con algunas sutiles variaciones: una intro vaquera-Morricone, algunas letras en primera persona masculina (los españoles Mecano hicieron una carrera con esa adorable complejidad) y brotes de sintetizadores y bronces que aportan brío. Hay temas para la radio (“Quiero verte más”, “Qué sería”), canciones con comentarios sociales (“Entrevista”, “Salvador”) y melodías de alta tensión para que los fanáticos atesoren (“En mi memoria”). Aunque rondan las ideas del cambio, la búsqueda de identidad y los roles, es recién en la penúltima canción (“Yo lo busco”) donde Valenzuela crece con una fábula “sofistipop” de torcidos ángulos emocionales, acentuados con zarpazos plásticos de teclas y líneas memorables (“y tu mirada que me antoja nada va a pasar / aunque las ganas están / y yo mañana te pondré mi cara de fidelidad / de felicidad”). Sí, ella es un buen soldado, pero podría ser un general. “Recuérdame como la de mal genio, recuérdame”, cantaba en la inaugural “Peces”. A fuerzas capaces de tamaña intensidad les exigimos nada menos que la supremacía.

PEDROPIEDRA
"Cripta y vida"
****

Con experiencia en las bandas Tropiflaite, Hermanos Brothers, CHC y Yaia, el músico y productor Pedropiedra se lanzó a la vida solista el 2008 con un disco que contenía dos notables singles: “Inteligencia dormida” y “Las niñas quieren…”. En su regreso, mantiene las letras juguetonas e ingeniosas forradas en pop ecléctico y mutante, mientras avanza hacia un sonido más espacioso y fornido, sobre todo en el trabajo vocal. El formidable setentosismo bailable de “Vacaciones en el más allá” retoma el groove del Beck más embalado, mientras “Uyuyui” es una fábula sobre la distancia adecuada, prima de “Ayayayay” incluida en el debut. Al igual que los recientes discos de Juga di Prima y Javier Barría, “Cripta y vida” cuenta historias (unas más nítidas que otras) y malcría las palabras para extraerles sangre, ya sea en una fantasía de aburrimiento saturnino (“En esta mansión”) o en la resignación psicótica de “Con razón”. Acá hay más ciencia ficción y menos masturbación, que es exactamente lo que necesitan las letras del rock-pop local.

BRITNEY SPEARS
"Femme Fatale"
***1/2

Sin perder un segundo, la rubia se abalanza sobre nuestros cerebros con “Till the world ends” y “Hold It Against Me”, dos cromados torpedos de electropop apocalíptico que contienen gélidos fragmentos compatibles con la banda sonora de Daft Punk para “Tron: Legacy”. Gentileza de un batallón de productores y compositores, la robotización de Britney es absoluta: su voz renuncia a la humanidad y se convierte en la sirena que gime sobre un océano de sintetizadores y acantilados digitales. Y la bailarina no está en la oscuridad porque, despojada de baladas lloronas, tiende a un ritmo asesino capaz de retorcer a Terminator. Si en los 70’ Queen lograba su enorme sonido con capas de voces y guitarras, acá las cuerdas vocales de Spears son un instrumento, más bien un pegamento, manipulado para ensamblar ritmos procesados hasta el infinito. En “Big Fat Bass”, con will.i.am de Black Eyed Peas al mando, la orgía de las perillas llega a la cumbre: “I can be the treble, baby / You can be the bass”... para luego exclamar cual dominatrix “the bass is getting bigger!”.  Hacia el final, la elegancia futurista de “Trip to Your Heart” es el viaje definitivo al corazón de la tecnología: al lado de Britney, Kylie suena como una cantante soul aguardentosa. El ciclo iniciado con el sorprendente “Blackout” (2007) y el mañoso pero adictivo “Circus” (2008) llega a su fin con un admirable disco que es puro sonido, sexo y anestesia bailable. Es una declaración del estado del arte en cuanto a música comercial 2011, la era del laboratorio y el híbrido electro-hip-pop. Aunque sobra un par de canciones (“Seal It With a Kiss” es como un taco en la carretera), el triunfo discotequero está asegurado. Mientras Lady Gaga extiende su imperio con asaltos pop-art en primera persona y Justin Bieber personifica un peculiar sueño colectivo de adolescencia global, Britney optó por borrar su identidad más allá de la tapa de su séptimo álbum: ella es el rostro de un cuerpo mecánico. El alma se vende por separado.

Roxette, pop polaroid

2011-04-10T14:00:00.008-03:00

Roxette es el sonido de las máquinas contestadoras, los teléfonos que jamás traen buenas noticias y las radios que disparan canciones como cuchillos. Tres tecnologías que parecen ancladas en el siglo pasado, pero que siguen ofreciendo soporte emocional entre tanto i-producto, celulares y música online. Incluso en su nuevo disco “Charm Attack” (2011), el dúo sueco ofrece un viaje temporal hacia esa adolescencia análoga, diseñando himnos para un público que creció a fines de los 80 y comienzos de los 90. El primer caset que compré fue “Look Sharp!” (1988) y fui el primero de mi curso en tener “Joyride” (1991): usábamos la casetera del taller de computación para reproducir esas canciones. Y aunque ocasionalmente han adaptado su sonido (toques electrónicos, trazas Britpop, arreglos de cuerdas), cuando recurrimos a Roxette sabemos exactamente qué encontraremos: power pop, baladas enormes y un lluvioso sentimiento de abandono. Una banda que bautizó un compilado como “Don´t Bore Us, Get to the Chorus!” (1995) sabe exactamente cuál es su arte. Mientras el grupo remecía Movistar Arena con su bombardeo de hits, pensé que los músicos chilenos debieron escuchar más Roxette y menos Pavement, Tortoise, Spiritualized o (inserte el nombre de artista aclamado pero incapaz de trascender su nicho). O al menos consumir una dieta más balanceada. Más allá del mal sonido que anoche empañó la primera parte de su show, Roxette funciona mejor en estudio: en vivo muchas de sus mejores canciones son trasladadas a un formato rockero, más efectista que hipnótico. Más acá de las feas carátulas de sus discos, Per Gessle y Marie Fredriksson siempre ofrecen momentos sublimes, como “Things Will Never Be the Same”, “Cinnamon Street”, la imponente “Crash! Boom! Bang!” y “You Can´t Put Your Arms Around What´s Already Gone”.

“It Must Have Been Love” es un planeta aparte. No sólo envejece con la misma dignidad de “Pretty Woman”, la fábula de prostituta transformada en princesa que musicalizó; hay que ver al público para capturar su poder. Es la canción perfecta del “pudo ser” que perfora corazones como orejas. Es el lento que, como mi mujer observó con precisión de misil guiado, ninguna mujer canta abrazada a su pareja en los conciertos… o, si lo hace, su memoria está nadando hacia ese específico romance que no resultó. Es un tema para el recogimiento autobiográfico, para cruzar los brazos sobre el pecho. Más que pololeos felices, es el tema de virginidades perdidas en malas sábanas, mañanas amargas y Navidades rotas (su inspiración original). Aún sobrecoge el coro chileno registrado en San Carlos de Apoquindo e inmortalizado en el disco “Tourism” (1992).

En el centro del último disco, Roxette lleva ese sentimiento a la perfección con “I´m Glad You Called”, acústica y con una línea inicial devastadora (muy Aimee Mann): Hate to say I´m glad you called / But you know I always tell the truth; luego “Only When I Dream” y el eco de esa contestadora que jamás nos alegró la vida:

All I found was your voice on the answering machine / Simple and clear /Some might say it's truthful gone / I don't believe them / If I could only talk to you / I'd prove I'm right

En el fondo, Per Gessle, el compositor principal fanático de The Beatles, el experto en música para las masas (“The bigger, the better”, canta en la soleada “The Big L.”). El hombre que sabe que el alma de las canciones reside en esos silencios que no buscamos y en esas viejas fotos que guardamos.

Después de U2

2011-03-29T21:31:00.003-03:00

Se apagó la garra de U2 que aterrizó en el Estadio Nacional y las primeras ideas en mi cabeza fueron: a) el escenario era una mezcla de nave cylon atravesada por una versión XXL de la cápsula Fénix; b) en un universo paralelo los irlandeses celebran los 20 años del perfecto “Achtung Baby” montados sobre este artefacto divino gatillando himno tras himno en una secuencia demoledora; c) el criticado “Pop” (1997) y su PopMart Tour son dos acontecimientos que con el tiempo ganaron una estatura andina, mientras “No Line on the Horizon” (2009) se liliputiza a pasos agigantados. Ahorraré adjetivos para los fierros: basta decir que un helicóptero policial, atraído cual polilla por el brillo de la supernova, dio varios silenciosos giros sobre la estructura antes de retornar a su patrullaje. Luego de un comienzo con (casi) puros combos al hocico, la banda empezó a bajar la guardia, a mostrar la falta de ritmo y cintura la mantienen atrapada en la crisis de la mediana edad: dejó fuera la mejor canción de su nuevo disco (el desafiante título homónimo que sí viene en el DVD respectivo), saboteó el setlist con el horroroso remix de “I´ll Go Crazy If I Don´t Go Crazy Tonight” (en ese instante habría pagado por la resurrección de “Discothèque” o “Mofo”) y privilegió temas medianos en contra de canciones robustas. Porque “In a Little While” y “Moment of Surrender” no son, digamos, “Even Better Than the Real Thing” y “Stay (Faraway, So Close!)”… o incluso “Stuck in a Moment You Can´t Get Out Of”. Y ni siquiera pienso en las viejas glorias de los 80. “One Tree Hill”, con la participación de Francisca Valenzuela, lució como un imposible lapso de intimidad a estadio lleno, un rayo de humanidad entre tantas luces robotizadas y oleaje guitarrero.

Con cada gira U2 tiene menos nuevas canciones impecables que defender y la forma como encara su catálogo es errática. Tal vez el síntoma más revelador son los rescates de dos singles periféricos de ¡1995! que demuestran tener más sangre que gran parte de la producción reciente del cuarteto: “Miss Sarajevo” (lanzada bajo el proyecto Passengers) y “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” (del soundtrack de “Batman Forever”). En el Nacional nos privaron de “Breathe”, una de las pocas nuevas con potencial en directo, y ni hablar de “Ultraviolet (Light My Way)”. Queda la sensación que U2 tenía mucho más que decir sobre el mundo hace 10 años y que la incesante pregunta “What Time Is In the World?” en el 360° Tour puede traducirse como “no sabemos qué hora es ni dónde estamos flotando”, y no como el mantra globalizante que pudo ser en la gira Zoo TV o el comentario sobre consumo del tiempo en PopMart o el catarro interior de la vida en aeropuertos del Elevation Tour. Mi amiga Fran cree que la deformación de fondo es que Bono y compañía pasaron el punto de no retorno hace rato, y nosotros como fans también: sí, culpables, borramos la línea del horizonte, animados por esa era dorada entre 1991 y 1997 cuando U2 despachó una trilogía comparable a Low-“Heroes”-Lodger de David Bowie.

En su inspirador y muy recomendable libro “Después del rock” (recién editado en Chile), Simon Reynolds recuerda la advertencia que Brian Eno hizo a Bono cuando le pidieron producir el nuevo álbum del grupo a comienzos de los 90: “No estoy interesado en los discos como documentos de una banda de rock tocando en un escenario. Estoy más interesado en pintar cuadros. Quiero crear un paisaje dentro del cual esta música acontezca”. U2 tiene el escenario para que su música suceda (y vaya proeza tecnológica que es), pero necesita parir un nuevo ambiente. Antes que su alma sea un fantasma en la máquina.

POP ART

2011-03-23T21:13:00.002-03:00

El manso libro que presentaré este JUEVES 24 de marzo junto a otros convocados por los amigos de www.luchalibro.cl (donde puedes profundizar en su contenido). A las 19.30 en Librería Qué Leo de Las Urbinas con Providencia. Al lado del Drugstore. Quedan invitados, chungungos en estéreo.

Radiohead / The King of Limps

2011-03-16T11:59:00.004-03:00

Comentario publicado en el número actual de www.revistaipop.cl, disponible en quioscos con doble portada: el Festival Lollapalooza Chile 2011 y Muse.

RADIOHEAD
“The King of Limbs”
***1/2

En apenas 8 canciones, menos de 40 minutos y con una arquitectura sonora familiar, el retorno del quinteto es una reacción al esplendor imperial de “In Rainbows” (2007), un disco que equilibró a la perfección canciones con experimentación. Ecos del pasado reptan entre los parlantes, como esas gélidas voces marcianas modelo “Kid A” (2000) y la densidad matemática de ritmos que el grupo capturó en la década pasada. Más que inaugurar una nueva construcción, “The King of Limbs” suena como una ampliación del laboratorio de Radiohead: están las atmósferas, el oleaje electrónico y los chasquidos análogos. El piano flotante de “Codex” conmueve en su marcha desolada y “Feral” podría musicalizar una protesta de robots luchando por sus derechos (in)humanos. En el fondo, el disco es una hermosa carta de renuncia al tradicional concepto de álbum de rock. Si hace cuatro años los ingleses se despidieron de su sello y se lanzaron a la aventura digital, ahora se sumergen tan profundo en su propio sueño que desdibujan cualquier atisbo de coros para estadios, dejando esa épica mayúscula para grupos como Muse, The Killers y U2. Si hacemos memoria, la guitarrera “There There” (2003) fue la última señal de Radiohead en el lado luminoso de los rankings de singles. De ahí en adelante se dejaron arropar por la penumbra lunar de millones de fans que valoran eso que el grupo ofrece tan bien: la emoción de sentirse en una tribu que venera sinfonías micronianas. Algo similar lograron sus compatriotas de James con las improvisaciones de “Wah Wah” (1994). Radiohead entrega sus pedazos de música y los lanza al mundo con tiritones de placer convertidos en danza en el video de “Lotus Flower”. Ahí Thom Yorke patenta un sabroso baile de los que sobran, dedicado a quienes valoramos una espaciosa madriguera entre tanta música hiperventilada.

Los Bunkers + Los Tres + Lucybell

2011-03-03T14:53:00.006-03:00

Tres reseñas que publiqué en www.revistaipop.cl, este mes en quioscos con la masticable Katy Perry en portada.

LOS BUNKERS
“Música libre”
****
Silvio Rodríguez es enorme en Chile. En cronología, Rod Stewart fue el primer megaconcierto en el Estadio Nacional, pero fue el cubano quien ofreció la primera catarsis en 1990, todavía con la dictadura humeando. El gobierno de Pinochet no pudo frenar las canciones del trovador que se colaron por doquier, con Gloria Simonetti anotándose un triunfo ochentero al popularizar “Ojalá”. Si escarbamos en la conexión generacional, a punta de guitarras de palo en miles de fogatas a lo largo y ancho del territorio, la evidencia es demoledora: Silvio vive en nuestra médula. Y estamos ante un cantautor que escribe sobre poderosos sortilegios, simientes arrebatadas, unicornios, parnasos, duendes, eras que paren corazones, pupilas veladoras, badajos, causas y azares. Digamos que para el promedio del rock nacional, su lenguaje obliga a recurrir al diccionario y sus metáforas llevan a las neuronas a imaginar en 3D. Por eso, la idea de un tributo eléctrico alimentaba feroces pesadillas: podría sonar como rock progresivo hippie o bien derivar en lecturas calcadas, apenas aceleradas y ruidosas. En constante crecimiento, Los Bunkers triunfan al eludir el lugar común. El repertorio evade los temas más gastados y las soluciones elaboradas junto al productor Emmanuel del Real de Café Tacuba trasladan los versos originales a nuevos formatos: la psicodelia Beatle más un paseo por la mecanizada “Zoo Station” de U2 en “Sueño con serpientes”; el modelo The Smiths en “Quién fuera” y “El día feliz que está llegando”; el rock setentero a la McCartney (“Leyenda”), a la Queen (“El necio”, “Y nada más”), o con acentos bailables cuales The Kinks al ritmo de Blondie (“Santiago de Chile”, “Que ya viví, que te vas”). Las colaboraciones con Manuel García sólo confirman a “Música libre” como el disco robusto, generoso, épico y emocionante que es. Al final de este viaje en la vida, son las cosas que importan.

LOS TRES
“Coliumo”
** 1/2
Una vez que se esfumó la emoción y la ansiedad de la reunión de 2006, Los Tres quedaron atrapados en su arrecife sonoro. Una zona de seguridad delimitada por el productor Joe Blaney, la defensa del formato análogo de grabación, el foxtrot y las cuecas de Roberto Parra, el rock retro y un ego de autor que sólo puede construirse sobre los cimientos de un impecable catálogo pasado. El segundo tiempo del grupo ha sido flojo. Con 16 canciones, “Coliumo” naufraga en su propio exceso, con letras planas y escasas luces reflexivas, considerando su dedicatoria post-terremoto del Bicentenario. Se echa de menos ese peluseo vibrante que Titae y Ángel Parra sudan en sus proyectos externos, hace falta el oportuno trabajo de producción que Álvaro Henríquez entregó en “Satélite” (2009) de Primavera de Praga. Incluso el poderío del trío para generar coros, ganchos y hermosos momentos radiales luce erosionado: la somnolencia del single “Shusha” hace que “Camino” (2006) parezca una despedida de soltero. Para atesorar está el instrumental “Marta”, con un Ángel Parra que hacer llover recuerdos e inyecta sangre al cuerpo con una guitarra modelo The Smiths. La inspiradora bruma de “Hoy me hice la mañana”, “Diabla”, “Cielo oscuro” y “Terrible” pone las cosas en un lugar más glorioso. Si para llegar a una gran canción final (“Y para qué”) hay que pasar por el vía crucis de escuchar a unas leyendas estancadas, es necesario salir de nuevo al mar. Si hasta McCartney necesita de vez en cuando que alguien (Elvis Costello, su socio Youth en The Fireman, el productor Nigel Godrich) le meta presión. Y como la banda cantó hace 4 años, “la vida es muy corta y hay que matar / un poco a la muerte y resucitar”. Hágalo usted mismo.

LUCYBELL
"Fénix"
***
La vida nos enseña que el cambio es permanente y que incluso el mejor imitador sabe de su fraude y sueña con los originales. Hace 10 años, Lucybell debió reconfigurarse tras la salida del teclista Gabriel Vigliensoni y el bajista Marcelo Muñoz. El resultado fue “Amanece”, un título esperanzador para un grito de supervivencia capturado en un disco sólido y espacioso. El éxito posterior del registro en vivo “Sesión futura” brindó el tiempo necesario para explorar. Progresivamente el grupo fue girando hacia un sonido más agresivo y rockero. Cote Foncea reemplazó a Francisco González en la batería y el power trío llegó a la cumbre de decibeles, densidad y sequía radial en el EP “Primitivo” de 2007. La falta de singles ganadores es cruel como la ausencia de goles para un delantero. Por eso es una fiesta escuchar “Ave fénix”, el mejor single del grupo desde “Sálvame la vida” (2003). Para su primer álbum de estudio en cuatro años, el combo apostó por el arte de la resurrección y trabajó con Gustavo Pinochet (Kudai, Sum) como co-productor. Curiosamente, “Fénix” suena como el proceso en sí, no como la meta: es un Lucybell menos estridente, más melódico y luminoso, pero que no termina de abrazar la demoledora promesa pop de su single. Como viejos zorros, los músicos evitan el auto plagio, ese espejismo de “volver a las raíces” que convierte en piedras a tantos, pero avanzan con timidez entre baladas y temas sosegados. Los quiebres llegan con una hermosa miniatura acústica (“Júpiter”) y la amenazante “Nunca será fácil amar así”. Si después de las tinieblas viene la luz, acá están recién prendiendo los focos. Con la oscuridad radicada en “Gemini”, el disco solista del líder Claudio Valenzuela, y en Galatea, el trío paralelo del bajista Eduardo Caces, “Fénix” deja la sensación de un vaso a medio llenar. A ver si el inminente vigésimo aniversario de la banda corona la ruta.

Guía Radial Para Artistas Chilenos Emergentes

2011-02-18T19:24:00.002-03:00

El Dr. Mortis y sus Zombies Cumbiancheros

Es una pregunta frecuente: “¿Cómo puedo sonar en la radio?”. Acá van algunas luces para quienes se inician en la música:

1. Nombre: Simple, memorable, atractivo. Que se lea tal como se escribe. Los auditores tienen mil cosas en la cabeza, no retienen creaciones alambicadas o chistes internos como Piwy Jane y Los Washons. Googlea: si ya existe un grupo llamado Los Tanques no tendrás que bautizarte como Los TanKKes y, de paso, complicar el proceso de búsqueda. Si eres solista, ya se instauró una tradición con nombres y apellidos: Myriam Hernández, Manuel García, Francisca Valenzuela… a menos que existan coincidencias, tu nombre real sea muy complicado (Yuridia Zepeda) o DE VERDAD diseñes un alter-ego (Américo, Nicole). Revisa la historia: Los Ángeles Negros, Los Tres, La Ley, Los Prisioneros, Los Tetas, Congreso, Tiro de Gracia. Hay excepciones, claro: De Saloon y Fother Muckers no la tuvieron fácil.

2. Escucha radio. Antes de meterte en un estudio, gastar lucas, sacarte la cresta e iniciar peregrinaciones mediáticas, abre las orejas, analiza oferta-demanda y tus posibilidades en el mercado. Descubrirás, por ejemplo, que los reductos para el hardcore-punk son mínimos y que si eres más indie, hay emisoras y programas específicos a los que puedes apuntar. Y que si ya existen Los Bunkers y Lucybell no tiene sentido clonar su sonido.

3. La calidad del sonido. Nunca vas a sonar en radio si la grabación es mala. Es preferible que gastes tus ahorros en un single decente en vez de grabar un disco entero que suene a bajo presupuesto. Las radios funcionan con canciones, no álbumes. En Radio UNO tocamos a gente que en su momento sólo había grabado un tema con calidad suficiente: Camila Moreno, Natalia Molina, Maca Torres, AirelavaleriA y Natisú. Artistas conocidos han probado con singles sueltos para testear antes de aventurarse con una colección completa: Jano Soto con “Cerquita mío”, Nicole con “Hoy” y Buddy Richard con “Trátame bien”.

4. Mala idea cantar en inglés. A menos que tengas un manejo ejemplar y la canción sea total y la producción sea tan bacán que puedas sonar de igual a igual con Lady Gaga o Pearl Jam. Piensa: ¿qué canciones de grupos chilenos en inglés fueron éxitos en la radio? “Angie” de La Ley, cover de los Stones y con un Beto Cuevas que vivió en Canadá. Criminal, dirá otro. Claramente el metal se mueve en un circuito autónomo a la radio y siempre apunta a mercados globales. Y pese a eso, la banda apareció en la FM noventera con “Hijos de la miseria”. Si quieres cantar en inglés, atrévete con un cover como regalo en tus tocatas.

5. Graba singles. Canciones de 3 minutos y medio (promedio), con un coro definido o una estructura amigable. El manual está ahí, en el aire, es público. Está en tu colección de discos y online. Si quieres hacer metal-progresivo, psicodelia surf andina o pop cebolla, me parece estupendo y en tu álbum puedes meter composiciones de 9 minutos, instrumentales o voladas. Pero si quieres difusión, la receta es clara. Si Los Jaivas, Fiskales Ad-Hok, Radiohead, Genesis, Pink Floyd y Tool lo hicieron, ¿por qué tú no?.

6. Presentación personal. ¿Enviarías un CV escrito a mano?¿Irías a una entrevista de trabajo sin ducharte, con olor a poto, lentes oscuros?¿Llegarías media hora tarde? NO. Si envías tu CD que toda la info sea clara: nombre de la banda, tracks, links, mail/fono de contacto, en la carátula misma del CD. Nada más. Salva un árbol y ahórrate las carpetas de prensa (para eso están los links).

7. Elección. Si quieres tocar covers en un bar, hacer trova ocasionalmente en tu barrio o mantenerte under y alternativo porque la masa no te interesa, estás en todo tu derecho. Pero si quieres ganarte la vida con tu música, debes trabajar duro: o es un hobbie o es una pega. O eres amateur o eres profesional. En una nano-industria como la chilena, a medias no funciona, porque demanda MUCHA energía mover las piezas y la competencia es dura. La vida es corta. Ni tú ni yo queremos perder el tiempo. Como canta Sinergia, hágalo bien. La discusión sobre el talento queda para otro día.

Radio UNO recibe tus canciones en Eliodoro Yáñez 1783, Providencia. A mi nombre. Estoy disponible en scancino@iarc.cl o @scancino en Twitter. El Facebook es para asuntos más personales.

Música internacional 2010

2011-01-15T16:11:00.039-03:00

El año del gato disco

Después de unas sabrosas minivacaciones, vamos con la segunda parte y final del recuento 2010, una personalísima selección de 15 discazos y 15 canciones adictivas, más bonus tracks para bajar el telón y mañana hacer la lista de propósitos 2011.

DISCOS
James – The Morning After The Night Before (Mercury Records) *
Lloyd Cole – Broken Record (Tapete Records)
Arcade Fire – The Suburbs (Merge Records)
Devo – Something for Everybody (Warner Music)
The Naked and Famous - Passive Me, Aggressive You (Somewhat Damaged)
LCD Soundsystem – This Is Happening (DFA/Virgin Records)
Robyn - Body Talk (Konichiwa/Universal Music)
Scissor Sisters – Night Work (Universal Records)
OMD – History of Modern (100% Records)
Kylie - Aphrodite (EMI)
Neil Young – Le Noise (Reprise/Warner Music)
Black Rebel Motorcycle Club - Beat the Devil´s Tattoo (Abstract Dragon)
Vampire Weekend - Contra (XL Recordings)
The Charlatans - Who We Touch (Cooking Vinyl)
Dum Dum Girls - I Will Be (Sub Pop)

* paréntesis indica sello discográfico

CANCIONES
Gorillaz feat. Bobby Womack & Mos Def - Stylo (Plastic Beach) *
Katy Perry – Firework (Teenage Dream)
Lady Gaga feat. Beyoncé - Telephone (The Fame Monster)
Eminem feat. Rihanna – Love the Way You Lie (Recovery)
Kanye West feat. Pusha T – Runaway (My Beautiful Dark Twisted Fantasy)
Janelle Monáe feat. Big Boi - Tightrope (The ArchAndroid: Suites II and III)
Cee Lo Green – Fuck You (The Lady Killer)
Train - Hey, Soul Sister (Save Me, San Francisco)
Stone Temple Pilots – Cinnamon (Stone Temple Pilots)
Hurts – Better Than Love (Happiness)
Sharon Jones and The Dap-Kings – Better Things (I Learned the Hard Way)
Beach House – Walking in the Park (Teen Dream)
Sade - Soldier of Love (Soldier of Love)
The National - England (High Violet)
Kings of Leon – Radioactive (Come Around Sundown)

* paréntesis indica disco a que pertenece

BONUS TRACKS 2010
Los apoteósicos shows de Beyoncé y Rush.
Los demoledores sets de Chancho en Piedra y Jorge González en Cristal en Vivo El Abrazo.
Las noches perfectas con Christina Rosenvinge en el Teatro Nescafé de las Artes y Regina Spektor en Movistar Arena.
Las presentaciones de dos estupendas chilenas radicadas allá lejos: María Perlita con su EP Dingo Dongo y Yael Meyer con su EP Heartbeat.

Las mejores películas que vi:
The Social Network de David Fincher.
Inception de Christopher Nolan.
The Ghost Writer de Roman Polanski.
Nostalgia de la luz de Patricio Guzmán.
La vida de los peces de Matías Bize.
Velódromo de Alberto Fuguet.
Ojos rojos de Juan Ignacio Sabatini, Juan Pablo Sallato e Ismael Larraín.
Let the Right One In de Tomas Alfredson (2008)
El secreto de sus ojos de Juan José Campanella (2009).

Zombieland de Ruben Fleischer (2009).

Los mejores libros que leí:
"Libro de plumas" (2004) de Carlos Labbé.
"Missing" (2009) de Alberto Fuguet.
"Molina: Historias de un pueblo de cáscara dulce" (2010) de Camilo Díaz Galaz.
"La ladrona de libros" (2005) de Markus Zusak.
"¡Que viva la música!" (1977, reedición 2001) de Andrés Caicedo.
"Los Altísimos" (1951, reedición 2010) de Hugo Correa.
"Cuando Alice se subió a la mesa" (1997) de Jonathan Lethem.
"Estrellas muertas" (2010) de Álvaro Bisama.

"New York Art: The Velvet Underground" (2009) de Johan Kugelberg (editor).
"10 años de Santiago en 100 palabras" (2010), varios autores.

Música chilena 2010

2010-12-30T19:28:00.016-03:00

Dënver: Mi primer oro 2010

Comenzamos con los recuentos del intenso año que se va: 10 discos ejemplares y 30 canciones estupendas. Todas estas maravillas fueron parte de la programación de nuestra Radio UNO, algunas en programas específicos, otras en la parrilla habitual. Las más recientes protagonizarán el verano 2011. En la 97.1 cerramos diciembre con una sonrisa, no sólo por el sólido crecimiento de nuestra audiencia, sino porque sumamos programas en vivo, nuevas sesiones con artistas en Estudio UNO, transmitimos en directo notables conciertos (Manuel García, PULSAR 2010, Cristal en Vivo El Abrazo) y pusimos al aire más de 150 discos de músicos emergentes presentados por sus propios creadores en Señores Pasajeros, además del catálogo más consagrado que destacamos en El Show de los Discos. Este viernes 31 desde las 7AM cerraremos la temporada de Haciendo Patria con un resumen basado en mi lista. El programa descansará en enero y febrero, al igual que otros espacios de la radio. Sí, vacaciones del equipo y programas especiales, pero también la cuenta regresiva para retornar con todo en marzo. Chungungos queridos, muchas gracias por estar ahí. A contar del lunes 3, nos escuchamos a las 14.oo. en Santiago a Mil en UNO, porque la música chilena no se detiene.

DISCOS

Dënver – Música, gramática, gimnasia (Cazador) *
Gepe – Audiovisión (Quemasucabeza)
Javiera Mena – Mena (Unión del Sur)
Odisea – Odisea (Oveja Negra)
Los Bunkers – Música libre (Universal Music México)
Carlos Cabezas – Desamanecer (Oveja Negra)
Leo Quinteros – Los días santos (independiente)
Seo2 – Por puro amor al rap (independiente)
Edenial – Desde el fin (independiente)
Ensamble Quintessence – Anónimo (Oveja Negra)

* paréntesis indica el sello discográfico

CANCIONES
Myriam Hernández – Rescátame (Banda sonora Mujeres de lujo) *
Fother Muckers – Lobo mayor (El paisaje salvaje)
Manuel García – Vida mía (S/T)
Congreso con Lenine – Con los ojos en la calle (Con los ojos en la calle)
Carolina Nissen – Pienso en ti (Carolina Nissen)
Juga di Prima – El orden de las cosas (El orden de las cosas)
AirelavaleriA – Nueva casa (single)
Cabrera – Veo ángeles (La fortuna de alegrar mi espíritu)
Riveros – Lo que no está permitido (La verdad)
La Noche – Si me dices adiós (Sígueme)
Los Vásquez – Tú me haces falta (Pop cebolla)
Michael de la Cruz – Tu boca (single)
Chico Trujillo con Banda Conmoción – Gran pecador (Vivito y coleando)
Lucybell – Ave Fénix (Fénix)
Jazzimodo – Castillos en el aire (single)
Deplasticoverde – Falta (Deplasticoverde EP)
Nick Calaveras (con Quique Neira) – Da Music (La receta)
Mundano (con Sonido Ácido & Noproblem Company) – Come With Me (single)
Tío Lucho – Oro de bestias (single)
Daniela Aleuy – Café por la mañana (EnCerio)
Natisú – Polillas de la tarde (ex Abstracto No.2 de Natisú EP)
Portugal – Donde debo estar (Viajes de memoria)
Oddó – Déjame dormir (Déjame dormir)
Hic Sunt Leones – Desata (Musa)
Andrés Bobe – With You (AB)
Yo Soy Pérez – La más cara de todas (Parque de dimensiones)
Carolina Molina (La Rancherita) - Libre, solterita y sin nadie (Muñeca)Martina Lecaros - Déjalo fluir (Sintiendo)
JuanaFe - La makinita (La makinita)
De Saloon - Cabeza de escorpión (Fortaleza)

* paréntesis indica disco a que pertenece

Música para desamanecer

2010-12-02T13:08:00.010-03:00

Descubrir sonidos comunes siempre saca sonrisas. Además del evidente trabajo de arqueología y de deuda saldada que es “AB” de Andrés Bobe, me emocionó comprobar que nos gustaban las mismas bandas, pese a la distancia espacio-temporal: OMD, The Smiths, Ultravox, NewOrder, Echo & The Bunnymen. El músico no era un Hendrix de la guitarra, pero sabía cómo construir ambientes, factor clave en la arquitectura de La Ley. Y compuso su propio “Blue Monday” (“I.L.U.”), su personal “Enola Gay” (“With You”). Esta antología reúne material entre 1985 y 1994, el año de su muerte. Canciones solistas en inglés, instrumentales, grabaciones de la encarnación original de La Ley con Shía Arbulú de Nadie en voz; hay grabaciones prehistóricas de Paraíso Perdido con la colegial Javiera Parra al micrófono. Sobre todas las cosas, está la sensación de un talento inconcluso. Revisar “AB” es justo y necesario. La breve presentación del disco en vivo en SCD Bellavista, con sus compañeros de ruta Luciano Rojas y Coti Aboitiz, más la voz de The Plugin y el batero de Saiko, tuvo dosis de cariño y la vulnerabilidad insólitas entre tanta tontera y megaconcierto.

“History of Modern”, el primer disco de estudio de OMD en 14 años, supera a sus antecesores “Universal” (1996) y “Liberator” (1993). Empata con “Sugar Tax” (1991), el álbum que los trajo de vuelta con los singles “Sailing on the Seven Seas” y “Pandora´s Box”. Al igual que el retorno de Devo, la banda no aporta nuevas ideas, sino buenas canciones. Uno puede descubrir los ecos de cumbres pasadas en los rincones, sin que sea un problema. Nuevas máquinas, nuevos juguetes, producción en foco. Eso ya es electro-alegría. “Sister Mary Says” es como “Enola Gay”; “If You Want It” es la hermana de “Walking on the Milky Way” para estos días tan Coldplay; “Sometimes” tiene esa pena azulosa demasiado Moby; y el tramo final recuerda esos primeros años más experimentales de paisajes electrónicos con androides que soñaban a imagen y semejanza de Kraftwerk (ídolos homenajeados en todas las esquinas).

Si descontamos bandas sonoras, mantras, boleros y Electrodomésticos, “Desamanecer” es el sucesor de “El resplandor” (1997), aquel memorable artefacto guitarrero que marcó el debut solista de Carlos Cabezas, un músico-guitarrista-productor-vocalizador-oreja-entidad a menudo tildado de gurú, maestro, pionero, experi-mentalista y exorcista pop. Esta aventura es menos ruidosa y frontal, pero con más pliegues y colores. Debe ser uno de los títulos que mejor describe el sonido de un disco reciente. Desamanecer, entre el día y la noche, un ocaso en reversa, la pérdida de la materia y la memoria en un momento perpetuo, el arte de desaparecer entre las luces bajas y confusas. El lugar, como dijo su autor, donde me tinca que vive la música. Conviven paisajes apocalípticos (“Antes de la guerra”) con explosivas fiestas populares (“El viaje”) y música para entrar en órbita a la espera del próximo anuncio de la NASA sobre el fin de la vida como la conocemos (“Tengo fe”/”Yo me despido”). Un disco poblado por amistosas y extrañas combinaciones de letras y electricidad.

El single “Al saber de ti” suena en nuestra 97.1, Radio UNO, música chilena.

Cabezas lanza hoy “Desamanecer” en el GAM.

Aterrizaje Forzoso

2010-11-19T10:15:00.007-03:00

En "Pasajera en trance", Charly García canta "un amor real es como dormir y estar despierto / un amor real es como vivir en aeropuerto". El nuevo libro de Fuguet habla de esos tránsitos perpetuos, de personajes que quieren viajar sin pagar por la vida... hasta que un día empiezan a perder todos los vuelos. Todo en nuestro Chile que, más que un país de aeropuertos, es una nación de aeródromos, terminales de buses y estaciones de trenes en agonía. Conversé con Fuguet en Haciendo Patria de Radio UNO, sobre "Missing", el estreno de "Velódromo", los 90, Radiohead, Los Tres, música campesina, la secuela de "Mala Onda" y libros que parecen discos. Escucha aquí.

Música, gramática, radio, piscina

2010-11-12T11:07:00.007-03:00

“Totoral” (2008) del dúo Dënver fue uno de mis discos favoritos de esa temporada. Tenía el encanto del electropop de dormitorio y cierta melancolía adolescente que sólo crece fuera de los muros de Santiago. Desde San Felipe llegaron esas tres postales con olor a cloro de piscina y cuadernos rayados: “Los últimos veranos”, “Miedo a toparme contigo” y “Estilo de vida” (gran video). Sin embargo, la virtud del cálido sonido casero se transformaba en un límite para la difusión radial del grupo. Ese es uno de los aspectos relevantes del formidable “Música, gramática, gimnasia” (2010): el factor Cristián Heyne en producción lleva las canciones de Mariana Montenegro y Milton Mahan al siguiente nivel. Desde la épica apocalíptica de bolsillo de “Lo que quieras” (otro gran video) hasta los electro-tsunamis de “Litoral central”, “Los adolescentes” y “Olas gigantes” (que suena como “Radio Ga-Ga” de Queen procesada por La Roux). La expansión instrumental alcanza cumbres sorprendentes en “Diane Keaton”, “Cartagena”, “Feedback” y “En medio de una fiesta”: tal como en el nuevo disco de Leo Quinteros, acá brilla el amor por ese pop sofisticado que la FM nos regaló en los 70 y 80, esa edad de oro en que cualquier tema (y no sólo los singles) de los buenos discos de Hall & Oates, Elton John o Mecano eran un clase magistral de pop y arreglos. Esa senda en la que insisten compositoras como Aimee Mann o Regina Spektor. Dënver ofrece un paisaje universal poblado por nadadores, skaters, bikers, surfistas, veraneantes, bronceados ganadores y hermosos perdedores. Crecemos, cambiamos los trajes de baño, pero los roles permanecen.

Un discazo que puedes bajar gratis aquí. La banda abrirá para Belle & Sebastian este domingo, lanzan en Blondie el 27 de noviembre y “Lo que quieras” suena en Radio UNO, 97.1.

“Me acuerdo de ti / con las canciones de la radio / tantas canciones buenas”. Así cantaban Javiera Mena y Gepe en “Sol de invierno”, uno de los mejores temas chilenos de los últimos años. La frase funciona también como espontánea declaración de principios de la nueva generación: son cabros talentosos que rescatan el valor de las canciones pop y crecieron sin el prejuicio que dominó los 90, una década rockista y generosa en términos despectivos, como “vendido” y “popero”, cada vez que alguien exploraba nuevos sonidos, lanzaba un tema de alto impacto mediático, hacía un cambio estético e incluso se cortaba el pelo. A los mencionados podemos sumar a Pedropiedra, Jazzimodo, Camila Moreno, Sabina Odone, Javier Barría y Odisea (Alex Anwandter, ex Teleradio Donoso) como campeones del pop que entienden la música como un gran patio de juegos, donde Philip Glass se cruza con Juan Antonio Labra y la pista de baile es tan interesante como un álbum conceptual, una balada de Simply Red, el catálogo de Violeta Parra, la escuela melodramática italiana o un riff asesino. Después de “Esquemas juveniles” (2006), Javiera Mena retorna como una certera diseñadora de electropop, junto a su socio productor Cristián Heyne. Con 9 canciones, “Mena” es bailable en sus rápidos e incluso en sus lentos: “No te cuesta nada” y “Un audífono tú, un audífono yo”, otro tratado sobre la emoción de compartir música. El disco suena muy Pet Shop Boys-Erasure-Yazoo y va en continuo crecimiento. De hecho, abre con la canción más débil. Si “Corazones” (1990) de Los Prisioneros es la cumbre eufórica del tecnopop local, veinte años después “Mena” es su lado B más melancólico y austero, acuchillado por letras que hablan de la invención de las verdades y otros exorcismos emocionales que siempre suenan mejor sobre una cama de sintetizadores y programaciones, quizás porque en ese ambiente solitario la transfusión entre humanos y máquinas es más natural.

Javiera Mena también suena en Radio UNO. Este comentario aparece en la edición actual de Revista IPop, disponible en quioscos con Vicentico en tapa y mi oda a Milla Jovovich en su interior.

@scancino

Jueves Santo

2010-11-11T11:27:00.009-03:00

Leo Quinteros contraataca con “Los días santos”, disco menos radial pero más sorpresivo que “Los accidentes del futuro” de 2007 (que incluía las monumentales “Invisibilidad” y “La enredadera”). En apariencia, “Cheerleader” es un single difuso, pero con cada pasada crece como himno, del mismo modo que sucedió con “Fiesta pagada”. No es un disco lineal, es sinuoso. Pop oblicuo, dueño de esa calidez que dominó los mejores discos de los 70 y los 80. Esa presencia FM, ese amor por la producción de álbumes completos, no sólo canciones de rápido consumo. Un país construido por capas, sonofantasmas, sirenas y afectos guitarreros por doquier. Viñetas de épica urbana en “Nuestros sábados” y “Santiago Centro”. Para el final, la enorme “No parece”, canción en perfecto y constante movimiento (como el Springsteen de “Brilliant Disguise” fundido con el de “Human Touch”/"Secret Garden"). En esa canción, con “calles que cambian de posiciones mientras las cruzas”, Quinteros ofrece una de las jugadas más hermosas de la temporada.

Daniela Aleuy apareció en el mapa como coristas de TVN, junto a María Ela, en programas como “Pase lo que pase” y “La noche del mundial”. Después de dos discos, ahora regresa con “EnCerio”. Que incluye fino electropop (“Nada más”, “Tanto tiempo”), ingeniosos arreglos de folclor futurista (“Cada cosa en su lugar”), la banda sonora para un western espacial (“Café por la mañana”), balada masticable (“Estamos atrapados”) y dos maravillas que suena como Cerati en femenino (“Pídeme un deseo” y “Qué fácil”). Como bonus, su cover para “Volver a los 17” de Violeta Parra.

Ambos discos están disponibles en Portaldisc.

Hoy, jueves 11 de noviembre, puedes escucharlos enteros en nuestra Radio UNO, música chilena. Revisa la programación aquí.

Top 5 Chile

2010-10-27T18:32:00.004-03:00

Para la edición bicentenario de revista Paula (septiembre) me pidieron una lista de 5 discos chilenos imprescindibles. Como era una encuesta grupal, sólo publicaron el texto de "Corazones". Acá va completo. Cinco discos para llevarse al espacio.

LOS ÁNGELES NEGROS, “Y volveré” (1969)Un baladista melodramático acompañado por una banda eléctrica y funky. Una fórmula inédita, explosiva y chilena. La canción que da título al disco es más grande que la vida. Si hasta los Beastie Boys samplearon “El rey y yo”. Además, la historia del grupo es una telenovela llena de ego, romance y rocanrol. Pagaría por ver la película.

SOL Y MEDIANOCHE, “33° 30` latitud sur” (1984)Iba a optar por la caja “Deja la vida volar” (2008) de Víctor Jara, pero creo que él habría sido fan de esta subvalorada banda que mezcla rock progresivo, folclor, vocalista telúrica con estética mapuche y covers fogosos de Violeta Parra. La reedición de 2007 agrega versiones en vivo y canciones adicionales, como “Cuecatecno” con su “tecno, tecno, tecno, tú no tienes nada” que es como 31 Minutos cruzado con Yes.

LOS PRISIONEROS, “Corazones” (1990)El disco de pop perfecto y punto. Jorge González como rey del drama tecno bailable. Quizás en las enciclopedias brilla más el fundacional “La voz de los 80”, pero este fue el disco que yo (sobre)viví.

LOS JAIVAS, “Obras cumbres” (2002)Más que una banda, Los Jaivas son una fulgurante fuerza de la naturaleza. Sería mezquino quedarse con un disco. Elegir “Alturas de Macchu Picchu” dejaría fuera monumentos como “Canción del sur”, “La conquistada”, “Mira niñita” y las versiones de Violeta Parra. No al crimen, viva esta antología doble.

ELECTRODOMÉSTICOS, “La nueva canción chilena” (2004)Si yo pudiera ser una banda chilena, sería Electrodomésticos. Un nombre que es una declaración de principios, una estética épica, una discografía breve y contundente, experimental y pop al mismo tiempo. Acá combinan boleros electrocutados, marejadas sónicas y escenas fílmicas-bíblicas. El lanzamiento del disco en el Teatro Oriente fue un exorcismo.

RUSHmore

2010-10-18T22:57:00.002-03:00

Me demoré dos canciones en asumir que Rush estaba tocando en el Estadio Nacional. Estaba en shock, con sonrisa Guasónica, apenas me movía mientras todos saltaban en la cancha. Al fin había entendido por qué me gustaba tanto la banda. A estas alturas, 24 horas después del show, las aristas pajeras ya deben estar cubiertas. Los talentos de Lee, Lifeson y Peart coronados. La precisión alabada, el sonido demoledor ensalzado, el pulpo mecánico del escenario admirado, el setlist analizado al revés y al derecho. Que quizás con “Red Sector A”, “Bravado” y “Dreamline” se hacía un viaje temporal (más) perfecto. Que si había que tocar algo de “Presto”, pudo ser “The Pass” o “Show Don´t Tell” . Que “Animate” supera a “Stick It Out”. Que por nuestra paciente espera de años pudieron regalarnos “The Trees” o “Roll the Bones”… que si querían dejarnos sin tímpanos, “One Little Victory” era una buena carta. Sí, cada uno tenía en su cabeza un show personal. Claro, hubo algunas pequeñas pifias, la sagrada trinidad es humana y goza con su condición. Pero anoche todos nos fuimos cansados, felices y llenos. Emocionados por el ritual. Porque, más allá de cualquier apreciación musical, esa es mi parte favorita de Rush: su capacidad para hermanar a personas tan distintas, de todas formas, tamaños y edades. En mi vida, el trío ha sido el terreno común, el lazo, con muchas personas. Desde mi mejor amigo en el colegio, a mis compañeros en la universidad y el trabajo, a mis grandes amigos de la vida universitaria y adulta, a mi mujer, a mi hermano chico. Y en la cuenta regresiva para el recital, empecé a descubrirlos entre el público, como en ese final más grande que la vida de “El gran pez” de Tim Burton. Ahí estaban todos, los antiguos, los olvidados, los recientes, los de siempre. Unidos, juntos, no en la desgracia, sino en la fiesta. Y todos los días siguientes, como si la distancia no existiera, podremos conversar sobre La Gran Noche. Y también de algo más, eso que respira bajo la superficie. Eso que, en un mundo que alardea de conexiones pero que es un gran generador de gente sola, importa demasiado. Que todas las baterías, bajos, pedales, teclados y guitarras de aire del planeta se enciendan para cantar… “All of us get lost in the darkness…”.

Tócame, por favor

2010-09-01T11:01:00.008-04:00

Hablé con la gente de Kilómetro Cero sobre el proyecto de 20% de música chilena en radios, aprobado ayer por la Cámara de Diputados. Debe ser ratificado por el Senado y es saludable el debate que generó. La nota está aquí.

El texto completo que envié:

Me parece que el proyecto tiene buenas intenciones, pero posee un problema grave: reduce el tema de la música chilena a la falta de difusión radial, cuando esta es apenas un eslabón de todo un proceso creativo y comercial. De hecho, es un engranaje final de la cadena. Los artistas, sobre todo los emergentes, necesitan recursos y herramientas para financiar sus grabaciones y profesionalizar su trabajo. Requieren, entre otras cosas, mejores condiciones para tocar en vivo, managers honestos y cobertura periodística seria. ¿De qué sirve que te pasen por la radio si no puedes hacer un video decente, si no te alcanza para grabar canciones, si vas a terminar tú mismo buscando tocatas por las cuales los dueños de los mismos boliches te imponen sus condiciones, si vas a salir al escenario a la 1AM ante los mismos aperrados de cada noche, si nadie de la televisión o la prensa escrita irá para reseñarte... y si más encima no te alcanza ni para pagar un roadie o el traslado de los equipos?. Además, hay escenas saludables, como el jazz y el metal, que han germinado fuera del circuito radial tradicional. Sin desarrollo de talentos, sin una plataforma funcional, los mismos consagrados de siempre seguirán copando el aire, cualquiera sea el porcentaje que una ley determine. Prefiero los incentivos a la creación y generar una nueva industria nacional que sea competitiva: una mirada global, más que forzar una intervención a la editorial a las radios. De otra forma, es el equivalente a creer que más salas para películas chilenas mejorará automáticamente la calidad y la identidad de nuestro cine.

Recomiendo el disco de la foto, editado este 2010 por Producciones La Clave/Oveja Negra/Radio UNO. Incluye a Camila Moreno, Gepe, Javier Barría, Daniela Conejero, Manuel García, Nano Stern, Chinoy, Pascuala Ilabaca, Pedropiedra, Sabina Odone, Fernando Milagros y Alejandro Soto. Puras cabras y chiquillos buenos, por encima de cualquier ley.

Y ya sabe, desde abril de 2008 tenemos Radio UNO, 100% música chilena en su amplio espectro: de independientes como AirelavaleriA y Los Rockers a los consagrados Jaivas, Illapu, Víctor Jara, Violeta Parra, los pelusones Sonora Palacios, La Noche e Hirohito, el zoológico de 31 Minutos y Mazapán, los cuequeros, los electropoperos, los nuevaoleros, los baladistas, chilenos por adopción como Gervasio... y seguiremos creciendo.

LINKS RECOMENDADOS SOBRE EL PROYECTO 20%:

Rodrigo Alessandri Velasco en El Mostrador.

Carlos Peña en El Mercurio.

Claudio Ruiz Gallardo en Quemarlasnaves.

Roberto Carreño en su blog.

Mecánica Pop

2010-08-27T17:59:00.004-04:00

Me invitaron de la Universidad de Chile a un foro sobre periodismo musical junto a David Ponce (de www.musicapopular.cl), Daniela Pérez (Rolling Stone Chile) y Marcelo Mardones (Sello Azul/Oveja Negra). La sesión se transmitió por la Radio Juan Gómez Millas y acá quedó el audio.

El lunes revisamos la discografía de Mecánica Popular en Radio UNO, 97.1. Si no escuchaste "Fatamorgana" (2003), tienes una deuda pendiente para el fin de semana. Suena como Radiohead + Nueva Canción Chilena.

Seguimos subiendo los capítulos emitidos de la serie documental Himnos Locales acá. Este domingo a mediodía, la historia de "Te perdí" de José Alfredo Fuentes.

iPop agosto + Stone Twitter Pilots

2010-08-13T18:18:00.004-04:00

Disponible en quioscos: lectura para el fin de semana, con mi versión de Lady Gaga en tapa. También comenté el fabuloso regreso de Scissor Sisters y firmé una columna. En el número anterior publiqué esto:

STONE TEMPLE PILOTS
“Stone Temple Pilots”
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Con todas las drogas que se metió, el cantante Scott Weiland debería estar muerto. Por eso, el regreso de STP ya es una feliz noticia. En sus dos primeros discos, “Core” (1992) y “Purple” (1994), el sonido de la banda era como Chupete Suazo: macizo y empeñoso. Quizás no jugaba muy bonito, pero hacía goles y eso es lo importante, ¿no? Ahí brillan joyas como “Creep”, “Interstate Love Song”, “Pretty Penny” y “Big Empty”. En 1996, el cuarteto exploró nuevo terreno en “Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop”, un disco tipo Matías Fernández: creativo, ingenioso y capaz de elaborar maravillas como “Lady Picture Show” y “Trippin´ on a Hole in a Paper Heart”. Y, como el Mati, recibió algunas críticas despiadadas, de los mismos que alguna vez alabaron su talento. Los dos discos siguientes, “No. 4” (1999) y “Shangri-La Dee Da” (2001) son comparables al Mago Valdivia: hábiles, impredecibles y también irregulares. Con pierna firme en “Down” y lujos como “Sour Girl”, “Atlanta” y “Days of the Week”. El nuevo disco del combo es un Alexis Sánchez: pura fibra, chispeante y fresco, pero tiende a marearse entre tanta finta. Parte como camión con la contundente “Between the Lines” para luego tomar una ruta más amable, lleno de citas al rock retro de los 60 y 70. Las melodías siempre fueron la gracia de STP y acá emergen magníficas con las muy Bowie “First Kiss on Mars” y “Dare If You Dare” (cita gratis a “All the Young Dudes”); “Cinnamon” es tan pop que podría ser de NewOrder. Como Sánchez, existe cierta falta de foco, relacionada con la grabación fragmentada y la ausencia de un productor externo: los hermanos DeLeo, al mando del grupo, reemplazaron al habitual Brendan O´Brien. En los minutos finales, hay pelotazos sin destino: “Peacoat” es un Van Halen con sueño; “Fast As I y “Maver” son planas. Rezamos para que STP encuentre su Bielsa personal.

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EL DIA QUE TWITTER IMPORTÓ

Empecé a usar Twitter porque me gustan los mensajes cortos. El haiku emocional, el bombazo en el corazón y el despeje veloz para salir jugando. Me conecto lo justo y necesario. Tengo un celular retro que sólo uso para llamar y enviar mensajes. Eso me impide, por ejemplo, estar en medio de un concierto más pendiente de buscar el setlist online que de disfrutarlo. O encerrarme en el baño de un restorán a tuitear que estoy haciendo caca. Eso fue exagerado, pero sé que entienden el punto: es fácil marearse con la sobrecarga digital. Racimos de mensajes directos, lluvia de líneas de tiempo y tanta acción/reacción instantánea. Todo aquí y ahora, la basura y la belleza. Twitter importó cuando dejaste de ver a tus amig@s en vivo. Sientes calambres y sudores de tanto usar tu laptop. La única manzana que comes es Mac. Ya no ves gente muerta, ves seguidores. L@s niñ@s quieren verse bien y estar en el próxima 140SCL (léase cumbre esponsorizada de tuiteros influyentes). Cuando Twitter colapsó y los contadores de followers y los tweets desaparecieron, quedaste con el ego en pelotas. Cada vez que aparece la ballena voladora en tu pantalla (sinónimo de sistema congestionado), tienes una rabieta. Si hasta los ministros tienen cuentas en Twitter. Dios también: me refiero a @paulmccartney y no a @elpulento. El problema no es la herramienta: simplemente tenemos la excusa perfecta para conformarnos con una comunicación de mierda. La vida en 140 palabras no es fácil. La gente de Plagio debería rebautizar su concurso de microcuentos como Santiago en 140 palabras.
@scancino

Nuestra casa de violencia

2010-08-10T19:36:00.015-04:00

Era chico cuando escuché el caset "Introspective" de Pet Shop Boys. Recuerdo la decepción: en ese disco estaban las canciones que sonaban en la radio... pero diferentes, más largas, con hipnóticos pasajes instrumentales. Con el tiempo aprendí que la banda hizo un trabajo bastante insólito para 1988: la costumbre era hacer un single radial de 3 o 4 minutos y luego hacer o solicitar una versión extendida y elaborada para la discoteca. Fue el imperio de los vinilos de 12 pulgadas. El dúo inglés siguió la ruta opuesta: los originales eran piezas monumentales de 6 a 9 minutos que luego fueron editadas para el consumo masivo. En ese proceso, el grupo se convirtió en uno de mis favoritos de la vida.

Me acordé de esa experiencia la primera vez que escuché el disco de Odisea (léase Alex Anwandter, ex Teleradio Donoso). Una colección de 10 canciones que su autor etiquetó como bailables en varias entrevistas, un concepto que tampoco dice demasiado, considerando que uno puede danzar hasta con "Killing in the Name" de Rage Against the Machine. La nueva vida maquinal de Odisea está construida fundamentalmente sobre teclados y programaciones. "Cabros" es el único single directo al corazón que puede convocar de inmediato a los viudos de la ex banda del muchacho. El resto está dominado por formidables cordilleras sonoras que superan los 5 minutos e incluso bordean los 10. Las canciones más breves parecen amortiguadores dentro del esqueleto mayor. Anwandter hizo el disco que quería, no el que debía: no es "Bailar y llorar II", sino una entrega menos radial y más jugada. Suena como una cruza entre el soul plástico de Bowie, pedazos ambientales de Air y los experimentos tecnopop de Jorge González. Pero este pez tiene agallas propias, sobre todo porque mantiene un tono épico y dramático, con música para mover los pies. Como Duran Duran musicalizando el apocalipsis urbano de Blade Runner. Sabemos que en esa película la desolación del paisaje era sólo un reflejo de las tripas de sus habitantes. Santiago, Concepción, Valparaíso o tu ciudad se transforman en nuestras casas de violencia al ritmo de Odisea. Una sonrisa chueca ante el derrumbe progresivo del mundo como lo conocemos, porque al final el disco se articula como un gran estado de ánimo. Odisea suena como osadía, también como agonía. Nuestras fortalezas son a veces debilidades con esteroides.

"Cabros" está en alta rotación en Radio UNO, 97.1, música chilena.

Himnos Locales

2010-08-01T13:44:00.007-04:00

Así se llama la nueva serie documental que hoy debutó en Radio UNO, a mediodía. Si te la perdiste, tenemos repetición el miércoles a las 17 horas y pronto quedará disponible online. Es la historia de doce canciones emblemáticas de la música chilena. Toda la info y los créditos correspondientes están aquí.

Recuerdo las largas conversaciones para depurar la lista final y las primeras sesiones de post-producción con Carlos Cid, hace un año. Wow. En el camino, por ejemplo, Los Ángeles Negros se reunieron... y se volvieron a pelear. Manuel García grabó una versión de "Brevemente gente" de Florcita Motuda que probó no ser la definitiva, pues él mismo empezó a descifrarla y redescubrirla. "Todos juntos" de Los Jaivas estuvo en medio de una polémica por un spot de París y eso nos permitió reconectarnos con el enorme significado del grupo en la vida nacional. Fueron horas de material y entrevistas condensadas en capítulos de 40 minutos en promedio.

Al final, fue un proceso luminoso que me inspiró para empezar a trabajar en documentales audiovisuales.

Aquí dejo una nota de Emol. Dos correcciones: el dial de UNO es 97.1 en Santiago, 91.1 en La Serena y Coquimbo; "Y volveré" corresponde a Los Ángeles Negros.

Later Is Now

2010-07-22T19:47:00.006-04:00

"Something for Everybody" es uno de los discos más adictivos de la temporada y un tremendo retorno. Pasaron 20 años desde "Smooth Noodle Maps", ese caset que salvaba sólo por "Post Post-Modern Man", cuyo video pasaban en "Sábado Taquilla". Suena a Devo clásico, pero con máquinas nuevas. Versión actualizada, tecnopop del neo milenio, pero el mismo humor corrosivo. El mundo no cambió demasiado. Ellos mismos insisten de entrada: "What We Do / Is What We Do / It´s All the Same / There´s Nothing New". Y se agradece que sean ellos mismos, "en-vos-mis-mados". Lo mismo hizo The Human League para su disco del regreso, "Secrets" de 2001, y piensan repetirlo en el próximo. Los grandiosos OMD aplican la misma perspectiva en el inminente "History of Modern", primer trabajo de estudio desde "Universal" de 1996 (que incluía la épica-eclesiástica "Walking on the Milky Way"). Puros discos recomendados desde mi electrocardiograma. Y si quedas con ganas de más: "Night Work", el nuevo de Scissor Sisters, que incluye una obra maestra llamada "Invisible Light". Viva la vida, viva el pop.

El orden de las cosas

2010-07-14T09:18:00.006-04:00

Todo lo que pudo pasar y no fue. La realidad trizada por imágenes de un futuro que está respirando en otro lugar, con distintas personas y diferentes chistes, como en un constante FlashForward. Una novela almacenada en menos de cinco minutos. Así funcionan canciones enormes como “Invisibilidad” de Leo Quinteros y la recién llegada“El orden de las cosas” de Juga di Prima, que da nombre a un disco grabado este año en Rapa Nui. No, no suena polinésica (aunque hay ecos en varios temas y un "Kite vai kava" al final). Es un bolero eléctrico, unos Ángeles Negros procesados por una sirena melodramática. De entrada, te bota los dientes de un puñetazo:

Oye, si tú quieres darme un beso
Un beso que dure muchos más
No debes estar comprometido
A mí me gusta vivir en paz

Y luego continúa narrando una historia que incluso se fusiona con la siguiente canción…

Hubo una vez una niña que no quería decidir
Siempre evitó la rutina y toda pauta a seguir
Y la vergüenza y el miedo no conocía
Mientras la noche llegara

La cantante/compositora/multi-instrumentista Juga di Prima te ofrece todas las partes y accesorios para armar un disco conceptual: atando cabos, desordenando los temas y eliminando algunos demasiado convencionales, hasta dar con la secuencia apropiada para sacar a pasear los fantasmas por los volcanes. Relatos de amores a la mala, fracturas, cosas imposibles, bailes que nunca existieron, microcuentos en estéreo, sentimientos que se arrastran, moais con hipo mirando eclipses con lentes, divertidas imágenes de vida doméstica con huevos revueltos, eternas esperas por una señal para dejar las ficciones por una verdad. El disco equivale a caminar en un sueño dividido en varias partes. Algunas acarician, otras patean.

¿Dónde conseguir el disco? Te lo dice Juga di Prima aquí.

"El orden de las cosas" está en alta rotación en Radio UNO, 97.1.

iPOP julio

2010-07-09T15:42:00.004-04:00

Lectura para el fin de semana, búsquela en quioscos. Escribí una columna sobre Twitter (@scancino) y la reseña del regreso de Stone Temple Pilots. iPop, un proyecto nuevo para encariñarse. Y si lo dice el pulpo Paul....

iPop

2010-06-15T14:41:00.004-04:00

Ya está en quioscos el número de junio con Cerati en tapa. Incluye, entre otras sabrosuras, una columna mía más la entrevista de la foto. Por su atención, gracias.

Audiovisión

2010-05-27T22:58:00.006-04:00

Gepe perfeccionó su fórmula para destilar pop con trazas folclóricas, guitarras de palo y orquestas de sintetizadores. Mientras escuchaba su fantástico disco “Audiovisión”, me acordé de “Raíz”, el insólito primer single del “Bocanada” de Gustavo Cerati. En 1999 era grande la ansiedad por el debut solista del ex Soda Stereo. Y escribo debut porque las aventuras previas, incluido “Amor amarillo”, se habían desarrollado con la banda madre aún en funciones. “Bocanada” era la nueva secuencia inicial, el primer paso del hombre en la soledad. “Raíz” era una rareza: recordaba el espíritu andino con maquillaje y jopo de “Cuando pase el temblor”, incluía un fragmento de “Del aire al aire” de Los Jaivas, su letra era cortísima y circular. “Si te abrazo es para sentir / que a nuestro amor / nunca podrán sacarlo de raíz / sacarlo de raíz”. Además, era la novena canción de un extenso álbum de 15 tracks, cuando aún importaba el orden de los temas. Con los años, la encantadora “Raíz” quedó a la sombra de los himnos de estadio de “Bocanada”: “Puente” y “Paseo inmoral”.

Gepe me trajo a los parlantes esa vieja melodía, que calza perfecto con sus propias “Alfabeto” y “Estado de vista”. Al igual que el argentino, Gepe es un ciudadano sampler: recolecta, corta, pega, transforma, recicla, inventa, construye nueva vida con materiales conocidos. Su devoción por Pet Shop Boys (que también comparte Javiera Mena en su flamante e imponente “Hasta la verdad”) surge en “Lienza”, en la versión reforzada e imperial de “Victoria Roma” (editada antes en pañales en el EP “Las Piedras”) y en “Salón nacional de tecnologías” con Jorge González como invitado. No olvidemos que la obra cumbre del tecnopop chileno es suya: “Corazones” de Los Prisioneros, disco que recién cumplió 20 años. Juega en casa: pon “Raíz”, luego “Alfabeto” y cierra con la electro-batucada de “Single-Bilingual” de PSB. Pura gente talentosa que escucha visiones en un impecable combo triple.

Recomendaciones de nuestra Radio UNO: concursa para ganar “Audiovisión” aquí y busca acá una excelente sesión más entrevista con Gepe, que incluye su cover acústico de “Domino Dancing”. Recueda que nos escuchamos de lunes a viernes desde las 7 AM en la 97.1.

Carolina Nissen

2010-05-12T09:36:00.008-04:00

Canciones hechas a mano, con cariño y mañas caseras. Recetas antiguas,
nada revolucionario. Aunque, pensándolo mejor, sí es revolucionario
conmover en estos tiempos rápidos mega i-diotizados. Simpleza no es
superficialidad y la belleza también paga los gastos comunes. Mi disco
de la semana puedes descargarlo gratis aquí. Suena como Ximena Sariñana, Francisca Valenzuela, Julieta Venegas… nunca he tenido problemas con las comparaciones y parecidos, tengo demasiado espacio para llenar con canciones sobre el arte de echar de menos y Nissen emociona cuando canta en minúsculas:

Me quedé a vivir
lejos de tu corazón
Nunca lo planeé así
pero no tenía otra opción

Me pregunto en qué estarás
y si quisieras conversar
Tengo tanto que contar
que un poco de ti no me haría mal

Pienso en ti

No me impaciento
porque sé que esto va ser muy lento
Sentada espero la lluvia caer
porque sé que algo de ti va a traer

Pienso en ti

Cada vez que la toco en mi programa causa escalofríos, propios y ajenos.
Hablando de ecos, gracias a Roberto Carreño llegué a María Rodés,
quien desde Barcelona cría melodías a punta de instrumentos de
juguete, ruiditos, teclados, estornudos, cepillos de dientes, abrir y
cerrar de grifos, cerillas, teléfono móvil. Todo para sonar como un
caset regrabado 4 veces desde hace 15 años. Así lo explica ella. Me
gusta cuando canta:

Sabes bien que yo tiendo a pensar
que todo va a salir muy mal.
No lo tomes como algo personal,
es sólo una forma de hablar.

Y…

Cuando volvemos a hablar
se me van los miedos, sólo veo vasos semi-llenos.
Esta es mi oportunidad..
para recordar... qué calidad.

María Rodés me recuerda a María Perlita. Búscalas. En otoño-invierno necesitamos canciones como frazadas.

iPop

2010-05-09T20:59:00.010-04:00

Si el post anterior era un funeral, vamos con un bautizo. En quioscos está el quinto número de la revista iPop, con Gorillaz en tapa. Me invitaron a escribir y colaboré con un artículo titulado "Dios es grunge". También encuentras buenas entrevistas con Moby, Patricio Fernández (director de The Clinic), una notable reseña del emocionante documental "Ojos Rojos" escrita por Gonzalo Frías y una guía con 10 nuevos nombres de artistas chilenos para descubrir. Además, Carlos Moena reseña videos, entre ellos el magnífico "Mi caminar" de Zalo Reyes. En tiempos digitales, el papel aporta épica y romanticismo. Funciona como una trampa para cazar el tiempo. No publicaba desde el 2007, cuando dejé Rolling Stone y cancelaron mi columna en Vive! de VTR. Se siente bien pasar las páginas de iPop. Es una revista recién nacida, tenemos cosas que mejorar: desde pifias de tipeo hasta encontrar una mirada propia. La principal batalla es la supervivencia. Ahí vamos, con el alma por delante. Haciendo patria con iPop.

Anexo 1458

2010-05-04T16:07:00.008-04:00

Escribí en la Zona de Contacto entre 1996 y 2001. Empecé en el taller literario. Me costó entrar, me aceptaron a la tercera postulación. Durante años, el rito del viernes fue ir al quiosco de la plaza de Molina a comprar El Mercurio. Coleccionaba la Zona porque (noventeramente hablando) sentía que no estaba aislado y que había otros freaks como yo y que alienarse tenía un lado cool. Era el sueño del cabro chico de “Casi famosos” tecleando para Rolling Stone. Tenía 19, estaba en tercer año de periodismo en la USACH y para mis compañeros más zurdos yo era (noventeramente hablando 2) un vendido-poser-ondero. Publiqué tres cuentos y luego seguí como colaborador. Mi primera boleta de honorarios fue por un artículo sobre los provincianos: 30 lucas. Estaba más contento que la chucha: me pagaron por escribir de mí a través de otros. En la Zona me putearon por primera: entregué tarde un texto… vía FAX. Eran tiempos TAN análogos. Hice la práctica ahí, pasé un mes ordenando el archivo fotográfico. Publiqué un par de patinazos: artículos sobre Peter Murphy y King Diamond, inspirados en conciertos que se cancelaron a última hora. Cerrábamos el martes, no había marcha atrás. Recuerdo las comilonas en el casino antes de medianoche, regresos a casa de madrugada en radiotaxi y reuniones de pauta largas que se movían como carruseles. Cuando terminé la práctica, me hicieron una despedida: dos chicas Zona me bailaron una canción de ABBA. Firmé una sección llamada (noventeramente hablando 3) “Sólo en Napster” donde recomendaba canciones para descargar. En diciembre de 2000 apareció el número 500 y, por primera vez, la Zona hizo un especial retrospectivo. Convocaron a 50 colaboradores y nos pidieron armar listas, Top 5, tema libre. Ahora que reviso el artículo me doy cuenta que varios trabajábamos en proyectos online que pronto colapsarían en la debacle puntocom; en mi caso, Loquesea.com. Cada uno tiene su opinión sobre la relevancia del suplemento y su transformación en la recién fallecida Zona.cl. Significó mucho, poquito, nada, o una mierda, depende de quién eras y dónde estabas. Si llegaste leyendo hasta aquí es porque la Z gigante de los dos Contacto en la Estación (Mapocho) te emocionó y quizás también los libros “Cuentos con Walkman”, “Disco Duro”, “La vida según Benito/Anita Santelices” y “Chancho Cero”. Más de alguno esperó más de quienes pasaron por la revista: un par de obras cumbres generacionales, un manifiesto de algún tipo, un proyecto editorial contundente o una revolución en tu barrio que jamás llegó. La Zona que viví, más que una banda, era una patota de solistas. Obvio que tiene que ver conmigo, pero por algo conservo apenas un par de amigos de esa etapa. Uno de ellos, desde Buenos Aires, comparó a la Zona con una mina: "el sexo estuvo bueno, pero el recuerdo la empeora". La mina era rica, un poco loca, pero con (noventeramente hablando 4 y final) actitud. La nostalgia es como el colesterol, hay que controlarla. Los medios que amas pueden desaparecer, morir y resucitar. Es sano. Fue mucho mejor estar en la Zona, contestando el 1458, que pasar de largo. Tal como celebraba esa edición aniversario, fueron “quinientas semanas tratando de achuntarle”. De eso se trató todo, en papel y en digital, a veces con resultados geniales, a veces con porrazos, en un par de ocasiones con mala leche y arrogancia. Pero puta que aprendimos. Estoy seguro que el “Incomix” de Rodrigo González Petersen habría hecho una apoteósica viñeta para cerrar el estúpido boliche, apagar la displicente luz y mandarnos a todos a casa de una patada en la raja, porque es la única forma de motivar a los conejos tibetanos para que inventen un nuevo baile.

Rosenvinge

2010-04-21T23:42:00.005-04:00

Hubo un tiempo en que viví en Canciones Tristes, ese sitio construido
en los libros de Rodrigo Fresán. Mi problema es que nunca pude darle
un soundtrack. No lograba imaginarme cómo sonaba caminar por ahí. Y no era precisamente por falta de canciones devastadoras, lentos adolescentes,
estrofas astilladas disfrazadas de himnos bailables, baladas afiladas
con mala leche, pequeñas melodías llenas de pena y pianos sombríos.
Cuando vi a Christina Rosenvinge en el Teatro Nescafé de las Artes al fin pude: ella es Canciones Tristes. Así, en español (porque Aimee Mann es la gobernadora de Sad Songs, que es un estado vecino). Es una ciudad completa, con avenidas, calles de adoquines, parques, picadas subterráneas, lados salvajes, iglesias góticas, cementerios de héroes olvidados, cocodrilos en las alcantarillas, bibliotecas, cines antiguos, estadios centenarios que saben más de derrotas que de triunfos, monumentos imperiales y, sobre todo, cafés. Para reírnos de los malos sueños con una taza en las manos. Es un lugar donde llueve a todas horas, bajo nubes de un blanco imposible, donde hay plazas con flores secas y hasta Lou Reed se pasea con traje y llama a su novia desde el hotel. Me gusta Rosenvinge, debe parecerse a Valdivia o Seattle en días de tormentas. También hay alegría entre esos muros, sonrisas de supervivientes, amor de esquinas, amor tentacular, gente que encontró la felicidad después de largos tacos en rotondas gigantes que se ven desde el espacio. Si en medio de tu pecho quedó un agujero, en Rosenvinge jamás estás solo.

Let the Right One In

2010-04-07T09:13:00.010-04:00

Let Me In

Cuando leí la novela de John Ajvide Lindqvist, traducida al español
como “Déjame entrar”, amé la cantidad de capas narrativas: Suecia,
Guerra Fría, el comienzo de los 80, el lado B europeo, adolescentes acabados, viejos buscando una quinta vuelta de tuerca, violencia, pedofilia, obsesiones múltiples, barrancos emocionales, familias destruidas y, claro, vampiros. Por sobre todas las cosas, hay iluminación nocturna en la historia de Oskar y Eli: en cómo dos personas se conocen, se quieren y se echan de menos, aunque estén a un abrazo de distancia o separados apenas por una pared o un vidrio. Cerca en el espacio puede ser infinitamente lejos por dentro y por eso uno crea su propio alfabeto para comunicarse. Tu Morse personal. Esa es una sensación que domina el libro y que la película dirigida por Tomás Alfredson captura de una forma tan perfecta que dan ganas de viajar para darle las gracias. La nieve, el silencio y ESAS miradas. Ojos que parecen planetas enteros, con ciudades dentro. La película sigue en nuestra cartelera como “Criaturas de la noche”, un nombre tan chungo que Eddie Murphy podría haberla protagonizado (bueno, hizo "Vampiros en Brooklyn” con Wes Craven). Para octubre está programado el remake gringo, una versión simplificada que evita las partes delicadas del libro. Esperemos que el director Matt Reeves tenga tacto. Su CV tiene de todo: la serie Felicity, Steven Seagal, Cloverfield y el guión de una peliculaza llamada “The Yards”.

Al terminar la novela, uno entiende mejor la letra de "Let the Right One Slip In", la canción de Morrissey que inspiró el título.

Let the right one in
Let the old dreams die
Let the wrong ones go
They cannot do
What you want them to do

Una canción que podemos complementar con la maravillosa "If It Is Growing" de Fanfarlo, dueños de un magnífico disco debut llamado "Reservoir", mezcla de Talking Heads, Arcade Fire y Grizzly Bear.

If it is growing
If it is clawing
And wants to get out
Then let it come out

Your memory’s failing
Your eyes are like rocks
And I can see you on the floor of your box

You’ve got answers
In everyone is electric circuits
And that’s all there is

So now you’re leaving?
I’m not that impressed
Oh they will comment on the way that I dress
If I could be so cruel to confess:

That if you built this to look just like you
Then here’s the irony
No one will know
If it’s tomorrow or today that you go

Y para todos los Oskar & Eli del planeta... you`re one of the few outsiders who really understands us. Hermoso.

Haciendo Patria

2010-04-06T13:38:00.003-04:00

Exactamente 4 años después del fin de Fonosíntesis en FM Tiempo y a casi 2 años de partipar en la fundación de Radio UNO, vuelvo al aire con programa propio, diario y en vivo en mi adorada 97.1. Compatriotas, a levantarse con Haciendo Patria, de lunes a viernes a las 7 AM. Más detalles aquí.

a-ha

2010-03-30T19:54:00.007-03:00

Simon Le Bon de Duran Duran es un frontman más vistoso que Morten Harket. Tears for Fears es una banda mucho más ambiciosa. Pet Shop Boys posee una discografía más indestructible. Simply Red es un combo más popular. Depeche Mode consiguió el respeto del público rockero. Pero el triunfo de a-ha siempre fue hacer mucho con poco: coros, teclados y épica doméstica. Ahí desfilan “Take on Me”, “Cry Wolf”, “Touchy!”, “Maybe, Maybe” y “You Are the One”. Incluso su contribución a la grandilocuente saga 007, "The Living Daylights", es sobria. Mientras el trío sigue con su gira final, asumo que echaré de menos cada nuevo lanzamiento. Soy de los que celebraron el reciente “Foot of the Mountain” y el gran regreso con "Minor Earth Major Sky" del 2000, con las impresionantes "Summer Moved On" y "Velvet". Dos años después, "Lifelines", con esa dolorosa canción para cerrar ciclos llamada "Forever Not Yours". "Analogue" del 2005 es una obra maestra que seguro el fan Chris Martin de Coldplay escuchó varias veces buscando combustible para sus propias baladas y quizás para bailar un lento con Gwyneth. Porque tiene letras simples que te doblan las rodillas. Como en “The Summers of Our Youth” y su deseo de una forma para regresar en el tiempo a esos veranos perdidos. El mecanismo son las canciones. Con “Early Morning” vuelvo a los días en que la posibilidad de despertar con alguien al lado se veía tan remota. La imperial “Manhattan Skyline” es el retorno a todas las fugas y despedidas, la especialidad de la banda. El disco entero “Memorial Beach” (1993) me recuerda casets, el fin del colegio y los primeros años de la universidad. Cuando, entre tanto grunge y pose alternativa, cantar a-ha era una anomalía. Ese era un disco más oscuro y rugoso, con títulos como “Dark Is the Night” y la enorme “Angel in the Snow”, lo más parecido a “One” de U2 que hicieron. Años después, Bono y The Edge devolvieron la mano con “Beautiful Day" y su monumental guiño a "The Sun Always Shine on TV"... cuyo eco también retumba en "Papillon" de los notables Editors. Tremenda banda a-ha. Una sola línea de “The Swing of Things” bastará para salvarnos: "How Can I Sleep with Your Voice in My Head?". Seguro que sabes cómo se sienten esas voces en tu cabeza.

Terremotos

2010-03-11T10:15:00.003-03:00

La casa de luto

La mañana del viernes 26 de febrero fui destituido de la dirección de Rock&Pop, debido a los malos resultados en las encuestas de audiencia. Así terminó mi gobierno de 1 año y 7 meses. Como canta Pedropiedra, “sé lo que hice bien, sé lo que hice mal” y asumo que el paso de los meses me dará más perspectiva y distancia para aprender del porrazo. La 94.1 está en crisis desde 2006. La única forma de revertirla es que los jefes asuman de verdad que su reinvención es prioritaria y requiere de todos los recursos necesarios, y no de una constante reducción de costos y energías. Aún no asimilaba el sismo personal cuando llegó el terremoto y no hubo tiempo para nada, excepto estar al aire. Recién el miércoles hablé con mi equipo, coordiné la transición, desocupé mi oficina y partí a Molina, mi ciudad natal en la VII Región. El paisaje es una mezcla de tristeza, ecos y escombros. El hogar que mi padre construyó es un bunker que quedó intacto. La antigua casona de mi abuela, donde crecí, quedó inhabitable, con sus altos muros de adobe despaturrados en la calle. Los lugares de la infancia estaban en ruinas: se vino abajo el puente sobre el río Claro, donde nos bañábamos en verano; las Siete Tazas y el Salto de la Leona, donde pasamos el terremoto de 1985, se secaron (aunque las lluvias de invierno con sus sedimentos deberían remediarlo); el club social que tuvo mi abuelo tenía un cráter en la fachada; el bar de las eternas primeras piscolas se derrumbó por dentro; el centro de Curicó, donde estudié, es un cerro de adobe; Iloca y Duao, nuestras playas de siempre, fueron barridas por un tsunami. La muerte líquida. Con mis suegros y mis viejos llevamos bolsas con ayuda y las repartimos en Itahue, Santa Elena y Casablanca. El 4x4 se veía tan lleno, pero las cosas desaparecieron en un rato. Nos quedamos con una poderosa impotencia. Mi cuñado se anotó como voluntario y terminó llorando después de apilar restos que una vez fueron piezas, ante el desconsuelo de sus dueños. Sé que todos tenemos historias sobre caer y ponerse de pie, y que cada uno tiene el reloj de su propia reconstrucción. Mi viejo me enseñó que los fierros se arreglan, las murallas se levantan y que, mientras tengas salud, todo estará bien. Al verlo caminar en el campo, entre gallinas cluecas, perros asustados, tablas rotas y tierra suelta, noté que sus pasos son más lentos. Imaginé cuántos terremotos y réplicas pasó él. En medio del polvo, me encontré con un amigo del barrio, de pichanga en la calle, piedras y pelota de plástico con el mapamundi dibujado. Frente a mi casa, él le ayudaba a su viejo a cambiar las tejas destruidas por planchas de zinc. Nos abrazamos, nos reímos y me contó que iba a ser papá. Ahí tuve un flashforward, una imagen del futuro: jugábamos todos juntos con nuestros críos en esa misma calle pavimentada. Al final, nosotros somos la máquina del movimiento perpetuo. Y, ahora citando la canción de Javier Barría, “no se ha creado la bala capaz de matarnos”.

2009

2010-01-02T21:27:00.002-03:00

Tim, de The Postmarks, te susurra un feliz 2010

En diciembre cumplí 33, así es que acá van mis 33 discos favoritos del año que se fue. Van primero los chilenos, porque de www.musicapopular.cl me pidieron la lista. Hay un par de discos viejos y un bonus con canciones sueltas. Hace rato que volvimos a la era del single. Este es un ejercicio de memoria estéreo, nada más. Para la matemática musical y otras pajas existe Metacritic.com. Si quieres apuntar los tuyos, bienvenid@.

Pedropiedra, "Pedropiedra"
Javier Barría "Introducción a la geometría"
Camila Moreno, "Almismotiempo"
Los Miserables, "Alegría y subversión"
Latin Bitman, "Colour"
Ana Tijoux, "1977"
Inverness, "Illuminaciones"
Alamedas, "Carretera"
Nano Stern, "Los espejos"
Chinoy, "Que salgan los dragones"
Mawashi, "Mawashi"
Cómo Asesinar a Felipes, "Un disparo al centro
Alice In Chains, “Black Gives Way to Blue”
The Postmarks, “Memoirs at the End of the World”
Christina Rosenvinge, “Tu labio superior”
Regina Spektor, “Far”
Little Boots, “Hands”
La Roux, “La Roux”
Pet Shop Boys, “Yes”
Muse, “The Resistance”
Mew, “No More Stories…”
Morrissey, “Years of Refusal”
Kent, “Rod”
Yeah Yeah Yeahs, “It´s Blitz!”
Norah Jones, “The Fall”
Editors, “In This Light and On This Evening”
Lily Allen, “It´s Not Me, It´s You”
REM, “Live at the Olimpia”
U2, “No Line on the Horizon”
Los Fabulosos Cadillacs, “El arte de la elegancia”
Radiohead, “In Rainbows”
The Beatles, Remastered Box Set
Tegan and Sara, “Sainthood”

Bonus Tracks:
“Wheels”, Foo Fighters
“The Fixer”, Pearl Jam
“Bad Romance”, Lady Gaga
“11th Dimension”, Julian Casablancas
“Think I Need It Too”, Echo & The Bunnymen
“Electromovimiento”, Calle 13
“Lisztomania”, Phoenix
“The Reeling”, Passion Pit
“Reina japonesa”, Fernando Milagros & The Falsos
"Hoy", Nicole
"Daño", Tizana
"Caramelo", Jazzimodo
"Pa´olvidar”, Rocío Peña & Juanita Parra
“Volando bajo”, Nea
“For What It´s Worth”, Placebo
“Ignorance”, Paramore
“Meet Me on the Equinox”, Death Cab for Cutie
“We Are Golden, Mika
“Fragile Tension”, Depeche Mode
“Deja Vu”, Gustavo Cerati
“Gimme Sympathy”, Metric
“Cornerstone”, Arctic Monkeys
“Where Did All the Love Go”, Kasabian
“No You Girls”, Franz Ferdinand
“Dance with Somebody”, Mando Diao

Frengers

2009-12-20T22:38:00.003-03:00

Estamos rodeados de frengers y su número crece a medida que pasan nuestros cumpleaños. Quizás uno mismo se convirtió en uno sin darse cuenta, aunque creo que con un mínimo de sensibilidad siempre nos enteramos de la transformación. La primera vez que escuché el término, no le presté demasiada atención: la fusión de friend y stranger, ni tan amigo, ni tan desconocido. Una criatura que proliferó entre tanta conexión digital-celular. Porque en los tiempos del teléfono fijo, la agenda y las cartas, parecía más fácil saber quién era parte de nuestras vidas y quién no. Los frengers son un cacho si quieres organizar una fiesta o un matrimonio. Si tu vida es un desperdicio, se apoderarán de tu funeral como una plaga. En Facebook uno ya casi no acepta amigos, sino que enumera sus frengers favoritos. Algunos prefieren rodearse de cientos de ellos, porque generan una agradable ilusión de cariño que no requiere del vértigo y la inversión emocional de la amistad. Una mañana te invitan un café, a la hora de almuerzo no te contestan el teléfono, por la noche te llaman para pedirte un favor y tú te niegas con un raro sentimiento de alivio y una mínima dosis de culpa. Todos hemos perdido amigos y hemos frengerizado a otros. Sucede cuando dejamos de mirarnos a los ojos y dinamitamos los puentes. La fuente de todas las decepciones es confundir a un frenger con un amigo. Es preferible vivir entre extraños.

“Frengers” es el nombre de un gran disco que los daneses Mew lanzaron el 2003 y ahora la banda regresó con uno de mis discos del año: “No More Stories / Are Told Today / I´m Sorry / They Washed Away / No More Stories / The World Is Grey / I´m Tired / Let´s Wash Away”. Con ecos de Talk Talk (basta mirar la tapa, que podría ser también el retrato de un frenger), el disco recuerda a Yes, el rock progresivo setentero, el pop progresivo ochentero, The Dream Academy, Death Cab for Cutie, Radiohead y el Muse más espacial. Los videos para “Introducing Palace Players” y “Repeaterbeater” son impresionantes y la trilogía debería terminar con “Beach”. Mew suena como los villancicos de la era espacial. Sigo siendo amigo de quien me recomendó “Frengers”. Estaba tan emocionado cuando escuché “No More Stories…” que corrí a escribirle a un par de seres adorables. Si toda esta maraña electrónica sirve de algo, agarra ese puto teléfono y llama a alguien que de verdad te importe. Ahora mismo.

LibroPatía

2009-11-21T20:24:00.002-03:00

Algunos de los libros de mi vida, una selección por encargo de LuchaLibro, uno de mis sitios favoritos.

Epic

2009-10-31T02:20:00.004-03:00

Lo primero que me gustó de Faith No More fueron los teclados de Roddy Bottum. En esos simplistas años de colegio, ser tecladista y rockear eran conceptos incompatibles. FNM me pareció de otro planeta y “Angel Dust” era un adorable bicho raro. La segunda cosa que admiré del grupo fue su obsesión por sacar singles tan peculiares, peces globo que se pasean entre la fórmula radial perfecta y extrañas convulsiones melódicas: “From Out of Nowhere”, “Epic”, “Falling to Pieces”, “A Small Victory”, “Everything´s Ruined”, “Digging the Grave”, “Ashes to Ashes”, “Last Cup of Sorrow”, “Stripsearch”… incluso cuando sonaban domesticados (“Evidence”, “Take This Bottle”) o hacían versiones (“Easy”, “I Started a Joke”) había algo inquietante y perverso. La lava debajo del suelo. Verlos en vivo por primera vez, en la “gala” del Caupolicán, fue la sensación opuesta a The Prodigy, porque todo sonaba nuevo y salvaje. Como no soy un fan incondicional, no había expectativas que cumplir, sólo canciones que disparar. Y en eso la banda no falló porque son un tejido a prueba de balas y Mike Patton es un Bielsa, un pájaro loco de Marte que te muerde los tímpanos y te despierta con golazos. Sólo bastaron “Midlife Crisis”, “Be Aggressive” y “Surprise! You´re Dead!” para quemar la noche. Lástima que el sonido se apagó durante “We Care a Lot” en el concierto de La Florida. Prodigy, Los Morton, Los Peores de Chile, Supernova, Nicole, Faith No More y una lluvia de pollos. Todo en la misma semana. Tan noventero que dan ganas de comprar la Zona de Contacto en papel.

The Prodigy

2009-10-29T00:54:00.003-03:00

Mi primera vez con The Prodigy fue el 24 de agosto de 1998 en el Teatro Monumental. Al día siguiente, ahí mismo tocó Björk y un poco antes, el 19, los Smashing Pumpkins hicieron zumbar la Estación Mapocho. Santiago nos pareció TAN internacional. Eran días de entrada general, nada de tontera VIP ni Golden Circle ni Arma-Goddamn-Motherfuckin-Geddon Platinum. Todos juntos. Esa vez pagué 10 lucas, salí sordo, sudado y con electricidad suficiente como para iluminar un pueblo. Tenía un recuerdo demasiado potente de ese concierto, por eso cuando años después la banda volvió, con formación amputada, decidí no ir. Ahora venían los tres malditos electropunks y estaba nervioso. Más encima, la ocasión se prestó para reunirme con mis compañeros de departamento de hace una década, cuando vivíamos apretados pero felices en calle Vergara. Melrose Place, le decíamos. Un 2009 más noventero imposible: el Caupolicán pasará de Prodigy a Faith No More en menos de 24 horas. Recuerdos disponibles en caset y CD. The Prodigy fue una tormenta perfecta, un Terminator aplastando cráneos y tímpanos. Necesitaba ir a un recital sólo por querer, sin compromisos laborales adjuntos. Y fue la raja. Una sensación que extrañaba tanto que en medio de “Poison” me puse a reír solo. Me dolían las costillas entre tanto salto, patada mawashi y baile del robot con olor a azufre. La hora y quince que tocaron fue como recorrer un 10K a puros saltos. Anoche no hablé demasiado con mis ex compañeros. Pero nos reímos. Lois se fue tan motivado como siempre, con la promesa de juntarnos para Mike Patton & Co. Paula, quien introdujo la infección de Prodigy en nuestras vidas, estaba emocionada, con los ojos llorosos. Nos abrazamos como no lo hacíamos en años. Yo me quedé esperando a alguien que jamás apareció. Y de repente me encontré como en 1998: solo, de negro, con la plata justa en la billetera, caminando hacia la Alameda como parte de una extraña peregrinación nocturna. The Voodoo People. Miré la hora en el mismo reloj de entonces, canturreando “Omen”. La verdad está escrita ahí, en nuestros muros, y no se va a desvanecer. Porque el tiempo es el veneno y el remedio, al mismo tiempo.

DM

2009-10-18T22:07:00.002-03:00

Quince años después, la emoción sólo mejora. El show en el Club Hípico tuvo muchos afectos y efectos, pero el más importante ya tiene forma de dogma: en 1994 Depeche Mode en el Velódromo fue más que un concierto: fue una experiencia sobrenatural. Un electroshock alimentado por un disco irrepetible, ese “Songs of Faith and Devotion” que envejece tan bien que da rabia y risa. La gran diferencia es que hace quince años la banda se estaba despedazando en vivo. Dave Gahan chapoteando en drogas y paranoia, sobre todo tras enterarse del suicidio de Cobain; Martin Gore alcoholizado y autista; Alan Wilder tocando con furia, a punto de abandonar el grupo; Andy Fletcher, colapso nervioso mediante, ni siquiera estaba y fue reemplazado por Daryl Bamonte. Ese “Exotic Tour” era una gira apocalíptica, cada noche parecía la última y esa radiación contaminó para siempre a los 20 mil que estuvimos ahí. El actual Depeche Mode es una superbanda en cada detalle, hacen la pega como campeones y su despliegue tecnológico es sólido. Pero también es una banda de rehabilitados, de egos domesticados, de héroes maduros que se cuidan y asumen que sobre el escenario hay mucho de rutina, como confesó Fletcher en nuestra Rock&Pop. Mientras en el “Devotional Tour” la banda abría con “Higher Love” en penumbras y detrás de velos, en el “Tour of the Universe” la banda inicia con “In Chains” sobre un escenario limpio y luminoso, incluso en las proyecciones. De hecho, los momentos más dementes corresponden a “I Feel You”, “In Your Room” y “Walking In My Shoes”, tres modelos 1993. DM mostró también debilidad al elegir las canciones de “Sounds of the Universe” para este tramo de la gira: “Fragile Tension”, “In Sympathy” y “Come Back” son mejores canciones que “Jezebel” y “Miles Away / The Truth Is”. Pocos días antes, los Pet Shop Boys dieron un tremendo concierto donde las nuevas canciones estaban perfectamente secuenciadas con los clásicos. “Strangelove” y “Master and Servant”, que han sido tocadas en otras fechas, probablemente habrían funcionado mejor que “Stripped” y “Fly on the Windscreen”, dos de mis canciones favoritas que terminaron enfriando a 40 mil personas más deseosas de música para las masas. En el Facebook de R&P alguien comentó que DM dio un gran concierto, pero nada extraordinario. En mi caso, el factor emocional se impone, porque DM fue la primera banda grande que vi en directo. Y como más encima los guardias me quitaron la entrada, sólo me queda la memoria para volver a ese instante perfecto. Quienes este 2009 tuvieron el privilegio de ver a DM por primera vez, seguro no lo olvidarán. Porque todos esperamos que la noche caiga y que las cosas luzcan mejor con los ojos entrecerrados en vez de abiertos.

Random House

2009-10-07T19:11:00.002-04:00

Sacar belleza de este caos es virtud, canta Gustavo Cerati en “Déjà
vu”. Compré su nuevo disco “Fuerza natural” el mismo día que apareció
en Bazuca.com y me acompañó en muchas caminatas. Cuando tuve el CD en
las manos, me di cuenta que escuché las canciones en su particular
orden de descarga. Aquí sonríen los fanáticos del vinilo, del caset y
de los álbumes conceptuales: en la era pre-digital el orden de los
temas eran tan importante como el arte del disco. Todos quienes
hicimos cintas para alguien que nos secuestró sabemos eso. La
posibilidad de ordenar las canciones de acuerdo a nuestro capricho, o
lanzarlas a pelear en el barro del random, estropeó la emoción de un
plan maestro original, de noches de insomnio y discusiones sobre por
qué “Planet Telex” lleva a “The Bends” y no a “Just”. El chiste es que
el último disco de Cerati es el peor secuenciado de su carrera y va
dando tumbos sólo para ponerse de pie con los pinchazos de “Cactus”,
que es el track 8 y debería llevarse un premio por Mejor Uso de la
Palabra Médano en Una Canción Pop. De ahí en adelante, el cincuentón
recuerda el arte de arribos y partidas que convirtieron “Amor
amarillo” y “Bocanada” en dos fortalezas. Si en Soda Stereo le cantó
al Efecto Doppler, acá asume el Efecto Dominó, y de ahí en adelante
todo se torna oceánico y cósmico, para terminar con “Numeral” y su odisea espacial modelo Bowie-Pink Floyd. En todo caso,
"Fuerza natural” no supera al anterior “Ahí vamos”; varias de sus
canciones más débiles tienen a su hijo Benito en la co-autoría. El
Ciudadano Sampler, atento vampiro y reciclador, se despacha nuevos
ceratismos para memorizar: “Tal vez lo más suicida sea decirte la
verdad / Preferí callar, a esta hora de la vida es lo mejor” y “hay
mecanismos de reseteo y nos olvidamos de backapear”. Si Maradona usó
la mano de Dios, Cerati le pidió el metrónomo para poner el tiempo en
suspensión. “Tracción a sangre” rapta a Bob Dylan así que tendré cien
años de perdón cada vez que robe "cuando te busco no hay sitio en donde no estés".

Eet

2009-08-24T09:41:00.000-04:00

My God, It`s Full of Toys _ Sean Tubridy

Un día despiertas y te sientes diferente. Quieres describir, aterrizar, clasificar, catalogar esa nueva sensación. Pero fallas. A la mañana siguiente, repites la operación con el mismo resultado. El sentimiento es un loop. “Esta canción ya se escribió”, canta Cerati en “Deja Vu” y te hace gracia. Un Día de la Marmota sin Bill Murray y con tus amigos usando signos de interrogación como paraguas. Recurres a las viejas canciones con pianos generosos que antes te brindaron cobijo y suavizaban las respuestas. Pero falta algo. Entonces aparece el nuevo disco de Regina Spektor y encuentras una canción llamada “Eet”. Ella está haciendo las buenas canciones que faltan en los últimos discos de Tori Amos. Porque con los años Tori, como la mayoría, se fue enredando mientras cantaba mirándose al espejo. Una noche cualquiera Spektor te acompaña mientras caminas de vuelta a casa y le da forma al sentimiento. “Es como olvidar la letra de tu canción favorita. No puedes creerlo, siempre estabas cantándola. Era tan fácil y las palabras tan dulces”. Pero no la recuerdas, los bajos rebotan en el pecho y ahí estás usando tus audífonos para ahogar tu mente. “En mi sueño, estaba ahogando mis penas, pero mis penas aprendieron a nadar”, canta Bono en “Until the End of the World”. Te quedas pensando en el poder de las historias y Spektor se larga con “Wallet”, una película capturada en dos minutos y medio. En el siguiente acto, entra en escena Aimee Mann en el Teatro Teletón y es tan alta como la imaginaste. Su respiración dice “después de este concierto obtendrás un magíster en melancolía con mención en sentimientos inexpresables”, mientras pasea por todas esas canciones escritas con tinta invisible. Porque las cosas se ponen raras a la velocidad de la luz, Nightmare Girl. Yen el tercer acto, Arnaldo Baptista de Os Mutantes nos emociona desde el documental “Loki”, gentileza del SANFIC. El retrato de una vida que pasó por todos los despeñaderos y que encontró en los pinceles las teclas que faltaba liberar. Te sientes diminuto, tan mezquino, pero consciente de que la energía necesaria para caminar sobre las aguas está adentro, en algún rincón, lista para electrificar ciudades completas. Entonces comienzo el domingo corriendo 7 kilómetros en 40 minutos. Y los estallidos del pavimento remecen las ideas. Porque las cosas se ponen extrañas a la velocidad de la luz, Nightmare Girl.

Tok Tok

2009-07-02T19:38:00.003-04:00

Mientras mi cuerpo peleaba con la influenza escuché poca música. El dolor de cabeza obligaba al silencio. En medio de la recuperación me aferré a dos discos. El primero se llama “Illuminaciones” y es del cuarteto chileno Inverness. Parte de su encanto es que me recuerda a muchas queridas bandas de esos años ricos en cascadas de guitarras, muros de sonido y mareas eléctricas. My Bloody Valentine, Swervedriver, Ride, Lush, los primeros Verve, The Cranes, incluso los efímeros nacionales Sien y los incansables Casino. Al mismo tiempo, hay ingredientes de U2, The Cure, Radiohead e incluso de los Coldplay más gélidos. Con todo este revoltijo, el disco es un viaje por tu invierno favorito, por una mansión espectral pobladas por ecos y fantasmas. Y huye del pantano de la obviedad. A ratos, su belleza es gélida como un atardecer en Neptuno. A veces, las guitarras a fricción entibian la memoria. Un discazo con una bonita edición que puedes encargar por mail aquí.

Hablando de fríos eléctricos, está el apellido Rosenvinge y el nombre Christina. Alguna vez tocó con Los Subterráneos en un matrimonio musical fallido, no por los resultados, sino por la falta de conexión con esos muchachos que ni siquiera en las fotos salían guapos. Rosenvinge se lanzó como solista en 1997, luego hizo una alternativa trilogía neoyorquina, cuyo estupendo “Continental 62” forma parte del pasado de esta bitácora, y ahora regresó con “Tu labio superior”. Un disco en español, de vuelta en Madrid. En la canción “Días de tormenta” de 1994, Rosenvinge se mandó una frase que hasta hoy aparece en mi cabeza: “todo lo que dije / todo mi rencor / era miedo con disfraz de dignidad”. El nuevo disco es un almanaque de esos caleidoscopios verbales y es una antología de temas sobre el amor antes-durante-después del amor: la dificultad para guardar la distancia adecuada y aprender las lecciones, las puñaladas de la memoria, eclipses emocionales, amor tentacular, la reescritura del pasado, bocas que son perdiciones y arrogantes animales vertebrados que perdieron el control. Todo late en este disco. Rosenvinge es una granada de mano y su arma el susurro. Y aunque a veces las palabras suenan como alambre de púas, también hay terciopelo.

Loving the Alien

2009-06-27T17:02:00.002-04:00

Me despertó un telefonazo: “Murió Michael Jackson, de un infarto”. Pensé que era un efecto secundario de la fiebre y sus pesadillas. El mismo día en que Tamiflu se convirtió en mi copiloto, con el cuerpo apaleado por la influenza, MJ se apagó. Con mi mascarilla puesta contemplé el pegoteo televisado de imágenes del músico, usuario frecuente de tapabocas. Recordé que la única disquería de Molina, el Rensot, tenía un poster de “Bad” en la entrada. Con el paso de los años comenzó a desteñirse, igual que la piel del cantante. La última vez que lo vi estaba arrugado, con un MJ casi transparente. Ahora me dan ganas de haberlo comprado. Uno de los primeros cedés que escuché fue “Dangerous”, una orgía de sonidos digitales que fue mi primera incursión consciente en el universo de Jackson. Cómo sonaba ese disco. “Jam”, los cristales rotos antes de “In the Closet” (Naomi Campbell nunca lució mejor que en ese video) , los bajos robóticos de “Remember the Time”, las guitarras procesadas de “Black or White”, la épica de “Give In to Me” con Slash incluido. Recuerdo esos videoclips, sobre todo por “Sábado Taquilla” de TVN. Con mi amigo Lois alucinábamos con el código “DDD” que venía impreso en “Dangerous”, que indicaba que todo el proceso de grabación, mezcla y masterización había sido digital y no una transferencias desde cintas análogas. Esas pajas técnicas del nuevo formato nos comían el coco, esas eran las canciones que usábamos en las fonomímicas para la semana aniversario del colegio. Por esos días, Bobby Brown se autoproclamó “el nuevo rey del pop”. Patrañas que luego la historia puso en su lugar: fuera de Estados Unidos, Brown es más recordado como el ex marido que le aforraba a Whitney Houston. Nunca coleccioné a MJ, pero escuché todos sus discos, esperaba sus lanzamientos. Salté en una pata con “Scream”, esa colaboración en gravedad cero con su hermana Janet. Gocé con “Blood on the Dance Floor”. Me decepcioné con “Invincible” . Encontré la raja las reediciones de “Thriller”. Y estaba ilusionado con los próximos conciertos en Londres, que seguro habrían competido con U2 por el título de mejor show del planeta. Jamás imaginé que MJ llegaría a viejo. Mejor perderlo con esa impenetrable máscara de mutante de 50 años. Porque nadie, al natural, se podía ver como él con medio siglo encima. Ni siquiera Bowie. MJ era una anomalía, un extraterrestre entre nosotros. Quizás, como plantea la canción “Human” de The Killers, Jackson en algún momento dejó de ser humano y se transformó en bailarín. En el más grande y grandilocuente. Alguien que construye su propia Fortaleza de la Soledad, ese Mundo Mágico de país cuico llamado “Neverland”. La música es el peor lugar para buscar santos, pero sí es el sitio perfecto para buscar consuelo cuando todo falla. Jackson sabía. This is it.

Lost in Sound

2009-06-14T16:05:00.002-04:00

Las canciones de Ximena Sariñana son como adorables peluches envueltos en alambre de púas. O rellenos con vidrios rotos. Bajo esa apariencia encantadora hay lava en la sangre. Quizás ni siquiera ella se entera. El show del viernes en el Teatro Normandie fue excelente. Para quedar con ganas de más: tuvo el don de curvar el tiempo y la luz. Porque, si todo sale bien, ella crecerá y mutará y será grande. Recordaremos con emoción sus primeros conciertos, como testigos de un momento que proyectó sombras. Ella entibió esa sala congelada en temperatura y en las décadas. En el Normandie puedes comprar turrón de leche y calugas Suny. En ese cine vi “Blade Runner” y las naves no se quemaron en Orión, sino en la pantalla. La película se derritió ante mis ojos y todo se fue a blanco. La suma de todos los colores es como la suma de todos tus miedos. Por eso es más aterrador irse a blanco que a negro. La música de XS puede llevarte hacia esas preguntas interminables. En cambio, la discografía de The Kooks te mueve el cuerpo, te desata las hormonas, te altera la garganta y por eso llenó de chillidos el Teatro Caupolicán. Un efecto Jonas Brothers-Maroon 5 en clave Britpop. No hablo de su música, sino de las consecuencias. Las letras de las buenas canciones siempre dejan esquirlas. Cuando una banda que amas pierde el filo, es duro. “Sounds of the Universe” de Depeche Mode tiene algunos momentos enormes, pero se evapora hacia el final. Se vuelve genérico y las frases no queman como antes. Gracias a él redescubrí canciones gigantescas del anterior “Playing the Angel”. Por ejemplo, “I Want It All”, una de las mejores canciones sobre cruzar líneas trazadas en la arena. En la vida hay nombres que escribes en la arena y otros que inscribes en el cemento. Como manos incorporadas a un Paseo de la Fama personal. Yo creía que al crecer aumentarían las certezas y desaparecerían las dudas. Ahora el combustible para vivir está en la contradicción constante. Como cantan a dúo Tim Booth y Angelo Badalamenti en ese discazo “Booth and the Bad Angel” de 1996: "life gets bitter, life gets better, life gets better". Una vez que llevas las canciones a casa, se quedan contigo para siempre. Recuerdo la carretera (no tan) perdida entre Molina y Curicó. La novia que tenía y que ahora vive en otro país. Los lunes torrenciales que pasaba sobre un bus rumbo a Santiago escuchando en mi Discman “Stranger” y cantando para mí…

Love strikes without a warning
I've lost control
My life's freefalling
Into new worlds
Born free the jail is waiting
I hold the key
Freedom's not easy
When the jailer is me

Antes de desaparecer en un fade out eterno… "I´m lost in sound"...

Cabeza de Radio

2009-06-10T07:53:00.003-04:00

En la última Rolling Stone gringa (Lady Gaga en portada) apareció esta reseña sobre el bootleg de culto que originó la transmisión del segundo concierto de Radiohead que hicimos en Rock&Pop. Un disco no-oficial que goza de la devoción de los fans alrededor del mundo. Orgullosos estamos en la 94.1. Viva la globalidad digital.

Love etc.

2009-05-11T21:39:00.009-04:00

Las canciones son un país desconocido, incluso para sus autores. Una
vez que las graban se transforman en miles de versiones diferentes
dentro de cada persona que las absorbe. De cierto modo, cada uno de
nosotros se convierte en un cover. Por eso no creo cuando un músico
dice que tal canción trata de esto o aquello. Hace algunas semanas, la
mexicana Ximena Sariñana dio un hermoso microconcierto en el Centro Mori y al presentar “Normal” dijo que era una canción pesimista. Para mí es
cruel y esperanzadora, paradójica mezcla. Quizás para ti hable sobre
astronomía (“y el tiempo pasará/y el sol se apagará”), problemas al miocardio (“el corazón no tiene remedio/con la vejez deja de funcionar”), los límites de la comunicación (“y todo lo que me dijiste a medias/son el lenguaje que no aprenderé”) o las consecuencias de la educación machista en la juventud (“y qué felicidad llenarte la taza”). O todo revuelto y quinientas líneas más.

Uno adopta canciones y quizás con ellas domestica el destino. Resuelve
los misterios propios a través de las palabras robadas. Para hacer la
vida más vertiginosa, esas emociones van cambiando con el paso de los
minutos. Las canciones que hizo Aimee Mann para “Magnolia” fueron mi
escudo mientras mi abuela se moría de cáncer, aunque ahora las percibo
como la banda sonora de una etapa en que todo se caía a pedazos para
dar forma a descubrimientos felices. A veces uno abusa de ciertos discos.
Los exprime, se expone tanto a ellos que terminan fusionándose con el sistema emocional. Pasan a significar pasiones, decepciones, combates, sonrisas, levitaciones y resurrecciones puntuales.

“Estoy construyendo un muro, no tanto para mantenerte fuera, sino para
mantenerme dentro”. Es una de las frases potentes de “Yes”, el
brillante nuevo disco de Pet Shop Boys. Según la banda, la canción en
cuestión, “Building a Wall”, trata sobre… hum, en realidad es la parte
menos interesante. Me quedo con mi albañil obsesionado con construir
la Torre de Babel que confundirá a todo el mundo, excepto a su
creador. Y claro, a quien sepa leer los planos abstractos, la notación
en clave. Ladrillo por ladrillo, gota por gota, hora tras hora. ¿Qué
está levantando exactamente? ¿Acaso entiende él su compleja
estructura?. Tal vez se pierda en el proceso, pero ganará la
satisfacción de un lugar propio. De un edificio raro, medio chueco,
pero suyo. La casa del sueño propio construido con canciones ajenas y emociones añejas. Los dedos sobre las teclas y el corazón en el barro, como Ximena Sariñana. Si supieras que por cada lágrima recibirás un abrazo en algún momento futuro, ¿llorarías más seguido?.

Ghosts

2009-03-29T01:27:00.004-04:00

¿A quién echabas de menos mientras Radiohead te bombardeaba el alma desde el escenario? Esa es la pregunta que debes responder, porque la respuesta te hará brillar, sonreír, llorar, temblar y recordar. Porque la batalla la perdimos con la primera descarga de sonido. No fue un recital, fue un fusilamiento y aceptamos las canciones envueltas en balas con los ojos agrietados, las manos hacia el cielo y dando gracias. Conocemos las reglas, sabemos cómo funciona, pero eso no garantiza una mueca de alivio. Porque entre las alabanzas al show, en tu oda a la electricidad, a las cascadas luminosas y a las pantallas fracturadas, escondías a tus fantasmas. Radiohead es una banda que resucita espectros de vidas pasadas y presentes y futuras. ¿También sentías que te observaban durante “There There”, “The National Anthem” y “How to Disappear Completely”? ¿Con quién sobreviviste a “Karma Police” y “No Surprises”? ¿Quién fue tu segunda voz durante “Paranoid Android”? La mano que no tenías a tu lado era la que querías, porque la que estaba ahí sobraba, era un pez raro y resbaloso que convenía mantener a raya. Porque los dedos muerden y son trampas mortales cuando los ecos andan sueltos.

Vamos, ¿cuántas veces te rompieron el corazón entre “Creep” y “All I Need”? No, no te pongas a contar ahora, esas heridas cicatrizaron a punta de canciones y mantas electrónicas. Y esas huellas se activaron todas juntas porque cada una está en el lugar correcto. ¿”House of Cards” te hizo tragar saliva para apagar el incedio que en tu garganta causa la línea “I don´t wanna be your friend / I just wanna be your lover”? Porque no importa cómo termina ni como comenzó: esto está realmente pasando. Y es más difícil que simplemente tomar el dinero y huir. Es más fácil hacer de “Idioteque” tu himno personal y bailar en silencio.

Dime, ¿cuál es tu fantasma favorito? ¿El que bebía cerveza contigo en la universidad con “Street Spirit” de fondo? ¿El que alucinaba con el video de “Pyramid Song” y te prometía que alguna vez protagonizarías un video suyo? ¿El que te miraba a los ojos mientras inventaba la letra de “High and Dry” en una brumosa noche noventera? ¿La chica que tocaba una guitarra invisible en "Just"? Porque si 2+2=5, entonces da miedo ver qué sucede si tú y yo sumamos 1+1. El resultado es siempre caótico y existe belleza en esa lotería de sentimientos. No estábamos solos, Radiohead hizo real el lugar común: fuimos más de 50 mil almas en la Pista Atlética: Porque todos nuestros fantasmas estaban ahí, susurrándonos al oído… “and either way you turn... I´ll be there”.

Strangelove

2009-02-21T15:29:00.006-03:00

Épica de bolsillo

El amor es raro y eso suena tan convencional que inquieta.
“Strangelove” es una canción de Depeche Mode y también el nombre de una buena banda inglesa olvidada. La primera vez que los escuché fue en radio Futuro, cuando la inmensa minoría gobernaba una parcela del aire. Pasaron “Time for the Rest of Your Life” del disco debut del mismo nombre. Debió ser a fines del ’94 o comienzos del ’95. Creo que sólo escuché una vez la canción, pero tuvo un efecto tan duradero que jamás se fue. Dormí más de una década sin olvidarla. Alguna vez busqué información de la banda y supe que tras la desintegración su guitarrista Alex Lee se unió a Suede (para el disco “A New Morning”), luego a Placebo (para la gira de “Meds”) y a Goldfrapp (para “Seventh Tree”). El año pasado estaba escarbando música en esa caverna fabulosa que es la discoteca de IARC (la compañía dueña de mis queridas Rock&Pop, UNO, Concierto y Futuro) y en un feliz accidente encontré el disco de Strangelove. “Mierda, la canción la tocaron de este mismo cedé hace unos 13 años”, pensé. Luego armé una pequeña ceremonia privada para escucharlo. El mismo efecto inicial amplificado sobre un campo de batalla. Sobre todo cuando Patrick Duff canta “No-one will love you in a thousand years / What I want to know / Is what I want to love / Is what I want to love now”.

Strangelove tiene dos canciones cuyos títulos coinciden con temas del U2 más reciente: “All Because of You” y “Kite”. Aunque hacer comparaciones es un acto reflejo, el asunto me llevó a que el nuevo single de U2, “Get On Your Boots” no me conmovió. Al menos no al nivel baboso de las canciones que abrieron los álbumes previos: “The Fly”, “Numb”, “Discotheque”, “Beautiful Day” y “Vertigo”. Es una canción decente, aunque no brillante. Entre tanto efecto aplicado al sonido, sesiones millonarias descartadas, estudios exóticos, productores cómplices convertidos en co-autores(la dupla Daniel Lanois-Brian Eno), paranoia por las filtraciones en Internet y la presión de defender el título de La Banda de Rock Más Grande del Planeta… algo oxidó el músculo y enfrió la sangre. Porque una banda chica llamada The Wrecking agarró “Get On Your Boots” y la tocó para Raw Session, una plataforma online que ofrece la oportunidad a combos emergentes foguearse con covers de los éxitos del momento. Mira y escucha aquí. Continúa leyendo en unos minutos.

¿Acaso no tiene una belleza distinta en la humildad de sus emociones más domésticas y menos grandilocuentes? Tal vez la épica XL de U2 les está pasando la cuenta. A lo peor mientras más quieres salvar el mundo más te alejas del sentimiento original. Alejarse de los amigos sólo nos lleva a quedarnos con la generosidad de extraños y sus particulares y deformes visiones de nosotros. Pasamos a ser el eco y no la voz.
Volviendo a U2, tengo que escuchar entero “No Line on the Horizon”. Quizás no se trata de “volver a las raíces”, uno de los lugares comunes más botánicos del rock, sino de aprender a sentir en minúsculas. No todo puede ser y sonar en mayúsculas las 24 horas del día, 7 veces a la semana. Este 2009 desperté obsesionado y maravillado con la épica de bolsillo, que no es lo mismo que “la poesía de las cosas simples” ni “la magia acústica” (otros pedales gastados hasta el ridículo). Por estos días, la mejor banda de épica de bolsillo debe ser The Killers. Cuando Brandon Flowers canta de abducciones en “Spaceman”, se cuestiona sobre si somos humanos o bailarines en “Human” o sobre la incapacidad de brillar sin la sonrisa de tu mitad en “Read My Mind” o regresa con la mirada chueca y canta “Smile Like You Mean It”… bueno, el planeta interior, que si quieres llamamos corazón, gira y late.

El libro de Narea

2009-01-25T19:10:00.010-03:00

Foto_Carolina Contreras

Sorpresa 1: el libro de Narea está bien escrito. Me esperaba una redacción mucho más tosca y cruda, un debut atolondrado, pero las páginas pasaron veloces y sin grandes horrores, excepto cortes y ediciones flaites en la sección final sobre magia negra. Narea escribe como habla y mantiene cierta métrica que late en sus canciones. Sobre las motivaciones del autor, es evidente una mezcla de terapia emocional, exorcismo púbico público y necesidad económica. Y aunque el guitarrista insista en que su versión de la historia cierra el capítulo de Los Prisioneros, no creo que sea así. Falta la versión de Miguel Tapia y no es chiste. Sobre todo después de su reciente reconciliación con Narea y con la prensa desesperada por linkear a Jorge González con el escándalo de la FACH, vía antiguo romance con la hija de Ramón Vega.

Sorpresa 2: el libro de Narea tiende a respaldar la versión de González. No hablo de vida afectiva y sexual. Por más que "Mi vida como prisionero" sea un relato autobiográfico, es también la historia de una banda. Y el texto habla poco de música. Si uno lee a Narea con la cabeza fría, su rol en Los Prisioneros luce anecdótico, inseguro y débil. Es un autogolpe, más que cualquier frase incluida en el excelente "Maldito sudaca: conversaciones con Jorge González" de Emiliano Aguayo. Estoy en desacuerdo con la versión unilateral de González, pero mientras él vive dentro de sus canciones, Narea parece observar por fuera su propia carrera. Con timidez incluso ante su material post-Prisioneros. Dos páginas y cuatro líneas para el disco "La cultura de la basura", el más democrático del trío, es mezquino. No se trata de incluir los pormenores de cada sesión (los intereses del autor y de su editorial claramente son otros), pero decepciona que las únicas reivindicaciones enérgicas que hace el guitarrista corresponden a la invención del solo de "Mentalidad televisiva", a las batallas internas para el disco "Los Prisioneros" y al proceso del álbum solista "El largo camino al éxito".

Un experimento interesante es leer el libro de Aguayo y luego el de Narea. "Mi vida como prisionero" debió venderse con un disco, no con una polera como en el lanzamiento en la Feria del Libro de Vitacura. Como van las ventas, era una vitrina ideal para rescatar las creaciones de Narea, que se defienden solas. Más aún cuando en el sitio promocional (que lleva dos días fuera de combate por exceso de visitas) hay audios muy atractivos.

Show de los Discos - Fin de temporada

2009-01-05T20:39:00.006-03:00

Magnífica seducción pop: Jazzimodo. Foto_Mila Belén

Mi programa El Show de los Discos de Radio UNO termina su primera temporada este viernes 9 de enero, horas antes de la transmisión en vivo conjunta de UNO + ROCK&POP de la Cumbre del Rock Chileno II (domingo desde las 11.00). El futuro está abierto y apenas tenga confirmación de una segunda temporada quedará estampada en este blog. Por ahora, gracias a todos quienes escuchan el programa y a los músicos que visitaron los estudios de la 97.1.

Enfrentado una vez más al ejercicio de mirar por el retrovisor y seleccionar discos chilenos favoritos del año que se evaporó, me quedo con esta lista corta.

Jazzimodo - Jazzimodo (Feria Music)
Valentina Fel - Valentina Fel (edición independiente)
Manuel García - Témpera (Alerce)
Teleradio Donoso - Bailar y llorar (Oveja Negra)
Los Bunkers - Barrio Estación (Universal México)
Sabina Odone - Sentencia de amor imposible (Feria Music)
Los Ex - Pistola de plástico (Oveja Negra)
Sensorama 19-81 - Retrato de un desconocido (Quadrafobia)
Efectos Espaciales - Efectos Espaciales (edición independiente)
Dënver - Totoral (Neurotyka)
Jirafa Ardiendo - Pulmonía (Oveja Negra)
Bombyx Mori - El desvelo (Infanta Terrible)
Chico Trujillo - Plato único bailable (Oveja Negra)

Bonus canciones:
Natalia Molina - Alma
Buddy Richard - Trátame bien
Camila Moreno - Antes que
Sokio & Dadalú - Así tal cual

The Shock of the Lightning

2008-11-27T23:18:00.008-03:00

Pensamientos sueltos.
Odiaba los musicales. Ahora me gustan.
Con más cultura de musicales, seríamos un mejor país. Cantaríamos más. Sacaríamos a patadas los demonios que habitan en nuestras gargantas. Por ejemplo, habríamos gozado más con el concierto de Kylie, que pese a algunos tiempos muertos y cierto desorden en el setlist fue un buen show.
Duran Duran sabe cómo armar una lista de canciones demoledoras en vivo. Lo pasan bien, contagian, hasta las melodías del reciente "Red Carpet Massacre" suenan hedonistas al cubo. El disco homónimo de 1993, conocido como "The Wedding Album", crece todos los años un par de centímetros. Para el Bicentenario será tan grande que no cabrá en la bandeja del equipo y tendré que digitalizarlo.
La culpa no fue de Paul Rodgers. Es más, él fue el único que hizo bien su pega en San Carlos de Apoquindo. El colapso de Queen tiene que ver con el ego de Roger Taylor, el actual dueño de la banda. Arrastró a Brian May al asesinato del concepto de espectáculo que convirtió al grupo original en la máxima expresión del rock de estadios. Taylor quiere hacer todo lo que Freddie Mercury y John Deacon mantuvieron a raya: solos innecesarios, demagogia pantanosa, un setlist a la deriva... ni siquiera es culpa del disco nuevo, sino de QUÉ decidieron tocar de él y en qué momento. Igual me emocioné en "Bijou", "Bohemian Rhapsody", "Love of My Life" y "39" (hasta que la arruinaron en medio).
Cuando Dios toca la guitarra su efecto favorito es el delay y con él nos atormenta.
Cuando escucho a Liam Gallagher cantar "I´m Outta Time" me dan ganas de abrazarlo y decirle que al fin lo logró: una canción capaz de reflotar el Titanic, el Kursk, la Esmeralda y el Poseidón, un relámpago capaz de sacarle lágrimas a Terminator, Robocop, Alien, Depredador e incluso a Noel Gallagher. Liam había estado cerca antes, pero necesitaba una producción modelo Jeff Lynne (gentileza de D. Sardy) para pulir el diamante, que hasta trae un sampleo de la voz muerta más viva de todas (John Lennon).
McCartney, ahora escondido detrás de The Fireman, sigue siendo el vivo que más echaremos de menos cuando muera.
Yo extraño hartas cosas, pero me gustan más las que he descubierto.
El otro día sonaba el maravillizante disco "Lady´s Bridge" de Richard Hawley por los parlantes de una tienda; después de darme cuenta que me lo sabía casi de memoria, como de otra vida, decidí comprarlo (¿por qué demonios no lo hice antes?). El dependiente me dijo que iba a echar de menos el cedé, porque siempre lo escuchaba en esas horas finales del día y se sentía acompañado. Es el efecto Hawley cuando canta "save me from lonely hours there´s so many / and I won´t get any sleep tonight".
Para equilibrar los afectos, me gusta el disco de Jazzimodo. Dúo chileno de electro-jazz-pop. Sentimientos solarizados.
"Living well is the best revenge", canta Michael Stipe.
"Losing my memory, saving my face", confiesa KT Tunstall.
Qué lata que este blog tenga moderación de comentarios (leer/escribir es un gran ejercicio).
La culpa es de unos pocos que no saben opinar-discutir-criticar sin tener que putear cada dos palabras (y mi madre no tiene nada que ver con las decisiones que he tomado).
"The Bed´s Too Big Without You", aporta The Police.
A esta hora de la noche pienso en protozoos.
No sé por qué imagino a Cerati cantando "Voy a ser tu protozoo / y gozarás el rol de ser un ciempiés" en la letra de "Juego de seducción". Bueh, Soda tiene una canción llamada "Ameba". "Toda esa gente dice que te ama, toda esa gente dice que te odia / y te vas / y te vas confundiendo". Aunque la mejor parte es... no, no la parte de "sos buena en la cama y sabés guardar un secreto hasta quebrar tu cuerpo"... sino "es como ser ameba sin anverso ni reverso / la ilusión eterna / de que te vas y te vas repitiendo". El corazón como una máquina que bombea loops sentimentales.
"Heart Like a Wheel", diría The Human League.
Sin anverso ni reverso la vida se hace transparente.
(Y en este preciso instante, los muros de Jericó se derruban ante el feedback ensordecedor de la Divina Stratocaster de Dios).

REM: Let Me In

2008-11-06T20:27:00.005-03:00

Arma de emoción masiva. Gracias, Peter Buck .

El mundo es un lugar mejor después de REM, Obamazo incluido. Dos shows muy intensos y muy diferentes, más allá de las variaciones en el set de canciones. Mientras el primero fue pura electricidad y detonaciones perfectas, el segundo fue el sonido de los nervios y la desesperación por un cambio. De hecho, se equivocaron más la segunda noche, mientras revisaban los reportes electorales. Nunca antes esos pequeños errores crujieron tan bien, jamás la banda volverá a atrapar tanta emoción en las tripas. La palabra "histórico" suena tan chunga y barata cuando tienes a REM sobre el escenario.

El primer show tuvo regalos para los fanáticos militantes: "These Days", "7 Chinese Bros.", "Country Feedback" (demoledora), "(Don´t Go Back to) Rockville", "Electrolite", "Disturbance at the Heron House" y, por sobre todas las cosas, la entrega acústica de "Let Me In". El episodio más conmovedor del monstruo anaranjado fue interpretado en penumbras, a espaldas del público, en un círculo incompleto dedicado a todos los que caminan por otras veredas. No sólo Cobain, River Phoenix o el ex baterista Bill Berry, sino todos los que nos dejaron a ti y a mí. Catorce años han pasado desde "Let Me In" y Michael Stipe me devolvió toda una década en una frase: "I only wish that I could hear you whisper down". Y sin el antifaz de maquillaje que usó en giras anteriores. Como diciendo "ahora entiendo más que en 1994, ahora sé que esta letra nació para la noche y no para el día".

La segunda noche trajo presentes distintos para los hinchas históricos y dos canciones más que el lunes. "Driver 8", "I Believe", "Fall On Me", "She Just Wants to Be", "Radio Free Europe", "Cuyahoga", "Sweetness Follows", "Nightswimming" (enorme Mike Mills) y "I Took Your Name", otra de su sónica monstruosidad naranja. Después de escuchar "Monster" en pleno 2008 al fin absorbí la confusión, la épica y la rabia amurallada con las guitarras gigantes de Peter Buck, el héroe Rickenbacker de la semana. Existen discos que decantan con el tiempo, igual que las personas. Mientras miro la carátula del grandioso "Accelerate" imagino que en un par de años, significará mil cosas distintas. Porque a veces nuestros discos son más grandes que nosotros mismos.

QUEEN + Paul Rodgers

2008-10-29T22:35:00.004-03:00

Odié la idea: el guitarrista Brian May y el batero Roger Taylor, la mitad de Queen, habían reclutado a Paul Rodgers (Free, Bad Company) para salir de gira y tocar el catálogo diseñado junto a Freddie Mercury. Con una dignidad del porte del Aconcagua, el bajista John Deacon dijo "no, gracias". Me cargó escuchar "Return of the Champions" (2005), un disco en vivo donde la banda sonaba metalizada, atronadora y reluciente, pero con un cantante extraviado. Es simple: el buen Rodgers es el opuesto de Mercury. Si se trataba de recrear la glamorosa grandiosidad operática del grupo original, el casting lo ganaba por goleada Justin Hawkins de The Darkness.

Un amigo vio a Queen + Paul Rodgers y me dijo que era increíble. Yo renegaba como Satanás del agua bendita. Más encima, el combo anunciaba que lanzarían un álbum. Anatema. Condenación. Miraba mi colección de Queen en casets y por las noches le pedía a Freddie Mercury que hiciera entrar en razón a sus ex compañeros. Suplicaba por una demanda de Deacon impidiendo a sus socios utilizar el nombre de la banda, como hizo con éxito John Densmore, el baterista de The Doors (hecho que derivó en "The Doors of the 21st Century", "D21C" y otros sudecáneos). El fan que habita en mí tenía un lanzallamas y quería castigar a mis héroes de adolescencia.

Y heme aquí, escuchando este "The Cosmos Rocks" firmado por Queen + Paul Rodgers. Empieza pésimo con "Cosmos Rockin´", un cliché que estaría mejor en un disco solista de lados B de Brian May (aunque él dice que Taylor la compuso); "Still Burnin´" comete el sacrilegio de citar sin necesidad a "We Will Rock You". Justo cuando tengo ganas de echarme Tanax aparece la cuarta canción, "Small". Linda melodía. Luego brilla el eco del Queen setentero y Led-Zep-illo en "Warboys". Vaya, queda sangre en estos veteranos. Y, mirsh, luego se despachan una balada notable llamada "We Believe" pegada con "Call Me", una de esas miniaturas pelusonas que habitan en los primeros discos del cuarteto original. Estoy a punto de partir a Plaza Italia con champaña, pero llegan dos canciones chungas demasiado bluseras y Rodgerianas: "Voodoo" necesita un exorcismo y "Some Things That Glitter" parece una versión desnutrida del "Love Hurts" modelo Nazareth. La bipolaridad del hincha me tiene pidiendo los rulos de May cuando "C-lebrity" me golpea. Por este solo momento el CD vale la pena: tiene personalidad, garra, coro, arrogancia y es un buen combinado de los tres talentos vocales involucrados, reforzados por Taylor Hawkins (batero de Foo Fighters). Hasta me recuerda la mecanizada "Nazis 1994" del Taylor solista. Joder, de qué me sorprendo, si por algo un crespo de May valen más que toda la rubia melena de Farkas. Un guitar hero, un batero descomunal y un cantante inspirado... tenían que llegar por lo menos con un numerito así. Lamentablemente, la secuencia de "The Cosmos Rocks" se arruina con la mamona "Through the Night" y luego sube algo con "Say It´s Not True", suerte de segunda parte de "No-One But You (Only The Good Die Young)", esa balada tributo que grabaron (paradójicamente) para el hiperventilado compilado "Queen Rocks!" de 1997. El remate es simplón, con un guiño (otra vez) al sonido majestuoso y circular del pasado glorioso.

Pasó ante mí la mitad de la banda que me cambió la vida. Y la emoción es parcial, viene con freno de mano. Porque Queen + Paul Rodgers es a Queen lo que Mike & The Mechanics es a Genesis. Un delicioso café descafeinado, una rica cerveza sin alcohol, sexo con destellos de amor. May y Taylor tienen todo el derecho y el deber de volver a los escenarios: son sus canciones, son sus putas vidas, es lo que necesitan (en sentido espiritual, nunca financiero) para ganarse la vida y les agradezco que vengan a Santiago para revivir una parte de la euforia. Ya lo dieron todo junto a Deacon y Mercury, sería ridículo buscar a Queen el 2008. Porque la banda se acabó con la edición de "Made in Heaven" el '95. Y lo que me queda ahora es el adictivo gospel de la memoria.

BRMC + NIN + RP

2008-10-15T19:48:00.004-03:00

La felicidad tiene forma de sigla. Aún recuerdo cuando me compré el caset de "The Downward Spiral" de Nine Inch Nails en Fusión. Me costó como 6 lucas y media, una fortuna para una joya importada. Son bacanes los casets gringos. Me cachiporreaba tanto. Hasta huelen distinto. Ponía PLAY con el cuidado de un cirujano abriendo la panza en una cesárea. Así es que ver a Trent Reznor y su experiencia en vivo fue un sueño. Ghosts in the machine. Fantasmas eléctricos, una lluvia de estática y el músculo de una banda con alma. Horas antes, Black Rebel Motorcycle Club convirtió el Caupolicán en la basílica de espirales y atolones de guitarras. Habría sido un mejor espectáculo con más público. Pero ya sabemos, la cartelera está en llamas y todos tenemos un cocodrilo en los bolsillos. Fue épico BRMC, fue hermoso NIN. Y fue la primera previa de Rock&Pop en meses. We Are in This Together. Este blog se reactiva, señoras y señores. Use sus ojos para leer y el corazón para crear.

Show de los Discos

2008-08-06T18:17:00.003-04:00

Queridísimos radioescuchas, la ecléctica y emocionante programación para octubre del Show de los Discos está disponible aquí. Disfruten, sientan, vivan. A contar de este miércoles 1 de octubre, vamos a mediodía y con repetición a las 21.00. Magnífico.

Aventuras en Hi-Fi

2008-07-11T00:54:00.002-04:00

Pascuala Ilabaca abre el tiempo.

Acá va la programación para las próximas semanas en El Show de los Discos de Radio UNO, 97.1. Como siempre, desde las 9 de la noche. Apaga la tele, enciende tu radio, conecta tu máquina a www.radiounochile.cl.

LUNES 14: Recibimos la ilustre visita del poeta eléctrico Mauricio Redolés, quien nos presentará su flamante disco en vivo “Cachai Reolé?”.

MIÉRCOLES 16: Revisamos la médula acústica y folk de Nano Stern, quien nos acompañará en la revisión de sus emocionantes melodías.

VIERNES 18: El viernes pelusón ofrece las mejores canciones de la serie televisiva 31 minutos.

LUNES 21: Celebramos el contundente legado de Pettinellis, la efímera banda liderada por Álvaro Henríquez.

MIÉRCOLES 23: Nos estremeceremos con la discografía de Ariztía y una entrevista al reagrupado trío. El mejor pop peloláis está de regreso.

VIERNES 25: El viernes pelusón está comandado por Sexual Democracia. Atención profanadores de cunas, bomberos, apitutadas, indios pícaros, chilenos todos.

LUNES 28: Celebramos nuevos sonidos 2008 con Pascuala Ilabaca, Los Tréboles, Espartaco, Cómo asesinar a Felipes, Zaturno versus Jorge González, Sokio junto a Dadalú, Pol con Valentina Fel y otras linduras.

Programación Show de los Discos

2008-07-07T21:49:00.003-04:00

Para que no se pierda de la variopinta y sabrosona sonoridad de mi programa en Radio UNO, 97.1, música chilena. Siempre desde las 9 de la noche. Los espero.

Miércoles 9: La Regia Orquesta nos presenta su estupenda banda sonora para la obra “La negra Ester”, con canciones de Roberto Parra, Alvaro Henríquez, Cuti Aste y Jorge Lobos en el clásico del Gran Circo Teatro.

Viernes 11: Revisamos la discografía de Kudai con la banda en el estudio, en una jornada pelusona, cargada de buen pop, confesiones y hormonas post adolescentes. De lujo. Mirando la foto superior, que pertence al arte del nuevo disco "Nadha", me acordé de las fotografías de "hours..." de David Bowie. El disco más melódico del caballero de la mirada mutante en los `90. Ahí vienen "Thursday`s Child", "Seven" y "Survive". Y con eso me basta. Siempre es bueno inspirarse en el maestro.

El futuro se fue y otros tesoros

2008-06-29T14:57:00.003-04:00

Foto_Loreto Otero)

Acá va el menú del Show de los Discos para esta semana. Siempre a las 9 de la noche en Radio UNO, 97.1.

Lunes 30: Tenemos una imperdible entrevista con Jorge González, quien revisará su discografía solista: el debut de 1993, "El futuro se fue" (1994), "Mi destino: confesiones de una estrella del rock" (1999), más fogonazos de Gonzalo Martínez y sus Congas Pensantes. Un programa para hacerte feliz con un prócer que el sábado 5 de julio llegará a la Blondie con su gira de grandes éxitos.

Miércoles 2: Celebramos el poder metalizado de Dracma, banda de discografía breve pero contundente: su debut de 1999 y la edición expandida de 2001. El combo de los hermanos Felo y Cote Foncea rockea como un animal con "El placer del dragón", "Chilenada", "Algo está pasando", "Hijo de puta" y otros puñetazos sónicos.

Viernes 4: Pasaremos “Una noche en el Cinzano” (2002, producido por Roberto "Titae" Lindl), con los sonidos de la bohemia de Valparaíso y un tributo a la legendaria cantante Carmen Corena, recientemente fallecida. Un paseo entre las mesas del boliche porteño dueño de los mejores bailables, los mejores tragos y la mejor atención.

Show de los Discos en Radio Uno

2008-06-23T14:06:00.003-04:00

Foto de Andrés Medina para don Álvaro Peña, the Chilean with the singing nose, en plena entrevista. Acá va la programación para esta semana de mi querido programa. Ya saben, desde las 9 de la noche en la 97.1. Más detalles en www.showdelosdiscos.blogspot.com. Ahí pueden ganar una copia del fabuloso "Pulmonía" de Jirafa Ardiendo, que está mejor que "Persona" que ya era bueno.

Lunes 23: Revisamos “Play” de Solar, un disco de 1997 que nos brindó joyas como “Medícame”, “Por costumbre”, “7 días por semana” y “Lo que eres”. La noche más luminosa del llamado Brit pop a la chilena.

Miércoles 25: Un delirante encuentro con Álvaro Peña, superviviente del punk, socio de Joe Strummer (The Clash) en 101´ers e inquieto experimentador musical. Don Álvaro en persona visitó nuestro estudio para recorrer una discografía llena de momentos filosos y emotivos. Imperdible.

Viernes 27: Un día antes del show de Juana Fe en el Teatro Teletón, celebramos la afrorumba chilenera junto a su cantante Juanito Ayala. Un viernes pelusón y callejero, con invitado.

Los 80 en Radio UNO

2008-06-09T10:17:00.005-04:00

Escribí un viaje musical por los 80, con canciones y testimonios de sus protagonistas: Jorge González, Claudio Narea, el manager Carlos Fonseca, el ingeniero Hernán Rojas, Álvaro España, Pablo Ugarte, Sebastián Piga, Arlette Jequier, Carlos Cabezas, Iván Molina y Sergio "Pirincho" Cárcamo. Disfruté entrevistando a estos campeones. Hay tensión dramática, emociones mezcladas y mensajes cruzados en sus palabras. Estoy muy orgulloso del documental, que está narrado por la voz amable de Pablo Aranzáes, con quien hice "Sonidos comunes" en Rock and Pop durante la temporada 1999-2000. El docu estará rotando en la programación de la 97.1 durante todo junio. Hoy lunes 9 puedes escucharlo a las 19 horas. No olviden visitar el blog del Show de los Discos de Radio UNO para conocer la programación semanal. Sobre R&P hablaré en el próximo post.

Cabezas y Nuestra Señora de los Audios

2008-05-07T14:17:00.003-04:00

Foto de Andrés Medina

Cuando un gusto personal se transforma en un lujo laboral. Hoy miércoles, a las 21 horas, revisaré junto a Carlos Cabezas su disco "El resplandor" de 1997. Historias, recuerdos y emociones alrededor de "Bailando en silencio", "Lo mejor de ti", "Alegarikous", "Newfastcar", "Un cirujano turco"... la creación, el dolooor y mucho más. "El resplandor" es uno de mis discos favoritos. Recuerdo el lanzamiento de "La nueva canción chilena" de Electrodomésticos, en el Teatro Oriente, como uno de los mejores conciertos que vi en la vida. Sigo esperando el DVD.
Para el viernes a la misma hora: una selección con el mejor electropop de esta década, para celebrar la llegada del fin de semana. Javiera Mena, Rosario Mena, Compiuters, Muza, Purdy Rocks, Lulú Jam, Los Mismos y más. En el blog de Radio Uno está el resto de la programación semanal.

Día Uno

2008-04-17T16:26:00.002-04:00

Hace ya más de un mes me fui de Concierto para asumir como editor de Radio Uno, un hermoso proyecto dedicado a la música chilena en sus más variadas formas. Hoy, a medianoche, RadioActiva cederá el 97.1 a nuestro sueño hecho realidad. Estamos en cuenta regresiva, hemos dormido poco, tenemos unos raros peinados chuecos... pero estamos muy emocionados. Quedas invitado a sintonizarnos hoy. Mañana, a las 21 horas, vuelvo al aire en El Show de los Discos, un nombre que, curiosamente, inventé a fines de 1999 como una sección de la Galería Nocturna de Rock & Pop. Claro, luego fue un programa autónomo, con diversos conductores. Ahora todo vuelve a su lugar. Vidas cíclicas. Para comenzar la temporada tenemos un tributo al eterno Gabriel Parra, baterista de Los Jaivas, a 20 años de su muerte. Incluirá la participación de sus hermanos Eduardo y Claudio, su hija Juanita, sus amigos Mario Mutis y Sergio Pirincho Cárcamo. Los Jaivas, profundo honor. Pronto más detalles y links.

10K

2008-04-07T21:21:00.003-04:00

Y lo hice. Aunque según mi cronómetro completé los 10 kilómetros de la Maratón de Santiago en 56 minutos, los resultados oficiales me asignan 01:04:06. Igual digno, sobre todo para ser primera vez. De hecho, quedé impecable. El próximo año voy por los 21 kilómetros y luego por los 42. Vamos, que se puede. Pucha que hace bien correr, oiga. Hablando de pulmones, y a la espera de un nuevo post más extenso, escuchen el nuevo disco de Jirafa Ardiendo. La mejor "Pulmonía" del mercado. El lanzamiento del sábado pasado estuvo lleno de emociones. Ah, y no se pierdan Mirageman en su cine más cercano. La dupla Marko Zaror/Ernesto Díaz es total.

Jarvis Cash Dylan y Fran Carter Odone

2008-03-19T22:12:00.012-03:00

Terminé de leer la autobiografía de Johnny Cash y sigo flotando entre los párrafos. Qué pedazo de libro y qué difícil es encontrar su material en las disquerías. Solo hay algunos compilados, un par de DVDs y ejemplares de la serie American Recordings, así es que optaré por Amazonear alguno de sus box sets. Sí, todavía existimos marcianos que compramos discos, y no tengo problema con darle cash al clan Cash, porque el finado se lo merece. Cuando veo el video que hizo para su versión de "Hurt" de Nine Inch Nails, ya no soy el mismo. La foto que ven corresponde al aviso que Johnny y su sello publicaron tras obtener el Grammy por "Unchained", dedicada a la comunidad musical y radial de Nashville que no quisieron tocar ese material, por considerarlo country bastardo, raro, alternativizado, incómodo. Que se los folle un pez.

Si no te gusta Dylan, jamás vas a entender el sentimiento que provoca su música y no pienso gastar caracteres en convertir a los infieles ni mucho menos explicar el mecanismo dylanita deformador de canciones y modificador de gargantas. Pasa en el fútbol y en el amor: la química no se puede fingir. Y quienes acudieron a Arena Santiago buscando pirotecnia, pantallas gigantes, demagogia y un inmaculado set de canciones conocidas para chapurrear en inglés, debieron quedarse en casa escuchando los tres volúmenes de grandes éxitos de Bob, el Destructor. Todos tenemos nuestros momentos personales de Dylan y por eso agradecemos que las canciones varíen show tras show. Aunque una de mis favoritas es "Series of Dreams", que probablemente no suena en vivo desde comienzos de los 90. Desde el fondo de la cancha yo quedé conmovido con "When the Deal Goes Down", "Nettie Moore" y los focos dorados bañando el Oscar conseguido por "Things Have Changed", posando sobre un amplificador. Me puedo morir tranquilo porque escuché en vivo las históricas "Like a Rolling Stone", "Blowin`in the Wind", "Highway 61 Revisited", "Lay Lady Lay" y "Just Like a Woman". Agradecí como cabro chico que tocara "Honest with Me" y "Summer Days". Salí del show con la fe renovada, tal como me sucedió cuando vino Lou Reed a promocionar "Ecstasy" al Víctor Jara. Aquella vez inicié mi culto Velvetiano Reedoso DougYulístico, mis sentidos quedaron alterados entre las cuerdas que rompía Lou, su apasionada insistencia con su material solista y el saludo final a la Velvet para dejar las cosas entre amigos.

Asunto que nos lleva a Jarvis, el Valiente. Porque hay que tener muchas pelotas y buenas canciones para montar un show con un solo disco con nombre y apellido bajo el brazo (obviaré Relaxed Muscle) y negarse a visitar la comodidad del templo de Pulp. Y el hombre de las gafotas tiene el don. Ese es un frontman. Y no se trata de cantidad de saltos, piruetas, saludos en español, banderas al viento y millas acumuladas de tanto moverse sobre el escenario. Dylan, el Estático, es un espectáculo magnético que basa su poder en su presencia monolítica y gruñona. Cocker es, sobre todas las cosas, un tipo que hace tan buenas canciones que dan ganas de quedarse viviendo dentro de ellas. Me sucede con "Heavy Weather", "I Will Kill Again", "Disney Time", "Fat Children", "Running the World" y "Don`t Let Him Waste Your Time". Ahora, considerando que esto no es Europa, donde las giras del buen Jarvis serán algo frecuente tras cada lanzamiento, y que andaba acompañado por su compadre Steve Mackey al bajo, una Pulpada no habría venido mal antes o después de la apoteósica versión para "Starman" de Bowie.

Punto que rebota hacia el arte del cover y Francisca Valenzuela. Aunque escuché sus demos y la entrevisté en el desaparecido Concierto Enfoque antes de su explosión mediática, nunca la había visto en vivo hasta hace un par de semanas. Fue en la Universidad de Los Andes, allá arriba, en la inauguración del año estudiantil organizada (oh, ironía) por el COA, Centro Organizador de Actividades. Buen show, sobre todo por su celebrada versión para "Run Run se fue pa`l norte" de Violeta Parra y (oh, sorpresa) "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash. Ahí simplemente se transformó en June Carter, guitarra al viento, negrura country por dentro.

Acorde que me lleva a las transformaciones, como la experimentada por Sabina Odone, ex integrante de Supernova 2.0 y del refrito Música Libre 2001. Tras un buen rato de exploración entre los bosques, dio con una fórmula de pop folklórico que es formidable y que en vivo es una fiesta hipnótica. Sabina lanzó hace algunas semanas su disco "Sentencia de amor imposible" en El Living y el comienzo de la aventura no pudo ser mejor. Hubo un momento en que pensé que presenciaría un caso de combustión espontánea: ella, cual Juliette Lewis poseída por los diablos de La Tirana, se contoneaba y bajaba del escenario como un nuevo tótem con el ombligo al aire. Porque más allá de la belleza de la chica, las canciones son cañonazos en la noche. Con elementos de Andrea Echeverri de Aterciopelados, la primera Julieta Venegas y mucha sangre chilena, Sabina se pasea por nuestra geografía musical sin forzar la caja de cambios y con los suficientes quiebres como para secuestrar la emoción a tiempo completo. Hizo dos covers de Violeta Parra: primero, "La jardinera", demasiado impostada y literal, casi fuera de lugar; luego, optó por "Qué he sacado con quererte", con mejores resultados gracias a un abrasivo enfoque minimalista. Salí del Cine Arte Alameda entusiasmado. Odonizado. Esperando por más cosas buenas que este año ya desencadenó.

Interpolar

2008-03-07T02:27:00.003-03:00

Una banda parada sobre el Caupolicán sin más armas que sus canciones y los electrificantes pasos de baile del guitarrista Daniel Kessler, que no habrían desteñido en una presentación de Stray Cats u otro combo rockabilly. Nada de pantallas, proyecciones ni gestos para la galucha. Bueno, quizás cuando el cantante Paul Banks usó una bandera chilena como capa, pero hemos visto cosas peores en nuestros escenarios. Mucho, mucho peores. Hubo una partida en falso, líos con los teclados que bañan el tercer disco "Our Love to Admire". Agradecimientos en limpio español. Aullidos de la fanaticada cada vez que aparecían las canciones de los impecables discos "Turn On the Bright Lights" y "Antics". Interpol es un grupo sólido en vivo. Lástima que "Our Love to Admire" no está a la altura de sus antecesores. Vaya que lo intenté, le di múltiples oportunidades, pero no. A ratos es tan plano, genérico y flojo que desespera, con una insospechada tendencia a regalar frases para el joven indie emo-cionado. En ocasiones, alza el vuelo y uno recuerda por qué llegó al cuarteto en primer lugar. Me quedo con esas aerolíneas llamadas "Pioneer to the Falls", "The Heinrich Maneuver", "No I in the Threesome" e incluso la difusa "The Lighthouse". Para el resto, mejor buscar en los aceitados Editors, The Bravery e incluso The Killers, estas dos últimas bandas más ligadas a la new wave con turbo y sintetizadores que al post-punk más siniestro. Ahora, ver a Interpol en vivo en Santiago (lo tecleo y me río solo), no tiene precio. Para todo lo demás, tenemos a Dylan la próxima semana.

Las películas de mi vida

2008-02-27T21:40:00.003-03:00

Nota publicada en revista Caras, febrero de 2008... sí, la que tiene a Raquel Argandoña de rojo furioso en tapa. Ya saben, no hay más de seis grados de separación entre dos seres humanos en el planeta. Ahora que Concierto Enfoque descansa en paz, estrenamos cada jueves a las 19.00 en La Comunidad Sin Anillo de Concierto.

Pictures of You

2008-02-20T19:39:00.005-03:00

Formatos del pasado

En tiempos menos digitales y más análogos, las carpetas para prensa traían fotos en papel de los artistas o películas a reseñar. Eso fue antes de Internet, los archivos zip, las cámaras fotográficas digitales y la cultura del copy/paste. Más que la fotos cinematográficas, me gustan los retratos de las bandas. Tienen el espíritu fantasmal de las Polaroid, mi formato favorito para capturar momentos. Bestias en peligro de extinción. Buscando entre mis archivos di con fotografías de The Other Two (la mitad más piola de New Order), Dishwalla (sí, los noventeros de "Charlie Brown´s Parents" y "Counting Blue Cars"), Cake (dueños de las insuperables "Frank Sinatra" y el cover de "I Will Survive") y John Lennon & Yoko Ono (con ropa). Son pocas, así es que ahora las compro cada vez que se me atraviesan en una feria de antigüedades, persa o puesto de cachureos varios.

En años más análogos todavía, las parejas tenían muchos hijos, criaban racimos familiares. Como la familia Cash. Confieso que para mí el bueno de Johnny era sinónimo de "The Wanderer", esa hermosa colaboración que cierra "Zooropa" de U2, y de "Ring of Fire", que venía en el soundtrack de una película llamada "Love and a.45" que allá por 1994 protagonizó una rubia llamada Renée Zellweger que ni se imaginaba que años después ganaría el Oscar y que convertiría sus clavículas en objetos del deseo. El señor Cash renació a fines de los 90 gracias a su serie "American Recordings" con Rick Rubin y ahí me puse un poco más al día. Pero siento que recién lo estoy conociendo gracias a "Cash: The Autobiography" (1997), cuyo primer capítulo me dejó igual de tiritón que toda "Lunar Park", la magnífica novela de Bret Easton Ellis que venden en edición de bolsillo en librerías a un precio minúsculo.

En una época relativamente reciente, hacían más comedias románticas como "Letra y música", protagonizada por Hugh Grant y Drew Barrymore, que es puro e hilarante pop con guiños para marmotas melómanas golosas. Además, el video de PoP!, el grupo a la Wham! que da inicio a la película, es una obra maestra para la generación VH1. En realidad, para cualquiera con una dieta intensiva de video clips. "Pop Goes My Heart", canta Hugh Grant en la pantalla. Un relato emocional perfecto para el recién casado que soy.

007-008

2008-01-05T19:42:00.000-03:00

Este blog es como el volcán Llaima. Erupciones inesperadas. Murió Julio Martínez. Una vez fue a mi universidad, la USACH, a dar una charla en Bachillerato. Estaba lleno y se mandó una perla pop tras otra. Terminó ovacionado. Recuerdo que dijo algo así como "¿Ustedes creen que me tienen en pantalla por bonito? Obviamente no, pues, sigo ahí porque la gente todavía me quiere". Y pucha que lo queríamos. El Gran Conehead. Con mi abuelo, un teórico de la Polla Gol, nos quedábamos pegados mirando el 13 allá en Molina. JM, amables lectores, tenía el corazón del porte del Estadio Nacional. Y como dijo el Copano chico, "JM no murió, sólo volvió a su planeta". Un mundo pelotero sin pelotudos.

Hablando de pichangas, uno de mis momentos favoritos del año pasado fue el partido entre los históricos de Rock & Pop (Marcelo Aldunate, Pato Muñoz, Pato Cuevas, Pablo Aranzaes, Carlos Costas, Marcelo "Huesos" Jirón, Chico Jano, Humberto Sichel y quien escribe) versus el modelo 2007-2008 / La venganza de la gente normal. Nos humillaron 4 a 1 en el primer tiempo; en el segundo, terminamos ganando 5 a 4. Épica a la uruguaya. Los ultra-pro videos están en You Tube, en tres partes... aunque los muy picotas apenas dedican algunos segundos a nuestro espectacular renacimiento, mientras que sus cuatro anotaciones tienen hasta repeticiones.

Por varios años hice recuentos con lo mejor de cada temporada para las revistas en que trabajaba. A estas alturas de enero, está repleto de listados, así es que no te haré perder el tiempo con menciones a las entregas emblemáticas de LCD Soundsystem, Arcade Fire. The Good The Bad & The Queen, The Shins y los sospechosos de siempre. Considerando que sólo estoy tecleando para este blog, mi selección funciona así: tengo un reproductor MP3 con apenas 1 GB de capacidad. Los discos 2007 que NUNCA borré fueron:

Air, "Pocket Symphony"
Au Revoir Simone, "The Bird of Music"
Crowded House, "Time on Earth"
Jeremy Fisher, "Goodbye Blue Monday"
Radiohead, "In Rainbows"
St. Vincent, "Marry Me"
Sophie Ellis-Bextor, "Trip the Light Fantastic"
Nine Inch Nails, "Year Zero"

Y los cds que más gasté fueron dos retornos mayúsculos: "Memory Almost Full" de Paul McCartney y "Beauty and Crime" de Suzanne Vega.

Hablando de chilenos, mis queridos paladines de www.musicapopular.cl me pidieron una lista con sonidos nacionales destacados de 2007, sin orden específico ni textos adicionales, y les devolví:

Leo Quinteros, "Los accidentes del futuro"
María Perlita, "Panc"
Francisca Valenzuela, "Muérdete la lengua"
Philipina Bitch, "Té, papaya y completos"
Gepe, "Hungría"
Quintessence, "Quintessence 2005-2007"
Mariel, "No me despierten!"
Anita Tijoux, "Kaos"
Rosario Mena, "Perpetua"
Muza, "Terciopelo: Bolero electrónico"
Teleradio Donoso, "Gran Santiago"...

Acá no puedo evitar una acotación. Para muchos, el largo de Teleradio fue EL álbum local. A mí, en general, me deja frío, pero creo que es un debut sólido como las Torres Petronas que contiene tres de las mejores canciones que escuché en estos 12 meses: "Máquinas", "Gran Santiago" y "Eras mi persona favorita". En esta categoría debería agregar a "Cocodrila" de Los EX, pues contiene las impecables "Cruzar la calle" y "Llorar aquí mismo".

Un feliz 08 para todos. A ver si este año regreso con programa radial propio.

Quiero mis 30

2007-12-13T09:44:00.000-03:00

Soundgarden, 1987

Despedí mis 30 años y di la bienvenida a los 31 con Chris Cornell interpretando canciones de Soundgarden que desfilaban como si fuera una versión en tiempo real de la película "Singles: Vida de solteros". "Levántate y anda", era la orden que el músico daba a cada uno de mis recuerdos en medio del sonido deficiente del Espacio Riesco. Una década en exposición. Bastaba mirar a los nostálgicos del grunge, con sus carreteadas poleras de Pearl Jam, Nirvana, Smashing Pumpkins y Alice in Chains. Era cosa de contemplar a ese público masculino, en su mayoría, que parecía recién despertar de la resaca de las camisas de franela, los bototos y la barba chivo. Un gran casting de la nostalgia bajo un cielo protector de concreto. El Espacio Riesco olía a 90: sudor, rabia, depresión, intensidad, un tufillo alcohólico de adulto joven y ex adolescente alternativo. Tuve el mismo escalofrío que sentí con la visita de Eddie Vedder y compañía, luego con Dolores O´Riordan de The Cranberries y recién con la aparición de Beck en el Nacional. El retorno a los 90 es más agresivo que la moda ochentera, tal vez porque esta última década fue más superficial en términos pop, incluso a pesar de la dictadura. El noventismo está lleno de mártires y fracasos, de enterarnos que la alegría llegó a medias, de querer comernos el mundo y terminar masticando el polvo. Es más intimidante al ambiente barra brava del recital de Cornell y los chillidos de chicas pegadas con The Cranberries que el paisaje de la new wave maquillada y hedonista de la Blondie. Siento que los 90 carecen del elemento inofensivo, lúdico y ridículo de los 80: todo tenía que ser intenso, desgarrado, extremo, desde las relaciones sentimentales hasta el volumen de las guitarras, pasando por las fiestas electrónicas y el cine. Donde los 80 celebraron, los 90 se estresaron. "Si no duele, no vale", una filosofía que muchos abrazamos con entusiasmo. En medio del show de Cornell, me acordé de Prong y su "Snap Your Fingers, Snap Your Neck", de los grandiosos Therapy? y su "Nowhere", de Corrosion of Conformity y aquel "Clean My Wounds". Sonidos muy propios de aquellos años. Obvio, teníamos a Ace of Base y 2 Unlimited, pero incluso ese tipo de proyectos polarizaba más las opiniones que en su momento, digamos, Rick Astley y Bananarama.

Dame luz: Zia McCabe de The Dandy Warhols

Toda esta reacción en cadena comenzó con The Dandy Warhols, una de mis bandas favoritas y estelares teloneros del señor Cornell. Un regalo escuchar "Godless", "Not If You Were the Last Junkie on Earth", "We Used to Be Friends", "I Love You", "You Were the Last High", "Get Off" y "Bohemian Like You". Yo habría cambiado "All the Money or the Simple Life Honey" y el volón de percusiones que los llenó de pifias, pero a esas alturas ya estaba teorizando hasta sobre la esquizofrenia de Dios. Y nada superará la violencia que sufrieron Love & Rockets y Nick Cave and The Bad Seeds cuando compartieron cartel con Cypress Hill... en la "democrática" década pasada. Una lata perderme Phoenix, lo mínimo es que la productora respete el horario indicado en la entrada, pero en diciembre ya estamos gordos de tragarnos los pasteles del año.

Nirvana, 1990

Cuando Cornell sacó la guitarra acústica e hizo covers, todo cuadró. Su cover para "Billie Jean" de Michael Jackson, su tributo a "Thank You" de Led Zeppelin, sus reconstrucciones de Audioslave y esa sensación de "venir de vuelta para ir de nuevo" fueron el pegamento de mi zoológico de ideas. Porque, como alguna vez escuché en una teleserie nocturna de TVN, uno no cambia sino que se pone más viejo. Mejor dicho, nos ecualizamos con el paso de los días. Al llegar a casa, me fui derecho al libro "Screaming Life: A Chronicle of the Seattle Music Scene" de Charles Peterson, un registro fotográfico que toma su título del EP de Soundgarden. Ahí estaba el joven cantante junto al guitarrista Kim Thayil dándolo todo en la faena rockera. Más jóvenes y chascones. Al lado de Green River, Mother Love Bone, Mudhoney y muchos más. Gente que de tanto gritar despertó a la vida, aunque varios quedaron sin voz. El durmiente debe despertar, escribió Frank Herbert en "Duna". Los 90 son una bomba de tiempo y su tic tac no se detendrá. Más nos vale saldar las cuentas con el pasado, para que el revival nos pille confesados.

Las fotos en B/N corresponden al talentoso señor Peterson. Mira más aquí.

Synchronicity

2007-12-10T09:57:00.000-03:00

Lo estamos pasando muy bien, io-io-io-io...

Durante la primera parte del set de The Police en el Estadio Nacional, simplemente olvidé que había teloneado Beck. Y eso que me gusta harto el rucio, su selección de canciones me pareció brillante, su versión cuasi-REM para "Lost Cause" me conmovió y su motudo bajista tenía más energía que el río Palena. Pero la iluminación apocalíptica y mínima desde la que se elevó "Message in a Bottle" fue de otra galaxia. Tres héroes enfrentando al cráter diabólico que siempre es una cancha de fútbol llena de fans. La explosión de "Synchronicity II" me dejó lelo, turulato, wachamélico. Más adelante, "Driven to Tears", "Hole in My Life", "Truth Hits Everybody", "Can´t Stand Losing You" y "Next to You" tendrían el mismo efecto. Estos veteranos, además, están pasándolo chancho de gira: en media hora hubo más comunicación, muestras de complicidad y sonrisas que durante las dos jornadas de Soda en el mismo lugar. A Stewart Copeland (mi Police favorito) dan ganas de invitarlo a tomar unas cervezas. Y bueno, que cada uno busque a la señorita que quiera después de la cuarta. Yo descubrí al trío cuando estaban disueltos hace mucho. Nunca imaginé que los vería en directo. Así es que no hubo nostalgia esa noche, sino puro y duro presente. Por algo, mi momento favorito fue en una de las pausas, cuando la gráfica sublime del disco "Ghost in the Machine" se apoderó de las pantallas. Una estética que seguro envidian desde U2 a Daft Punk.

Anoche fue el turno del llamado "Salmón". Confieso que soy un turista en el Planeta Calamaro. Entiendo el idioma, pero me cuesta hablarlo y más todavía comprender las costumbres. El Espacio Riesco fue el peor lugar para intentar un acercamiento. El sonido era tosco y la idea de poner sillas fue de una brutalidad total. Pasó con Coldplay, se repitió con el bueno de Andrés: su público fervoroso y de raíces rolingas no necesita estar contenido por filas de asientos plásticos. Es tan insensato como pedir a los fans de A77aque que asistan al Estadio Obras en tenida formal. No me quedó más que sentirme arrastrado por la marea calamarista y aplaudir la entrega sobre el escenario. Porque, gracias a la amplificación, de sus letras pude apreciar el 20%.

PD: La gran foto de este post pertenece a Andrés Medina. Mira su trabajo aquí.

Radiactivo

2007-11-21T14:02:00.000-03:00

Para los viudos de Fonosíntesis: por esta semana, asumiré el mando de Concierto Enfoque, desde las 18.00 horas, en la 88.5. Hoy miércoles el entrevistado será Ernesto "Che Copete" Belloni. Mañana jueves, el escritor argentino Alan Pauls y el cineasta Patricio Guzmán.

Hay vida allá afuera: el Fidocs en Cine Hoyts La Reina, los fabulosos Quintessence tocan esta noche en Matucana 100 y el enorme documental "La ciudad de los fotógrafos" de Sebastián Moreno sigue en la cartelera del Cine Arte Alameda. Y más encima House tiene nueva temporada. Si hasta Marcelo Salas está haciendo goles. Magnífico.

Me verás girar

2007-10-25T20:57:00.000-03:00

Tarda en llegar... y al final, al final, hay recompensa.

La mejor forma de sacarme todos los malos recuerdos de 1997.

Aunque pasé susto durante el comienzo con "Juego de seducción", cuando el sonido todavía no se afirmaba. Me contaron que en Andes los rebotes hicieron añicos la noche. Yo estaba en cancha a un costado de la torre central y el sonido era una aplanadora. Con "Imágenes retro" y "Texturas" ya viajaba hacia otra galaxia. En el camino, descubrí que en el fondo nunca me gustó demasiado "Zoom", quizás porque en su momento sentía sucia envidia de las parejas groovy que aparecían en su video. "Final caja negra" sonó como el maremoto acercándose a la playa que es. Felicidad envasada. "Signos" fue el eslabón más débil, porque la percusión sonaba demasiado baja. Durante la tarde, estuve en la prueba de sonido y ensayaron casi 15 minutos ese track específico. Cerati pidió hasta el cansancio que el bombo sonara más "duro". No lo consiguieron. Tras ese punto de quiebre, Soda sólo me regaló (porque esto es TODO personal) una emoción tras otra: "Fue", "En remolinos", "Primavera 0", "Sueles dejarme solo", "En el séptimo día", "Cae el sol" y "Zona de promesas". "Prófugos", una canción que nunca pesqué demasiado, creció dentro de mí gracias a ese ingrediente U2-Simple Minds-arranca-que-te-pillo que late bajo sus estrofas.

¿Juntarse por plata? Excelente. Son sus canciones, no le roban a nadie. Y fue mejor "Me verás volver" que "Me verás guatear", como sucedió en el 97. ¿Qué fue un show frío? No para mí. Además, las críticas vienen de una prensa más preocupada del jet set que pululaba en el Estadio Nacional que de la música. O escritas usando la cabeza como un revólver: la reseña de El Mercurio hablaba de "Luna roja", melodía que Soda jamás tocó. Esa es la auténtica comunicación si emoción... y sin información.

Es cierto que Cerati, Alberti y Zeta se veían muy, pero muy felices por separado, metidos en sus instrumentos. Entre ellos había una tenue complicidad. Mejor así que empapelarse en piropos con saliva atravesada. Me parece ridículo andar llorando en cada show de esta gira de bienvenida/despedida. Si en 20 años más el grupo decide reunirse porque quieren que sus nietos los vean sobre un escenario, que lo hagan. Así aprovecho de llevar a mis hijos para que reciban, al menos, una parte de la euforia. "En la ciudad de la furia" no pertenece a nadie en particular, ni siquiera a sus autores, sino a todos quienes la construimos como un himno con cierto significado épico. Sobre todo quienes crecimos en pueblos chicos. ¿Que Soda es una banda de tributo a sí misma? Mejor que lo hagan ellos que otros y con la tecnología adecuada. Porque el escenario que montaron era una maravilla. ¿Que hubo algunas pifias? Obvio, Soda no es Rush. Admitamos que están tocando como nunca. Y el viejo Zeta luce mejor que la mitad de mis jóvenes amigos. Y cuando chico uno quería ser rock star para dar espectáculos como el que vivimos. Para una jornada redonda, nada mejor que "Alive and Kicking" de Simple Minds cuando se prendieron las luces.

Comparta usted sus emociones.

Entre la gente que deja posts por aquí hay almas grandes.

BONUS TRACK: Hoy miércoles 31, desde las 19 horas, estaré en Vía X en la "Sodatón".

Una parte de la euforia...

2007-10-02T15:38:00.000-04:00

... literalmente

24 de noviembre de 1995, una de las fechas del Sueño Stereo Tour en el entonces Teatro Monumental. Odio que amputen mis boletos, porque los colecciono. Comparta su memorabilia en el minisitio dedicado a Soda en Concierto.

Hipopótamo anoréxico

2007-09-25T23:53:00.000-04:00

Una historia. Mi primer trabajo fue haciendo un programa llamado “El hipopótamo anoréxico” en radio AlfaOmega de Curicó. Iba el sábado y, pese a su nombre, era un show musical, inspirado en la estética de la Rock & Pop y, en particular, en “Placa sónica”, que por esos días animaba Alfredo Lewin en Concierto. Corría 1995, yo estaba en segundo año de periodismo, y conseguimos la oportunidad para tocar desde Metallica a Los Santos Dumont, pasando por Pavement y Def Leppard. En ese auténtico apostolado melómano gratuito me acompañó mi amigo Alejandro Lois. Aprender al aire es impagable. Aunque, siendo justos, recibimos unas botellas de sidra y un par de asados a cambio. Cada vez que voy a mi casa paterna, sintonizo AlfaOmega. Me conforta saber que sigue al aire y con buena salud, dando la pelea en tiempos de gigantes corporativos. Mi tío Juan es el programador y hace un gran trabajo, combinando de todo un poco y diseñando un mapa musical donde caben desde Gepe a Shakira. Después de la temporada inicial con Lois, seguí haciendo solo “El hipopótamo anoréxico” por dos temporadas más. Viajaba cada fin de semana a Curicó, ritmo que se hizo insostenible mientras más compromisos asumía en Santiago. Tuve que abandonar. Me concentré en terminar la universidad mientras escribía para la Zona de Contacto y luego para el Cuerpo de Reportajes de El Mercurio. Fue mi servicio militar en el periodismo político. Como mi rango era el de “ayudante periodístico” tenía que hacer de todo, desde rastrear fotos en Documentación (departamento entonces a cargo de un crítico de TV llamado Paulo Ramírez) hasta descasetear y tipear entrevistas. Después empecé a reportear historias cortas que aparecían bajo el título de “Cuenta que”. Cuando en 1998 Pinochet fue detenido en Londres, incluso firmé un par de artículos. El Año Nuevo del ´99 me pilló en el Jamboree Mundial de Picarquín, como infiltrado en el mundo scout enviado por la Zona. Desde ahí hice mi primer despacho para Rock & Pop, radio que me acababa de contratar. Debuté al aire contándole a Valeria Peña que no podía trabajar tranquilo con tanta mina rica alrededor. Estuve un año y tres meses en la 94.1. Fue Antes de Napster, cuando los sellos discográficos tenían presupuesto para derrochar, así es que me convertí en un periodista en gira. Así conocí Rio de Janeiro, Buenos Aires, Nueva York, Los Ángeles, Ciudad de México... y la Quinta Vergara. Conocí a un tal Javier Sanfeliú, flamante creativo de la radio; trabajé con Rolo Ramos haciendo “La galería nocturna” y con Pablo Aranzáes en “Sonidos comunes”.“Ultramán” Cancino era mi nombre de batalla y no, no me revolcaba con monstruos, sino que casi rapado mi cabeza parecía la máscara del héroe nipón. Salía cada vez más al aire, todo marchaba perfecto, hasta que me despidieron, junto a casi una veintena de trabajadores de Iberoamerican Radio Chile.

El primer despido siempre es devastador, porque es una cachetada a tu autoestima. Recuerdo una nota de LUN en que mi nombre salía junto al del Kiwi entre los exonerados. Cesante, quemado y con una vida sentimental volcánica, fue Valeria Peña, también despedida, quien me rescató. Ella logró motivarme para presentar un proyecto radial juntos en Zero y FM Tiempo. Debutamos en esta última con el matinal “Abre los ojos” a mediados de 2000. Era un gran espacio, pero duró poco: siete meses después la 95.9 entró en crisis y cancelaron todos los programas, excepto el de Bonvallet. En parte fue un alivio, porque yo había aceptado el cargo de editor del portal Loquesea.com en Chile y el fin de “Abre los ojos” me permitió dedicarme a una sola misión. Como el adicto a la radio que soy, me quedé como asesor creativo por otros dos meses, hasta que me di cuenta que nada tenía que ver con la idea de convertir a la Tiempo en un clon de FM Hit. La gente de Loquesea me tuvo trabajando un mes en Caracas. Gané harto, viví funky y conocí a la mujer de mi vida.

La burbuja online reventó y envió a la tumba al portal del “sexo, música y psicodelia a domicilio”. Mi jefa ahí fue la encantadora Claudia Larraguibel, quien escribió una novela llamada “Reír como ellos" que deberían rastrear. Volví a golpear la puerta de FM Tiempo, que en mi ausencia había mutado hacia una radio musical firmemente anclada en clásicos de los 80 y 90. Feliz me uní como creativo-editor del proyecto. Trabajamos duro para que el 95.9 fuese de nuevo una referencia de canciones pop con alma y bajo el eslogan de Algo Bueno Está Sonando funcionó. Volví al aire tomando la conducción de “Número Uno”, programa que transformé en “Fonosíntesis”, mi máximo orgullo radial.

Después de casi cinco años y casi 800 programas, nunca había permanecido tantos días en el mismo barco. Estaba inquieto, con ganas de algo nuevo y pasando un mal momento emocional. Me ofrecieron el puesto de editor de radio Concierto y acepté. Fue duro dar el salto, alejarme de un lugar donde me sentía querido y sepultar “Fonosíntesis”. Fue el precio. El mismo día que renuncié, tenía que ir a un recital de Catupecu Machu que debía reseñar para la revista Rolling Stone. Estaba solo en la Pista Atlética cuando recibí un mensaje de texto que decía “Sergio, gracias por aceptar”. Era de Sanfeliú. Jamás olvidaré ese gesto. Son las cosas que hacen la diferencia. La aventura en la Radio de Hoy fue intensa, pues había muchos programas que alimentar: “Noches Concierto”, “La maquinita”, “Concierto placer” (luego “Objetos encontrados”), “Dingo Domingo” y “Tres meses de vacaciones” (luego "Catálogo Concierto"). Hubo instantes de lujos psicotrónicos, el Catálogo mismo, las sinopsis fílmicas y la sección de los Niños Melones para “Sandía”. Hicimos el radioteatro “Los Cincos Sentidos” con Raúl Ruiz, uno de esos honores que uno se lleva a la tumba. Y también giga-especiales de Gabriela Mistral y Violeta Parra. Sin embargo, a diferencia de la primera mitad de esta década y a pesar del wasabi que le poníamos, Concierto ya no corría sola en el carril de la nostalgia y la modernidad. El mismo público ahora era disputado por varias ofertas. Y vino el cambio: de la Radio de Hoy a la actual Presente en tu Memoria. No me gusta definirla como ochentera, porque aunque el énfasis está puesto en esa década, también suenan canciones más viejas y más nuevas. Para mí el ochentismo carece del sentido del humor que buscamos en nuestra puesta al aire. Nunca clasifico demasiado, ni siquiera entre rock y pop. Menos voy a andar etiquetando canciones por su fecha de nacimiento. Es sólo música. Una cosa que aprendí de entrada es que para escuchar todas las cosas que me gustan tengo mi casa. Si es por gustos personales, mi radio ofrecería un panorama exótico y anticomercial con, digamos, “The Gates of Delirium” de Yes pegada con “Foggy Notion” de la Velvet Underground, pasando a “Method of Modern Love” de Hall & Oates y “Rent” de Pet Shop Boys, de “Miénteme” de Mikel Erentxun a “Me cuido” de María Perlita, cerrando con las variaciones Goldberg al piano de Glenn Gould y la banda sonora que hizo Toto para “Dune” de David Lynch. No se trata de andar levantando muros entre trabajo y placer, negocio y arte, sexo y amor, más bien es una cuestión de sentido común y de cómo manejamos nuestras disonancias cognitivas, las contradicciones entre actitudes y conductas, entre pensamientos y actos.

Al final, todos somos unas paradojas, algunas más flacas que otras. Es un asunto de equilibrios y adaptaciones. Las estructuras rígidas se quiebran con los terremotos, decía una frase de continuidad de la antigua Concierto. Yo no quiero fracturarme, con el esguince de mi tobillo derecho ya tengo suficiente. Y aunque a Sanfeliú también le picaron los pies y decidió moverse, leyendo lo escrito uno nunca sabe cuándo los personajes retornan a esta historia. Perspectiva y movimiento. Las palabras como medio de transporte, como afirma Paul Auster en su sombría novela “El país de las últimas cosas”. Claro, tienes todo el derecho a cambiar de dial porque ya no encuentras las canciones que te gustan, porque ahora encuentras otras músicas que por gusto, o por prejuicio, te cargan. Pero no menosprecies a quienes son diferentes y tienen otras inquietudes, por más ñoñas y conservadoras que parezcan. La arrogancia condenó a Luke Skywalker. Y es más interesante convertir a los infieles que dinamitarlos. Cada uno tiene sus métodos. Gracias totales a quienes nos acompañaron en La Radio de Hoy. Bienvenidos los tripulantes del Presente en tu Memoria. Lo mejor de ambos mundos está por venir. Gracias porvenir.

Linda ella

2007-08-25T00:23:00.000-04:00

La imagen de la semana

Aquí puedes escuchar mi entrevista a Homero Simpson, directo desde Springfield. Me gustó mucho el resultado. Y acá hay una a Jack White de The White Stripes, aunque sin subtítulos. Aquí dejo un texto que escribí rápido para Concierto Enfoque. Sobre Leonor Varela, obvio.
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Confieso ante Dios Todopoderoso y ante vosotros hermanos, que mi infancia terminó cuando vi a la actriz nacional Valentina Vargas en aquella desbocada escena de la película “En el nombre de la rosa”. Ese día comenzó mi adolescencia. Valentina agitó mi coctelera hormonal y nada fue igual.

Ahora debo confesar que esta mañana mi mundo tembló ante el titular de La Cuarta: “Leonor Varela tiene con babero a George Clooney”. Y ahí aparece ella, retratada con la culebra en la mano. Hablamos de la serpiente que envolvió su anatomía para la serie televisiva "Cleopatra", que puso a la actriz chilena en la mira de los gringos.

Leonor Varela junto a George Clooney. Clooney, quien alguna vez fue el Batman con más canas de la historia, pero que ahora es un actor, director y productor muy reputado. Qué linda imagen. Claro, Leonor había salido con Billy Zane, recordado como el villano de “Titanic”, al que le entró agua al bote y en la mollera. Pero que la prensa alemana la amarre con Clooney es otra cosa. Con todo respeto, Billy, es como cambiar a Nelson Acosta por Marcelo Bielsa, ya que andamos tan futboleros. Yo creo que es un símbolo: esto marcará de verdad el salto de Chile hacia el desarrollo, hacia ese país donde la discusión sobre sueldo ético, épico o dramático, no tiene sentido. Usted brinde hoy por la nueva pareja y rece para que el pan no se queme antes de entrar al horno. Queremos ya un hijo de los novios y que Cecilia Bolocco regrese al periodismo con un nuevo artículo en El Mercurio. Queremos boda, queremos que George Clooney sea chileno, nuestro cuñado, para así entrar a la Primera División de la farándula mundial. Porque esas son las cosas que importan, ¿cierto?. ¿O tomé mucho martini al desayuno?.

Abandonar la normalidad

2007-07-06T21:16:00.000-04:00

Después de tanto silencio, algunos artefactos pop que me tienen feliz:

- Jeremy Fisher, en la foto. Cantautor canadiense (aguante la Sub 20) que gracias a un genial video en You Tube obtuvo un contrato para continuar con su carrera discográfica. "Más de dos millones de visitantes no pueden estar equivocados", deben pensar en su sello. Un tipo peleón, empeñoso, de esos que hacen mucho con poco. Que inventan lo que no tienen, que a falta de champú se lavan el pelo con quillay. "Goodbye Blue Monday" se llama su nuevo disco, que incluye una maravilla llamada "Jolene". El video goleador es para "Cigarette", una canción sobre los puchos que un fumador sabrá apreciar en nuevas y desconocidas dimensiones. Justo ahora me acordé de Jolene Blalock (en la foto), actriz que interpreta a la vulcana T´Pol en "Star Trek: Enterprise". Ella es una de las mejores razones para fantasear en gravedad cero. Un alien así necesitaba el Episodio I de "Star Wars", no esa bofetada a la inteligencia llamada Jar Jar que... y los ewoks... y los... eh... mejor paramos la nerdería ilustrada.

- La película "Everything Is Illuminated" o "Una vida iluminada" o "Todo está iluminado". Debut como director del gran actor Liev Schreiber, basado en la novela de Jonathan Safran Foer. Un libro que no leí. Me quedaré con la peli, así evito las comparaciones de rigor. No quiero estropear un recuerdo agradable. Actúa Elijah Wood, como un escritor judío que parte a Ucrania rastreando sus orígenes familiares. Tiene el espíritu de road movie en ácido de "Little Miss Sunshine", cinta con la que comparte una estética amarilla, aunque esta me gustó más. Es como lomografía emocional aplicada. Tiene un par de escenas para llorar con la guata apretada.

- Darme cuenta que, a pesar de mi poco tiempo para actualizar, hay muchos posts amistosos para este blog que es como el antejardín de mi casa. Sobre los otros retornos en el año de los regresos (Soda, The Police, James, The Verve, Genesis...): "Time On Earth" de Crowded House es un disco de otra galaxia. Bienaventurados quienes caminan con las canciones de Neil Finn y compañía en los oídos. En la esquina opuesta, "Zeitgeist" de los Smashing Pumpkins decepciona por kilos. Billy Corgan necesita un abrazo, igual que Jack Bauer. Alguien que le diga "loco, guarda la pistola, saca la bicicleta, abandona tu normalidad". Bauer dispara balas y ya torturó a la mitad de Estados Unidos; Corgan usa las capas de guitarras como un fusil y atraviesa con sus delirios megalómanos un disco monótono y duro como un yunque. Yo quería canciones para reencontrarme con Pumpkins, de quienes aprecio incluso el injustamente basureado "Adore". Si hasta en "Machina..." había tesoritos. El 2007 ni el genio del productor Roy Thomas Baker (Queen, The Cars, The Darkness) salva del naufragio a unas melodías enterradas bajo el ruido. Bastó escucharlo sobre el escenario de Live Earth en julio pasado. Una paliza sónica sin matices, excepto por un par de excepciones. No tengo el cd aquí, así es que me guardaré los nombres para el próximo post. Lo mejor del álbum es la tapa. En el próximo capítulo, lindas recomendaciones musicales en plan femenino: Rosario Mena, Francisca Valenzuela, María Perlita...

Nuestra fe

2007-06-11T19:49:00.000-04:00

Y yo que creí que ese "gracias... totales" sería el definitivo. No, pues. Al fin sucede. Soda Stereo está de vuelta. Dejando de lado las emociones del adiós, no quedé feliz con el último concierto en el Nacional, ese 13 de septiembre de 1997. La entrada a cancha costaba 10 lucas. Teloneó Solar. Hubo guerra de botellas plásticas y recuerdo que protegí a mi novia de entonces. Al final, el show sonó mal, despacio. Las pantallas gigantes no funcionaban bien y varias veces hubo pifias con las proyecciones sobre el enorme escenario blanco. Todo se ve más lindo en el DVD filmado en el Estadio River Plate. La idea de esa noche es mayor que los hechos comprobables, asunto bastante común a medida que uno crece. Quizás por eso me emociona esta segunda oportunidad. Es como cuando uno vuelve con la ex con la intención de, ahora sí, hacer las cosas bien. El problema es que, como todos sabemos, las probabilidades de que salgan mal son altas y si salen bien es de formas hiperbólicas y bíblicas. Cerati, autor de todas las letras que sirven como nick de MSN, volverá a comandar la locomotora. Como The Police, los argentinos parecen estar de vuelta para demostrar que el odio puede congelarse e incluso derretirse por una gira y la posibilidad de una jubilación eterna. De hecho, el sitio oficial deja claro que por ahora se trata de una burbuja, de un paréntesis en las carreras solistas del tridente mágico.

Hablando de reuniones, hay un par que me tiene por las nubes. Crowded House lanzó su primer álbum desde 1993 y el single "Don´t Stop Now" cuenta con Johnny Marr en las guitarras. Y ya sabemos lo que estos chuchetas son capaces de brindar. Por otro lado, la formación de James que parió "Laid" grabó "Who Are You" para el compilado "Fresh As a Daisy: The Singles". Prometen más wasabi. El retorno de Muza, con su disco de boleros electrónicos "Terciopelo", es mucho más de lo que esperaba. Sol Aravena es capaz de soplar nueva vida sobre un camino tan transitado como "Bésame mucho". A mí me recuerda la majestuosidad de dormitorio de "Formica Blues" de Mono. El nuevo disco de Golem se llama "Pausa". Es la banda ideal para pasar el invierno con cortes de gas y electricidad. Ya saben, es el arte de poner canciones tristes para sentirse mejor. Todos nosotros lo sabíamos, desde chicos. Pero Cerati lo escribió en un papel, lo cantó y se quedó con el crédito.

McCartney III

2007-05-28T20:50:00.001-04:00

Macca sigue siendo dios. Con o sin Nigel Godrich en las consolas, McCartney continúa con el genio prendido en su nuevo disco "Memory Almost Full". A ratos suena a Wings con turbo, con nitro, y eso es genial. Con o sin el video dirigido por Michel Gondry y protagonizado por Natalie Portman, "Dance Tonight" es pegajosa y adictiva como un yo-yo. Es una lástima que termine en un fade out medio chungo. "Ever Present Pass", "Only Mama Knows", "You Tell Me", "It Was Me" y esa sección final... Ayayai. Da escalofríos pensar qué podría salir de una colaboración 2007 entre Jeff Lynne y el señor Beatle. Desde "Flaming Pie", del ´97, Paul viene atropellando por los palos. Estamos en pleno revival de aquel "London Town" de 1978. Y las mejores pechugas no estaban con los Stones, sino con los Beatles.

El Gepe ese...

2007-05-19T21:03:00.000-04:00

Se acabaron las vacaciones. Anoche Gepe lanzó su nuevo disco "Hungría" en el Cine Arte Normandie. Perfect Night: Live in Santiago, podría llamarse el registro. Claro, ya lo usó Lou Reed para uno de sus discos en vivo. El ex Velvet Underground ahora anda en plan contemplativo: su regreso se llama "Hudson River Wind Meditations". El nombre lo dice todo: paisajes electrónico-ambientales para respirar en cámara lenta, hacer Tai Chi, ejercicios o bien mirar el sol caer sobre tu ventana. Volviendo a Gepe, "Hungría" es el disco con más alma que he escuchado este año. En 35 minutos te deja con los ojos humedecidos y echando de menos cosas que ni te acordabas que echabas de menos. En el Normandie, hacia el final, hizo una entrega de "Domino Dancing" de Pet Shop Boys capaz de dejar fuera de juego a King Kong. El próximo domingo 27, a las 20.15, en Dingo Domingo de Concierto transmitiremos el estreno húngaro. El Dingo de mañana trata sobre calentamiento global y fue realizado por el bueno de Werne Núñez.

Para que todo sea conceptual, aquí van mis textos sobre PSB disponibles en Rolling Stone de mayo, con Fiskales Ad Hok en tapa. Tengo el nuevo disco de McCartney esperándome en casa. Siempre una ocasión para enloquecer.

POPTIMISMO
Pet Shop Boys, Estación Mapocho. Domingo 25 de marzo. (4 estrellas)
Canciones enormes para gente grande que baila con el disco y también gusta del rock

Desde 1994 que Pet Shop Boys ostentaba el título del Mejor Show Bajo Techo Realizado en Santiago. Sólo Kraftwerk pudo acabar con el reinado, esa traumática noche del 10 de noviembre de 2004 en que encendieron sus robots en el Estadio Víctor Jara y nos crujió el alma. La cara fea de la segunda visita del dúo británico fue el recinto elegido: la Estación Mapocho y su insoportable acústica. En mi experiencia, sólo Gilberto Gil, David Byrne y el espectáculo Víctor Jara Sinfónico han superado la prueba con excelencia. Pet Shop Boys tuvo buen sonido, digamos aceptable, pero limitado a las localidades más cercanas al escenario. Las caras, VIP, invitados, con mesitas. La galucha tuvo que conformarse con el rebote, los manoseos tipo Transantiago y las luces lejanas de un espectáculo soberbio. Mientras los precios de las entradas suben, más duele que las productoras no inviertan un poco más en la amplificación, sobre todo en escenarios deficientes como Mapocho o el Espacio Riesco. Tal como sucedió con Coldplay, gran parte de los fans más expresivos estaban apretujados en el fondo y sin pantallas gigantes para acercarlos a sus héroes. Para ellos, la principal recompensa será decir “yo estuve en esa gira” cuando aparezca el anunciado DVD Cubism que documentará una fecha mexicana del tour 2006.

Vamos ahora por la cara amable del aterrizaje de Pet Shop Boys: para empezar, el disco que vinieron a promocionar, Fundamental de 2006, es el mejor desde Very de 1993. Para cerrar, un setlist impecable, con éxitos, lujos, rescates y felices guiños ochenteros para quienes insisten, más allá de la voluminosa evidencia, en que el dúo es una banda símbolo de la década de Magnetoscopio Musical. En medio queda todo el electro-universo condimentado con los filosos apuntes culturales gentileza de Neil Tennant y Chris Lowe. Después de la intro con “God Willing” vino “We´re the Pet Shop Boys”, un original de My Robot Friend que lejos de sonar autorreferente fue mesiánico. Luego los bailarines, los disfraces, la fiesta desatada. Si la inmovilidad mecánica define a Kraftwerk, las coreografías teatrales hacen lo suyo por el dúo. Una banda dueña de un tema como “The Sodom and Gomorrah Show” no necesita más explicaciones. Sin embargo, los ingleses también conmueven cuando se quedan solos bajo los focos para interpretar “Minimal”, fusionada con la sublime “Shopping”, o cuando dejan en los huesos piezas como “Rent” y “Home and Dry”. “Can You Forgive Her?” y “Dreaming of the Queen” fueron dos acertados paseos por el mencionado Very. El único álbum que no estuvo representado en el show fue Nightlife de 1999, quizás el trabajo menos osado de los muchachos, pero que está lejos de ser un estancamiento como los registrados en las segundas partes de sus carreras por titanes como REM, U2, New Order e incluso Depeche Mode.

Pero más que enumerar los aciertos a la hora de generar estados de ánimos, el asunto de fondo es que Pet Shop Boys es una gloriosa anomalía. Más allá de la voz de Neil Tennant y de la imagen icónica, la esencia del dúo es una fe ciega en las posibilidades del pop como artefacto de salvación masiva, es una incansable búsqueda de puntos de quiebre y sonrisas cómplices. La vida es mejor con Pet Shop Boys creando alrededor. Quizás la mejor definición de la intensidad emocional del grupo está en su DVD A Life in Pop: Tennant y Lowe profundizan a través de lo superficial. El recuerdo de fiestas y noches pasadas en "Being Boring”, la canción que cerró el show en Mapocho, adquiere proporciones bíblicas cuando uno supera los 30 y se da cuenta que de todas las personas que quiso, algunas están aquí y otras se fueron para siempre.

A Life in Pop, Pet Shop Boys. Tres estrellas y media.

Chris Lowe, el hombre de la sala de máquinas de Pet Shop Boys conocido por su prolongado mutismo público, habla. Fuerte, claro, con sabiduría y sentido del humor. Es el primer acierto de este extenso documental que recorre la historia del dúo inglés de pop electrónico. La película comienza con cada músico recorriendo su propia ciudad natal y contándonos de sus orígenes, intereses, sueños y aspiraciones. El director George Scott se toma su tiempo en retratar a sus protagonistas en los respectivos contextos geográficos y sociales. No hay prisas ni jugarretas con las cámaras, sólo una mirada atenta a las sutilezas de los personajes y a mostrarnos quiénes son estas criaturas consagradas a fabricar canciones que son más bien crónicas sobre cultura popular, política, historia y relaciones humanas. O, como canta Neil Tennant, sobre sol, sexo, pecado, muerte, destrucción e intervención divina. Con los perfiles claros, pronto nos encontramos con una carrera discográfica tratada con profundidad y abundantes entrevistados. Ante la cámara desfilan colaboradores como el productor Trevor Horn (ex Buggles y Yes), el cineasta y artista visual Derek Jarman, el fotógrafo y director de videos Bruce Weber, clientes como la legendaria Liza Minelli y varios fans célebres, como Robbie Williams, Jake Shears (Scissor Sisters), Brandon Flowers (The Killers) y Tim Rice-Oxley (Keane).

Aunque la obra de Pet Shop Boys es evidencia suficiente para canonizarlos como la mejor banda pop de los últimos 20 años, el documental es un constante recordatorio de la auténtica genialidad de estos veteranos. Por eso se echan de menos testimonios de mayor peso y diversidad, considerando la enorme cantidad de asociados y admiradores del grupo. Uno de los puntos de encuentro de Tennant y Lowe fue su devoción por David Bowie, con quien grabaron “Hallo Spaceboy” en 1995. Habría sido fantástico contar con las opiniones del extraterrestre. Y de Madonna, Kylie, Elton John o Axl Rose, quien alguna vez comentó que el álbum Behaviour (1990) lo dejó loco. O de los alemanes Rammstein, quienes no dudaron en pedirle al dúo un remix para su “Mein Teil”, tal como Blur hizo con “Girls and Boys”. Como extras hay videos para los recientes singles “Miracles”, “I´m With Stupid”, “Minimal” y “Numb”. Completan la oferta apariciones televisivas de “West End Girls”, “What Have I Done to Deserve This?” (junto a Dusty Springfield) y “Go West”. Esta última, en un momento Zoolander, interpretada en los Brit Awards de 1994 junto a un coro de mineros en vestimenta laboral. Otro instante para atesorar es el relato del proceso de musicalización del clásico del cine ruso “El acorazado Potemkin” de Sergei Eisenstein (1925), que derivó en un emotivo concierto gratuito en Trafalgar Square junto a la Sinfónica de Dresde. Ante todo, y pese a algunos vacíos relacionados con las entregas más recientes del dúo, A Life in Pop es la grandiosa celebración de una banda que supo crear sus propias reglas.

Polonio

2007-04-26T21:18:00.000-04:00

Recuerdos de Shell Beach

Suena como un planeta de Star Trek. Pero en realidad es Cabo Polonio, Uruguay. Conocido hoy como el lugar cuyo faro inspiró a Jorge Drexler para su magnífico disco "12 segundos de oscuridad". El martes pasado, el músico defendió con maestría y humildad su discografía en el Teatro Caupolicán. Recuerdo cuando tocó en el Café del Patio, promocionando "Frontera" (1999), para unos cuantos curiosos que aceptamos la invitación del sello. Por esos años, en medio de mis naufragios sentimentales, la simple frase "no somos lo que quisiéramos ser" de "La edad del cielo" fue un rayo entre los nubarrones. Nadie imaginó que el hombre del tabique nasal raro iba a ganar un Oscar. O que su arte de pedales y efectos personales mutaría en un combo generoso capaz de llenar un recinto santiaguino a mitad de semana con muestras de histeria y ansiedad entre las señoras y señoritas y señoritos y hombrones. Aplaudo cuando los tipos buenos ganan. En el Caupolicán, por primera vez, me gustó y le encontré sentido a "Al otro lado del río". Una canción que yo juzgaba un artefacto por encargo y con olor a leche rancia. Nunca será mi favorita, pero ahora me cae mucho mejor. Drexler en vivo sigue haciendo los comentarios ingeniosos que hizo en Providencia hace tanto tiempo. Lamento no haber conversado más con él entonces. Porque al entrevistarlo por teléfono, dos veces antes de su último concierto, me convencí de que el hombre ahora es un enigma que no quiere ser examinado. Al menos no en la dinámica periodista-entrevistado-tenemos 15 minutos y nada más. Quizás sí en la lógica doctor-paciente o cantinero-bebedor o carpintero-aprendiz o vecino-parrillero. La historia de grabación de "12 segundos..." es tan inspiradora como el álbum mismo. Cabo Polonio me recuerda a Shell Beach, la playa inalcanzable de una de mis películas favoritas de la vida, "Dark City" de Alex Proyas. Tan feliz quedé con Drexler que incluso procuro olvidar que interpretó junto a su hermano Daniel una melodía de acuarela desteñida como "Peñalolén". Eso se llama prestar ropa. Y de buena tela.

Wasabi

2007-04-18T20:05:00.000-04:00

Keane goleó a Coldplay. Tom "el flaco con cara de gordo" Chaplin mojó la camisa sobre el escenario del Vive latino 2007. Con actitud, wasabi, entrega, buena voz, carisma, garra, polenta, confesiones, uranio enriquecido, frases para los fans, demagogia de bolsillo y todo lo que un buen frontman debe entregar. El sonido estuvo nítido, sólido, aunque al principio los vecinos de Rata Blanca causaron un oleaje molesto. Eligieron las canciones perfectas ("Atlantic", "A Bad Dream", "We Might As Well Be Strangers") trajeron escenografía propia, con proyecciones para las pantallas gigantes y un equipo de cámaras que los siguió con cariño y devoción. Esas imágenes, en blanco y negro, estuvieron impecables. Como ver un DVD en directo. A pesar del horario, el concierto tuvo todo lo necesario. O cómo una banda "chica", al lado de U2 y Coldplay, puede hacer bien la pega. Y hasta emocionar con esas teclas que tanto me recuerdan a Ben Folds Five.

Entrevista con el Cancino II, gentileza de Macedonia, aquí.

Y vayan a ver The Science of Sleep de Michel Gondry. Charlotte Gainsbourg está increíble a medio camino entre Patti Smith y Colombina Parra. Hijas de tigres cachondos. Lemon Incest. Y Gael García Bernal = "no puedo evitar tener sentimientos". Hombre sensible, un festín para las niñas. Aunque a ratos, entre tanto juguete y llanto... le falta wasabi. La ciencia del sueño no es dormir 8 horas diarias. Es hacerse el despierto cuando todavía estás soñando y que te paguen por eso.

Minimal

2007-03-30T23:01:00.000-04:00

¿Por qué siguen haciendo recitales en la Estación Mapocho? En mi experiencia, sólo Gilberto Gil, David Byrne y el espectáculo Víctor Jara Sinfónico han superado la prueba con excelencia. Pet Shop Boys tuvo buen sonido, digamos aceptable, pero limitado a las localidades más cercanas al escenario. Las caras. La galucha tuvo que conformarse con el rebote, los manoseos tipo Transantiago y las luces lejanas de un espectáculo soberbio. La mejor banda pop de los últimos 20 años. Para los escépticos: el documental A Life in Pop, el mismo que vendían la noche del concierto a 10 lucas. Cuando uno ya tiene 30 años, la canción "Being Boring" adquiere proporciones bíblicas.

* Mi comentario extended mix sobre PSB debería aparecer en el número de mayo de Rolling Stone.

Un chancho sobre Macedonia

2007-03-17T00:00:00.000-04:00

Los chanchos voladores y el prisma láser. Qué noche. Roger Waters superó su marca anterior en el Estadio Nacional. Sin embargo, igual sigo echando de menos a David Gilmour, Rick Wright y Nick Mason. Así de acostumbrado, y enamorado, estoy de la versión oficial de Pink Floyd. Crecí con el VHS de "The Delicate Sound of Thunder", conté los días para el lanzamiento de "The Division Bell", soñé con "Pulse" y su luz roja. Tengo gastado el caset de "A Momentary Lapse of Reason". "On an Island" del gordo Gilmour me gusta más que cualquier disco de Waters. Y estoy contando "The Final Cut", ese álbum solista camuflado. Estas son líneas sueltas tecleadas en medio de un cambio de hogar. Estoy en pausa, en comerciales, me quedan muchas cajas por llenar, cápsulas de tiempo que armar, memorias que apilar. A partir de mañana, mi novia y yo crearemos nuestro bimundo. Es como ir a colonizar Neptuno. Vértigo. Mientras tanto, les dejo esta entrevista gozadora a cargo de la gente entusiasta de Macedonia. Soy el entrevistador entrevistado. Glup.

2007, Year of Meteors

2007-03-08T13:57:00.000-03:00

Temporada 2007 en Radio Concierto. Adiós al Concierto Enfoque modular, rotativo, giratorio, multimodal, con diferente vocalista o como quieran llamarlo. De lunes a viernes, desde las 18.00, Sergio Fortuño es el hombre ancla del programa, escoltado por el equipo base de Concierto: Augusto Góngora, Patricio Urzúa, Antonia "Corazón de Látex" Hernández y quien escribe. Entramos a picar, renovamos y nos gusta el resultado. Lo pasamos bien haciendo el show.

Después, a las 19.30, llegan Fernando Lasalvia y Eduardo Kuthe con Objetos Encontrados, un espacio que lleva al dial la filosofía youtubista: felices hallazgos sonoros, cultura pop y mágicos instantes de infancia. ¿Otras novedades? El gran Santiago Pavlovic se unió a MSOD (o Mañana Será Otro Día, 07.00, junto a Rafael Cavada y Paulo Ramírez).

La chica de la foto es Laura Veirs. Su nueco disco "Saltbreakers" es pop emocional del bueno. "Year of Meteors", su trabajo anterior de 2005, también merece la atención de tus orejas. "Neon Bible" de Arcade Fire es uno de los discos más épicos y dramáticos de los últimos años. Y me gusta el nuevo de Air. No se puede odiar un cd que se llama "Pocket Symphony" y tiene canciones con títulos como "Napalm Love", "Space Maker" y "Once Upon a Time". Mi MP3, que no es un iPod, también escupe sin parar el disco que el año pasado lanzaron los suecos The Sounds. Y sí, confieso que estoy excitado por la visita de Asia. No, no la rica de Asia Argento, sino de la ochentosa superbanda de prog-rock. Y viene Pet Shop Boys, Roger Waters, Placebo... se casa mi amigo Pancho Ortega. Ando en bicicleta al margen del Transantiago. Marzo. Como "March", el enorme disco de Michael Penn, el esposo de Aimee Mann y maestro por derecho propio.

Very Cold Play

2007-02-17T22:03:00.000-03:00

Pésima idea que tocaran en el Espacio Riesco. Una banda que hace rock para estadios metida a la fuerza en un recinto pequeño, de concreto, con sillas, acústica mediocre, a un precio estratosférico (sobre todo para sus mejores fans, los sub-30) y sin pantallas gigantes (a diferencia del tramo inicial del Twisted Logic Tour). Todo en el nombre de la "intimidad"... cuando buscarla en el Espacio Riesco es como andar a poto pelado por el Paseo Ahumada y esperar que nadie se dé cuenta. A cambio, Chris Martin escupió en español los chamullos del manual del rockero sensible de gira. Sus compañeros, pura eficiencia muda. Me habría conformado con algún comentario cómplice sobre, digamos, "Sparks" o "Til Kingdom Come". O tocar más canciones en la sintonía de "Square One" y "Politik", dupla poderosa para abrir un show. Porque estos muchachos tienen las canciones suficientes para conmover, pero parecen estancados en un loop anti-climax. Como ese mono feo que pintó Martin en la primera noche (¿acaso Gwyneth le dijo que dibujaba lindo y se la creyó?). Como esas pelotas de todos colores que cayeron en medio de "Yellow" (¿costaba mucho comprar puras pelotas AMARILLAS?). Como esa actitud de ser los U2 en minúsculas que a ratos les parece tan cómoda. Por último, un discurso pro-OXFAM o un cover jugado o tocar "X & Y" o "Low" o "Twisted Logic" o "A Rush of Blood to the Head". Me gusta Coldplay, pero siento que me deben una. Una grande.

UltraVioleta y el columnista cancelado

2007-02-03T20:46:00.000-03:00

Este lunes 5 de febrero, a 40 años de la muerte de Violeta Parra, en Radio Concierto ofreceremos una programación especial para celebrar la vida y obra de nuestra artista más completa. En La Maquinita (11.20), Sandía (13.20), Catálogo Concierto (15.45) y Concierto Enfoque (17.45) compartiremos música, tributos, entrevistas y reflexiones sobre una mujer excepcional. Durante el día, oirás las versiones que Colombina Parra, Gepe, Javiera Mena, Francisca Valenzuela, Leo Quinteros y Ricardo Villalobos grabaron especialmente para la ocasión, más los covers del disco homenaje "Después de vivir un siglo" (2001). Imperdible. Yo estaré en el Catálogo junto al musicólogo y maestro Juan Pablo González. Y tocaremos los 12 minutos de la hipercanción "El Gavilán", entre otros tesoros.

"En otro ámbito", cual lugar común de los noticiarios, acaban de cancelar mi columna en la revista Vive! del cable VTR. Reducción de costos. El texto que adjunto corresponde al número de febrero. La última, aunque habría sido más épico despedirme con la columna censurada de enero, cuya versión completa está más abajo. "Fue lindo mientras duró, snif (octubre 2002 - febrero 2007)", rezaría el epitafio. Gracias a todos quienes se detuvieron alguna vez en esas páginas. Quedan invitados a este blog porque, como la costumbre es fuerte, seguiré escribiendo. Y prometo terminar la novela que tengo en el disco duro hace 2 años.

Franz Salvador Gaviota

Qué hacer con el Festival de Viña. Imposible ignorarlo, improbable abolirlo. A nivel de acontecimiento pop anual, existen años sin Teletón, sin Mundial de Fútbol, sin elecciones, pero a la Quinta Vergara no me la tocan. A veces sueño con un febrero sin baladistas de palo, sin transmisiones televisivas eternas, sin chillidos comunes. Alucino con la imagen de Antonio Vodanovic y Sergio Lagos juntos en un bar, como padre e hijo, ahogando las penas ante la desaparición de la semana más hiperventilada del país. No. Mejor imaginar un festival potente, con Daft Punk, The Cure, Bloc Party, Ladytron, The Who y unos The Police recién reunidos. En el jurado, Phil Spector, George Martin y Paula Abdul. No. Mejor un festival bien chileno, una celebración del bicentenario concebida como cumbre absoluta de la identidad nacional. Todo gracias a un asesor municipal adicto a http://www.musicapopular.cl/, una voz valiente que convenció a los organizadores de la necesidad de un tributo a la Orquesta Huambaly, de la presentación de Víctor Jara Sinfónico, y de todas las voces que irrigaron nuestra historia. De Lucho Gatica a Kudai. Electrodomésticos y Redolés en Viña, mientras Síndrome y Nadie ofrecen una presentación final tocando detrás de un telón, como Gorillaz. Videos de artistas chilenos independientes saldrían por las pantallas gigantes durante los tiempos muertos. En realidad ese no sería el festival de todos los chilenos. Entonces, ¿qué hacemos?. Mejor lo aceptamos como el pariente gritón, medio antipático, pero que tira un par de buenas tallas de repente. Como el lujo de Franz Ferdinand el año pasado. Antes que empiecen con los tradicionales comentarios sobre “la calidad de los artistas”, la estéril charla sobre “la trascendencia de la competencia internacional” y los bostezos sobre “la labor de los animadores”, es más sano sentarse a ver el festival con un buen trago y mirarlo como quien espía a la vecina depilándose. Y agarrémonos a cachuchazos, porque este 2007 se viene mejor que otros años. A lavarse la boca si van a decir que Tom Jones, Bryan Adams o Fito Páez están viejos y no vienen “en su mejor momento”. Es la excusa perfecta para dispararles sin ni siquiera haber escuchado sus discos ni leído sus historias. Además, es raro que alguien aparezca en la Quinta en su hora más brillante. “No me pidas más de lo que puedo dar”, cantó con sabiduría Alberto Plaza. Es demasiado triste que nadie hable o escriba en serio de música durante Viña. Claro, no es el festival de Glastonbury, pero es un encuentro de músicos, pese a la plaga de polillas. A ver si este año el reportero Franz Salvador Gaviota y sus editores hacen bien la pega debajo del escenario.

Este 28 de enero...

2007-01-10T07:42:00.000-03:00

Última oportunidad para escuchar la radionovela de don Raúl.

Triple continuado desde las 20.15 en Dingo Domingo, es decir, los tres capítulos sin interrupción.

Algunas notas de producción aquí. Snif, mi abuela habría estado orgullosa. Ella era profesora rural en Casablanca, VII Región, entre Molina y Entre Ríos. Una fan de la Mistral.